妻子看到门口楼梯上的烟头说,哪个王八蛋这么没教养;丈夫看着电视新闻上所谓『正能量大师』诈骗的新闻说,人得多蠢才会信这种鸡血?
丈夫说,我失业两个月了,抽烟的人是我,妻子说,我就是买这个正能量课程的笨蛋啊。
然后夫妻相对无语,完成一个沮丧的闭环。
这是1997金融风暴的前夕,一个再普通不过的新加坡家庭的故事,然而这不是故事的主线,主线是一个女佣,和她照顾的一个十岁的男孩。
第一次知道这部电影是一个香港人写的影评,因为里面一句对白,十岁的小孩说家里的菲佣,你的孩子才十几个月,你就把他扔家里出来工作,菲佣说,你妈妈不也是把你交给一个陌生人吗?
孩子沉默了一会儿说,I‘m sorry.以前看过的新加坡电影大概是只有一部《海南鸡饭》,非常的浪漫,优美,不算开明的家长最终也不得不接受孩子是Gay的事实,并且终于开始了自己的恋爱。
我喜欢那个男主角,Yan can cook的主持,在美国教人做饭的华人,他长得几分像李连杰,我也是因为看这个节目爱上做饭的。
我想《爸妈不在家》正如《天水围的日与夜》以真情动人,情节平实而流畅,但表情达意非常准确较贴近真实生活,从而我也觉得李光耀实在没什么好骄傲的,新加坡并不是什么典范。
这个国家真的是一个Fine Country,一个10岁的孩子就要不分青红皂白的打藤,两个孩子打架,矮小的孩子打翻了高胖的孩子,住院了。
矮小的孩子被惩戒,校长对家长说的话是:我们必须采取行动,让对方家长看到我们在行动。
这部片子忽然让我觉得新加坡很陌生,但想想也明白,它毕竟也是个华人社会。
这部电影真正打动人的是情感,导演兼编剧陈哲艺投入了很多情感,它非常真实,每个人的性格都那么鲜明,还有很多于无声处听惊雷的细节,例如,菲佣特丽莎简单的一句:你难道觉得这个家里问题还不够多吗?
比如孩子在爸爸破车里打开音乐放的是王杰的《一场游戏一场梦》,这是97年亚洲金融风暴来临的前夜,一切都是梦幻泡影,一场游戏一场梦。
那些没有直接说出的事实:菲佣特丽莎原来是发型师,会开车,会抽烟,你可以想象她的生活,如今她离乡别井。
导演用情之深,让人觉得那些小男孩儿模模糊糊的青春期性意识觉醒也处理的如此自然。
我没去过新加坡,但去年看到余澎衫因言获罪,最后不得不流亡美国的新闻,基本上可以认定,大家都是圈养,只不过新加坡更加高级罢了。
国家给你工作,给你房子,给你钱,但是,请遵守纪律,且没有自由。
自由真是奢侈的东西,新加坡的自由未必比菲律宾多。
然而,人类终究是追求自由的,无论再精致的猪圈里,也总有一些特立独行的猪,例如本片的编导,也是新加坡人,他如此真实,充满感情的回忆了自己的童年。
太棒了这个片子。
导演陈哲艺1984年生人,亚洲金融危机时13岁,和片中小男孩的年龄差不多。
这一块背景一直不太懂,因为三年后我才出生。
而且97年也是香港回归年,我在想这一部分会有什么关联。
但是这部作品并不是当下危机的即时记录,而是过了将近二十年后的再回顾。
导演把镜头聚焦在一个小家庭,一个待产的中年母亲、一个失业的父亲、一个调皮但聪明的男孩、还有一个同样为了孩子和家庭而在外谋求生计的菲律宾女佣。
这个家庭只是那场大风暴中再普通不过的一个社会单位,但是却于琐碎的争吵、日常的对话、几个紧急而又焦虑的家庭电话扒出平凡个体在社会巨变下所遭受到的冲击,今天老师上课的时候、还在跟我们讨论“什么是现实主义”,如果仅仅从中文的角度、这部电影不论从电影视听语言还是叙事题材上,都是我所认同的现实主义。
现实主义对于我而言,是关于个体经历的、是关于普通人的日日夜夜所凑成的历史。
如果从英语realism溯源,那关于具体的人的现实片段所拼凑成的整体事实就是“真理”、就是“本质”。
所以在这个程度上,不仅是中国的现实主义还是西方的realism,毫不冲突。
但是如果这部电影没什么大的野心,只是单纯的做一个导演的童年回忆录,那也失去了“现实主义”的内涵,最终可能也只停留在导演的流水账意淫里,根本也不可能去打动2013年以阿涅斯瓦尔达为代表的戛纳评委、也不可能去击败同一年的大师们。
这部电影妙就妙在他给了观众全知的视点,母亲阿玲在经济窘迫的情况下依然买了所谓“成功学”这些洗脑传销课程、爸爸躲在楼道里一根一根地抽烟、小孩家乐像个小大人一样为了躲避受罚用彩票号码来和“成年人”-老师做交易、给爷爷上坟时郑重其事地给他烧彩票黄页并祈愿、女佣餐前的祷告。
从物质的角度,每个人都为了维持生存和繁衍,卖力地投入到社会市场的流水线中、以劳动和精力来换取食物和金钱,每个成年人都格外实在、功利和物质化,一边给后代供应一个稳定安全的物理空间、一边丧失了对自己的生活partner的感性情绪和精神倾诉;从精神的角度,成年人、甚至是小孩子把希望寄托在虚无缥缈的宗教、成功学鸡汤、受资本家操控的股票、还有死去的肉身,一边换取生存、一边寻找寄托,在那个艰难的时代几近丧失尊严和骄傲地、极其狼狈地继续生存繁衍。
写到这里,好像也慢慢厘清为什么这部片子大家都说好、不论是东方还是西方的观众都动容,因为每个平凡的个体都是这样在漫长的人类史中存续下来的,我们自己构建起的价值观、美好的人性理念,其实都是现实和历史长久缺失的。
这不光是一部个人的回忆录、甚至还坚持了一种……人们愿意去认同的关于生活、生命、现实、历史的本质规律。
《爸妈不在家》是刚刚步入天命之年的第50届金马奖的最大冷门。
爆冷就意味着观众要在信息极度匮乏的状态下完全用直觉去迎接一部电影。
从来没听说过的导演,从来没见过的演员,这正是狭路相逢见真章的时候。
这一次,爆冷带来了惊喜。
和导演陈哲艺的采访约在午夜,忙碌的连轴海外发行宣传并没有减损他语气中的清爽精神,毕竟太年轻,84年的白羊座男生,对电影有执著的热情。
也许是因为有着相同的海外求学电影背景,采访中的触角蔓延到比我预想更远的边际,从剧本创作到现场拍摄,从电影教育到华裔电影人的海外机遇,从童年往事到未来发展,陈哲艺像一个成绩很好的学长,循循善诱的告诉学妹,考第一名的秘诀就是要好好学习,认真复习。
听上去似乎不如宝典秘籍来得诱人,但武林正道自有正道的力量。
尽管导演一再重申《爸妈不在家》是一部完全没有企图心,非常单纯讲故事的电影,然而本片的视野之广,角度之准,叙事的老道成熟都让我击节称赞。
陈哲艺回归自己的故土与记忆,描写了一个调皮男孩与菲律宾籍女佣Terry的短暂相处,和一个平凡的三口之家的境遇变迁。
像一面小小的三棱镜,折射出金融风暴下90年代的新加坡七彩光谱。
电影的最后,家乐在Terry进入机场之前剪下了一束他平时觉得“Very 臭的hair”(新加坡式中英文夹杂对白,也为电影情景增色不少)作为告别。
其实,电影中有三个小孩,Terry远在菲律宾的孩子,男主角家乐,以及母亲肚皮里揣着的孩子。
其实,所有的小孩,都在爸妈不在家的情形下偷偷的长大。
“电影如果太主观,就会出现盲点。
”潘萌(以下简称潘):导演好,我们从电影本身开始聊起吧,首先剧本写了多久?
陈哲艺(以下简称陈):整整两年的时间。
潘:最终稿和最初的版本差异有多大?
陈:肯定是非常大。
我最原先的初稿,它里面的灵感其实来自我小时候的回忆,个人的成长经历,所以刚开始写的时候就比较像在记录自己的童年。
因为确实生活本身是没有什么架构的,很平淡,所以其实第一版写的太近了,太贴近自己。
后来慢慢找到比较客观的方法,给自己一些距离,形状就慢慢出来。
比如我有两个弟弟,我们是三兄弟,但其实最后片子就变成独子。
第一版剧本是有三个小孩。
潘:在写这种非常带有个人经历的题材,可能在外人看来好像很容易,但其实更麻烦。
陈:你说的没错,会很难啊。
会有很多盲点。
很多时候你会沉溺于一些脑海里的烙印,有时候又放不开,因为太主观了。
电影如果太主观,就会出现很多盲点。
需要加工和处理。
潘:如果太是自己的故事,也许最后只会感动自己,别人可能看了也体会不到相同的点。
陈:对啊,你觉得你是抓到了一个点,但其实它还是很模糊很不清楚的。
你还没有看到它背后的意义到底是什么。
潘:那你刚才说最后找到了一个可以拉开距离的,比较抽离的客观的创作方法,到底是什么?
陈:其实……就是必须不停的写啊。
写了第一版之后一定要写第二、三、四、五版,必须很努力的去批判自己的作品。
潘:剧本让我觉得花了很多功夫于无声处,成熟、细腻、流畅。
可不可以问一下你是什么星座?
陈:白羊。
潘:哪有这么细腻的白羊?
陈:我非常典型的白羊啊。
就很固执,做什么东西我都不会放过自己。
“在生活中找到一种隐喻和诗意。
”潘:我对电影中鸡的意象很感兴趣,从一开始的电子鸡,到宠物鸡,过生日吃炸鸡,祭祖用的鸡等等,这些想法是怎么来的?
陈:我喜欢在生活里找到一种隐喻,找到一种诗意。
电影不只是在重现生活,其实是要很有选择性的,很小心的去找到你想要的呈现。
我很多时候创作的方法从观察自己的记忆出发,小时候玩电子鸡,一度也有养小鸡,小鸡长大之后我家的菲佣就真的把它们宰了,我们也就真的把它们吃了。
潘:同感啊,我们的童年就是这么的残酷。
陈:而且不管是生日啊什么的,小朋友最喜欢吃肯德基嘛。
这些不相干的东西,当把它们串起来,其实就找到了里面的隐喻和诗意。
电影对我来说为什么这么好玩,就是里面的这个东西。
你可以抓出生活很平淡的东西,里面的意思又会不同。
潘:那如果剧本定稿和最后成片相比,有没有哪里是有点儿遗憾的,比如说多一些时间,或者成本预算再大一点,能够更好的呈现?
陈:这个片子我看了很多次,带着它去不同的影展。
上次看大概是在三藩市亚美电影节的时候,到目前为止,我还是蛮满意的,也许一年两年后会看到更多的瑕疵。
以我想呈现的作品来讲,应该是我有史以来所有作品中完成度最满意的一个,看的时候很舒服。
潘:这种第一部长片所特有的真实度和新鲜度,对每个导演来说都是可贵的。
陈:应该说这部电影的企图心其实很单纯。
我一开始就想要很诚恳的讲一个简单的故事。
完全没有说要争多少票房,拿多少奖。
完全就没有这种抱负。
就是很单纯的要拍好一部电影。
到目前为止《爸妈不在家》拿了差不多30个奖项,在非亚洲地区也得到了很好的成绩。
我也是现在才意识到,也就是因为一开始的目标是那么的单纯,所以现在片子才会有这样的能量和力量。
潘:《爸妈不在家》的海外发行情况怎么样?
你觉得欧美观众对这部电影的接受度如何,和你预期的反响有没有差异?
陈:4月20号我们会去北京,在北京电影节办大陆地区的首映。
接下来5月在英国,接下来还有韩国和日本。
国外观众的反应很好。
我们在法国的票房好到让我意外。
今年1月在瑞典放映,每天上座率也非常高。
现在已经销售到世界各地三十多个地区,以一个亚洲很小众的华语电影来说,很难得。
潘:的确是非常好的成绩,恭喜你。
陈:谢谢,我觉得这部电影带来的收获很多。
“Shape、Tension、Energy”潘:我在之前的访问中看到你有提到过三个词,你认为电影最关键的是shape 、tension和energy,这个理论很有意思,可以具体用《爸妈不在家》做例子,解释一下吗?
陈:以整个电影来说,很多人跟我说为什么这个片子剪的那么精准和紧实,点到为止就走了,这个就是因为我一直在保持着这三个东西。
我不会让能量散掉。
如果一看到已经够了,再多就要泄掉了,我就马上剪。
如果要具体讲例子,可能要看着片子一边说。
潘:整个电影拍摄周期有多长?
陈:本身只有25天。
但从构思到完成花了三年。
潘:实拍中有没有觉得很困难,印象很深的一场?
陈:嗯,我自己蛮喜欢的一场是酒楼里奶奶过生日。
那场蛮辛苦的,足足拍了2天。
因为演员太多,我又想营造一种很生活,很自然,没有加工过的味道。
所以不管在选角上还是拍摄上,都花了很多时间。
所以最后看到的,就是一个大家都很熟悉的华人大家庭。
潘:那场戏非常家常,非常亲切。
陈:我记得在剪片的时候,爸爸发酒疯的那一段,我突然在画面上看到我自己的爸爸。
我突然感觉这些人都是我认识的,都是从我生活里跑出来的。
我相信只要是华人,看了那场戏都会有共鸣。
潘:应该有很多人跟你说看完《爸妈不在家》会联想到杨德昌导演的《一一》吧?
在创作和拍摄《爸妈不在家》的时候,有受到哪些作品的启发吗?
陈:很多时候,那些影响不是导演自己可以弄清楚的。
我当然也有喜欢的导演,也看了很多电影,一个导演通常都是从前辈和很多电影中吸取不同的养分。
杨德昌当然是我一直以来很欣赏的导演,如果有人说在我的片子里看到了一种杨德昌的味道,我也觉得是件好事啊。
潘:除了杨德昌,还有哪些是你喜欢的导演?
陈:我欣赏的导演包括侯孝贤,杨德昌,李沧东,李安……应该说可能大家会拿我的片子做比较,可能因为我们在看社会、选题材还有在我们的电影里面都看到了对人文的观察和兴趣。
潘:你最近看过的一部片子,会想要推荐给大家的是什么?
陈:我满喜欢去年在戛纳电影节的一种关注单元里的, 法国片子, stranger by the lake(《湖畔的陌生人》)。
他其实是个同志电影,但是我这十年来最好看的同志电影。
它很像希区柯克拍出来的同志电影,抓张力抓的很好,而且很多时候,他懂得去超越和颠覆观众的期待。
这部片子不可能拿金棕榈,我也很喜欢blue is the warmest color(《阿黛尔的生活》),看了很震撼很感动。
但stranger by the lake很特别的,作者的味道和性格,非常鲜明。
潘:接下来下一步电影计划是怎么样的?
陈:我现在有几个不同的idea在同步进行中,应该会在外国拍。
也有可能会是英语电影。
因为我现在居住在伦敦,所以开发的案子都是在英国,偶尔也会往LA跑,开会什么的,也有可能在美国。
具体哪一部会先进行,很难说。
潘:现在中国电影市场这么繁荣,有没有可能来大陆拍片呢?
陈:是有那样的可能性,但要先找到好的剧本。
目前我没有很想自己来创作,因为太痛苦了,也太久了。
如果找到适合的编剧一起,当然会考虑在大陆拍片。
潘:所以你不会想一直坚定的走作者导演的路线,也会选择和编剧合作?
陈:我以后当然还是会自己动笔写剧本,但是这几年会比较想要拍别人的剧本,和编剧一起合作。
“第一部电影最重要的是拍自己了解和自己明白的东西。
”潘:在义安理工学院电影系毕业之后,为什么又继续去英国读的电影?
陈:我在新加坡念了三年,之后又去英国电影电视艺术学院学了两年的导演,拍了很多短片,目前为止有十部短片。
我那个时候非常坚持要去那个学校。
因为我已经念过三年电影学校了,我想更专注在提升导演能力。
英国这家学校也是少数专业很细分的电影学院。
每个系只收8个人。
潘:毕业之后是很快就决定要回新加坡拍片,还是当然考虑过留在伦敦发展?
陈:首先身为一个外人,非白人,要在伦敦拍第一部长片是满困难的。
第二,我觉得第一部电影最重要的是拍自己了解和自己明白的东西。
可能很多年轻导演野心很大,拍第一部电影的时候都想要拍很耸动的题材,或者大规模的故事,但是我觉得很多时候如果你不了解,你是很难把它清楚的拍出来,即使拍出来也可能是虚的,不完整的。
所以唯独的方法就是往心里掏,找比较个人的故事。
所以我就回到了新加坡。
潘:中国和新加坡有相似的地方,就是以前一讲到留学,都是学理工或者经济方面的比较多,但这几年开始,出国学电影的华人也越来越多了,作为学长,有没有什么要提醒后来者的?
陈:电影这个东西要想很长远的走下去,很重要的是热忱,必须真的很爱电影,真的很想为电影奉献。
因为拍电影真的太辛苦又太困难。
如果没有真的爱上电影,一个人可能不会走的太远。
现在可能很多亚洲学生都只看到电影的光鲜亮丽,非常吸引人,很性感的一个事业,但是大家还没有想到里面有多辛苦,多孤独。
唯一能让你撑下去的,就是真实的热爱。
潘:听说现在义安理工学院的电影系的报名人数越来越多,被新加坡媒体称为“陈哲艺效应”。
陈:所以我又是高兴,也有一些担心。
其实不想大家一窝蜂,觉得好像很容易拿奖,成功成名,用错误的心态去选择这一门。
但好的地方是,电影是很残酷的,如果你真的不适合,没有毅力,其实这个行业很快就会把你踢出来。
潘:讲到陈哲艺效应,我突然想到哲艺这个名字,有哲学有艺术,有什么特别的由来的吗?
陈:这个名字是我奶奶取的。
我们华人都说一个名字可以寓意一个人的命运。
所以我应该要谢谢奶奶,虽然也不知道她为什么要取这个名字给我。
潘:很不像一个新加坡男孩常见的名字。
陈:没错,很少见。
我在中学开始对戏剧和艺术很有兴趣,加入剧社什么的,有一度我爸妈满担心的,华人父母嘛,都会觉得走艺术这条路不太踏实,有一度我爸妈就真的想帮我改名字。
真的要感激我奶奶,她几年前去世了,但她给我的名字让我走了这么久。
有可能真的是命中注定。
陳哲藝。
據他自己說“19歲拍第一部片子,去了35個影展,拿了35個獎。
”之後拍了紀錄片《阿嬤》入圍坎城競賽單元,《霧》又入圍了柏林影展的競賽單元。
後來他準備拍攝長片,去了英國國家電影學校讀書。
在英國,他又拍了四部短片,其中包括亞洲人在倫敦的狀態。
“在你拍第一部長片之前,沒有人去丟錢給你。
只有長片才能看出一個人的成長,你有多特別,你的特別之處在哪。
”關於感覺:講起在英國學電影的最大收獲,他說三樣東西讓他一下子懂得怎麼樣做電影。
在舒琪院長的追問下,他說這三樣東西就是:「Shape(形狀)」,「Energy(能量)」和 「Tension(張力)」。
在每場戲,每個鏡頭,每個情緒裡面,都要做這三樣東西。
“電影是講感覺的,其實不是在靠戲劇,而是要靠這三樣東西來做電影。
不是靠起承轉合,而是靠「形狀」的轉變,「能量」的大小,「張力」的擴展。
”“有時候一場戲的支撐,不一定是對白,而是「形狀」的變化。
可以是畫面,也可以是音樂。
”“當畫面裡一個「形狀」開始趨於穩定,就得讓它變化,不是靠畫面,就是靠音樂。
而「能量」,就是要追求每一個戲的能量,每一個鏡頭的能量,每一個情緒的能量。
“如果一場戲迂與平緩,你就要給它「張力」進來,張力就是能量。
”“而每一場戲的結束,就是要在長鏡頭的時間和「能量」消失之前,你就把它砍掉,讓它結束。
”“而「形狀」的變化,比如兩個人在講話,走路,如果要「形狀」的變化。
就需要一個紅色衣服,但這個紅色衣服一定要符合你的劇情。
”“我不喜歡什麼東西都講白,對白通常都是爛的。
所以我會少對白。
我也常自問自己,真的需要拍那麼清楚嗎?
觀眾真的不懂嗎?
”“电影像魔术,如果一场戏没有「控制」它就會down掉,down之後,整個魔術就散了。
不管你之後多用力,都很難補回來。
”關於表演:“一個完整的作品,你不應該看出藝術家的痕跡。
”“我的方法是,一直用Take把表演去掉。
表演是很做作的东西,你一定要指导演员把这个东西按下去。
”“我讨厌美的,找演员的时候,是在找一个真正的小孩,写实的小孩。
Casting的时候也不是在找一个个角色,而是在找一个家庭。
”關於劇作:“我对戏剧没有兴趣,我对人物有兴趣,对DRAME没有兴趣,我的剧作,就是把距离感的东西都抓进来,然后把这些东西连接,连接,就是剧作,不是说一定要写成戏。
我都是慢慢去讲人物,然后铺陈,慢慢去连接,去集中,去聚焦。
”“我這學電影的一路,都是在推翻別人,證明自己是對的。
因為只有你自己可以捍衛自己的感覺和能力。
在這個過程中,你就會面對懷疑,人都很固執,偏偏要去試,用別人不看好的方式,來證明你是對的。
”他最後的一短話,其實對我感觸良多。
新加坡的藝術環境不繁榮,創造力低的情況與城市高秩序化和社會化不無關係。
一切都講求秩序。
而秩序在藝術学习中,最先抹殺的就是創造力。
香港或許也有同樣的問題。
一切都在秩序之中。
看了陳哲藝的幾部短片,最大的感受就是,都是拍家庭,人与人关系,诸如此类,和在APA见到的学生短片情况相似。
我想这是电影的一种,但不是全部。
一个社会秩序稳定的国家,没有平原也没有沙漠,面积小,密度大,没有社会转型和社会变革中带来的一系列冲击和人与人之间可怖的无法预估的关系。
你看到就只有家庭,平缓的人际关系中的涓涓细流,或许除了金融风暴,很难再看到别的东西。
这是当代岛国诸多导演,多拍摄家庭题材的原因。
而我豪放粗犷的大陆,每日都在上演超现实或魔幻现实的大戏。
2013年正值金马奖50大寿,评委席请来李安压阵,更有张曼玉担当金马大使,历届影帝影后浩浩荡荡出席,重视程度可见一斑。
从入围最佳影片的名单来说,本届金马奖可谓分量十足,《天注定》和《郊游》属于典型的墙内开花墙外香,前者不仅获得戛纳最佳编剧奖,更是横扫去年各大十佳榜单,风头一时无两,而后者让蔡明亮拿到了威尼斯评审团大奖,并且本片具有本土作战的优势。
王家卫的《一代宗师》和杜琪峰的《毒战》是2013年的口碑之作,墨镜王多年磨一剑的作品还是有众多拥趸,杜sir北上拍出的类型片也绝不含糊。
这么一看唯有一部来自新加坡的小成本制作《爸妈不在家》没什么胜算,导演陈哲艺又是菜鸟一枚,天时地利人和它都不占。
可但凡是评奖都有变数,以小博大的例子不胜枚举,不差《爸妈不在家》这一例,而且无论对于影片本身还是新人导演,金马奖最佳影片的封号无疑是最有效的宣传手段。
如果单就影片质量来说,《爸妈不在家》不见得高过同时入围的其他四部影片,但从题材来看,本片的确是最接近观众的,虽然来自新加坡,但它里面东方家庭的那种含蓄是一致的,而这也正中了评审团主席李安的下怀,所以它的得奖看似意外实则顺理成章。
对于新加坡影片,大部分观众还是停留在诸如《小孩不笨》这样的喜剧上,新加坡式华语加上蹩脚英语组成了天然的笑料,刻板的大人如同壁垒阻隔了孩子们的想象空间。
到了这部《爸妈不在家》,所有口音问题和城市的过于规矩不再惹人发笑,相反有种间离感值得我们深思。
有的人说这种感觉很像杨德昌的《一一》,无疑以儿童为视角是它们的共同之处,但显然杨德昌的作品格局更大,折射的时代也更具代表性。
《爸妈不在家》的背景是金融危机后的新加坡,片中多次出现了公司裁人的场景,这也是对经济不景气下的人人自危做了最真实的写照。
故事就是发生在这样的一个大环境下,借由一个普通的中产阶级家庭来见证时代的走向,而加入的菲佣和男孩的感情线则丰富了整个故事,也推进了男孩家乐的成长。
既然是以家乐为视角,那么他的情感起伏就是影片的整体脉络。
从一开始训导处发生的那一幕就向观众展示了家乐性格中顽劣的一面,他的这个个性也为他和菲佣泰莉之间的相处增设了屏障。
起初家乐对于泰莉的到来是相当排斥的,他通过不和她同桌吃饭以及不和她同屋睡觉来表达自己的愤怒,这和众多电影中叛逆孩子总是对外来者充满敌意的设置是相同的,而妈妈的一句“爷爷在时他不是这样的”又把家乐的内心一语道破,至亲的缺失以及父母在情感上的“缺席”让这个年幼的孩子不知所措,任何一个外界的干扰对家乐来说都仿佛如临大敌。
这时就需要发生一个事件来打破僵局,泰莉因为家乐的恶作剧被诬陷偷东西,回到家的泰莉怒不可遏地警告了家乐,这次正面对峙让二人紧张的关系有了松动,家乐开始意识到泰莉有她坚守的底线,只是他可能不晓得这个底线就是泰莉的自尊。
而接下来的事情则让家乐对泰莉的态度有了彻底的转变,家乐手臂骨折后无法自己洗澡只能求助于泰莉,也就是这次的“赤裸相见”让家乐的心中卸下了防备,可以说这个有点“暧昧”的小桥段暗示了泰莉对于家乐有一种类似于“情人”的职能,这也使得结尾家乐剪去泰莉头发的行为更具有说服力。
而家乐之于泰莉则完全是一种亲情的移驾,是对自己孩子的一个情感补缺。
片中金融危机对家庭的影响主要由父母这条线来完成,父亲失业加上股票被套堪称双重打击,楼道里的烟屁股充分表现了父亲的焦虑,而母亲挺着大肚看着周边同事接二连三被辞退心中压力也可想而知,身陷传销骗局看似愚钝,其实不过是她寻求出口的途径,怎奈人心不古厄运连连。
父母的失意也连带影响了家乐,“中彩票发大财”的梦想在一个小孩子心中生根发芽,这好笑的情节背后也透着几分无可奈何,本是少年不知愁滋味却要让金钱分了心神,谁说不是一种悲哀呢。
虽然大环境不容乐观,但电影还是要传达出一种积极的心态,片中有一幕是一家人祭拜爷爷回来的路上车子抛锚了,结果齐力推车又重新启程,这个细节设置可以说是对摆脱当前困境的美好希冀。
在结尾处婴儿的降生也预示着新的希望,生命的繁衍不息终将战胜世间无常。
家乐格外喜欢他的保姆Aunty Teresa,从开始的无比抵触到后来的无法割舍。
你不知道Aunty Teresa用了什么魔法,就使这么淘气的孩子死心塌地爱上了她,影片里也没有再深深地挖进去,这是我眼中这部电影的最大败笔。
Aunty Teresa是真心真意关心家乐的。
比处于失业压力的爸爸和处于妊娠期的妈妈更关心家乐,更能发掘到家乐内心的需要,谈话时,她把家乐当朋友一样。
但是该教育的时候也会一巴掌就扇上去,丝毫不管这根本不是自己家的孩子。
这样恩威并施的方式也许更能降伏住90年代末的青少年们吧,总之就是没几个回合,Aunty Teresa就顺利拿下家乐。
骚年们,可否还记得自己在青春期时对性对女性的那份好奇和渴望?
多想了解和自己身体构造不同的那部分是怎样一番风景。
可否还记得自己那时候的脸皮是何其的薄?
给心爱的女生递一封情书还得偷偷摸摸。
可否还记得自己那个时候的撸点是多么的低?
要是有一张泳装海报,那不全班男生人手一撸简直就是暴殄天物。
第一次家乐手臂受伤,Aunty Teresa要帮他洗澡,他死活不愿意。
后来拗不过Aunty Teresa,还是Aunty Teresa帮他洗了澡。
在此之后,家乐对Aunty Teresa就没有明显的反感和敌对了。
不仅如此,他还专门在Aunty Teresa只穿内衣的时候强行闯进卧室,对Aunty Teresa胸部发表观点。
第二次受伤的时候,明明只是屁股痛,也不是完全不能自己洗澡,可是家乐却主动让Aunty Teresa帮他洗。
洗完了还要背回卧室,期间Aunty Teresa有一句大亮台词:“别碰我的胸部!
”不是说家乐是个小畜牲或者是臭流氓,这只是青春期最正常不过的表现了。
换了任何直男在家乐这般年纪时有这么一个真心关爱自己,又青春洋溢的Aunty,都不会错过这种揩油的良机。
不知是有意无意,Aunty Teresa的尺度把握得也很好。
她没有完全关闭骚年了解女性的大门,所以她会穿着内衣换衣服还让家乐在一旁点评;同时,她也没有再进一步得引导家乐做些什么。
当然,如果这样拍,那就是岛国爱情动作片的节奏了。
对于一个少年,这样已经足够了,足够缓解自己初生的性欲和荡漾的春心了。
所以,Aunty Teresa还是对家乐进行性启蒙教育的人。
Aunty Teresa离开的时候,家乐猛然剪下了一撮Aunty Teresa的头发,回去的路上,他紧紧抓着这一小把头发。
家乐对Aunty Teresa的这份感情,好像一杯上好的茶汤,成分复杂却又清亮透明。
Aunty Teresa是照顾他的人,是真正关心他的人,是给教他敬重生命的人,也是第一个给他性体验的人。
及其可惜的是,为什么不在这个点上挖深一点?
上次看《爸妈不在家》已经是一年多前的事了,我发现人的认知是会像弹簧一样来回摆动的。
尽管第一次看完我已经被它说服,但这次看前还是会不自觉泛起些许狭隘的酸涩。
一部处女作,凭什么让2013成为了它的年份?
这推断不是我胡乱下的。
那年的金马奖上,《爸妈不在家》击败了蔡明亮的《郊游》、王家卫的《一代宗师》、杜琪峰的《毒战》;在戛纳,又击败冈扎乐兹口碑两极的《午夜狂欢》,以及弗兰克·帕维奇因选题大热的《佐杜洛夫斯基的沙丘》,斩获金摄影机奖。
而后走到印度、伦敦,据导演陈哲艺的回忆,“在哪个电影节上出现了放映事故,就会在哪里拿奖”。
更有意思的,是陈哲艺与科长的关系。
2007年,陈哲艺凭《阿嬷》二入戛纳,并获得关于戛纳的第一个奖项,那时的评审团主席正是贾樟柯。
若在科举年代,两人可以算作名份上的师徒。
等到6年过去,《爸妈不在家》与《天注定》双双入围金马提名,“徒弟”率先“师傅”一步,拿到最佳剧情片奖。
那年的金马奖,是台湾有正式收视率调查以来最高收视的颁奖典礼;那年的戛纳,华语电影也因《天注定》和《爸妈不在家》获得大奖而备受瞩目。
这出生活小品看似毫不起眼,却在奖项赛道中创造了传奇。
与其后知后觉地通过那些年的天时地利人和来破解《爸妈不在家》的获奖密码,不如往前追溯,直面这部影片最容易被人看轻的原因,也是自创作伊始就无从回避的问题:如何给寡淡的生活碎片赋予盎然趣味?
在《爸妈》里我看到的是,编导合一的陈哲艺用朴素的视听风格去配载精准控制的叙事节奏。
菲佣泰莉从5分40秒就正式进入家乐的家庭生活,她的到来显得自然、顺畅,像一阵微风拂过,并未掀起太多波澜。
为什么我们在刚看到泰莉就觉得她很有亲切感?
是因为在这之前,导演已经将家乐在校顽劣的一面尽展无疑。
家乐与教导主任发生争执的那场戏,是全片冲突最为激烈的一幕,导演精心地将它安排在开头,让矛盾得以先声夺人。
拍摄这场戏的时候,摄制团队特意选用了窄空间+小景别+手持的方式,突出强化家乐对待师长的躁动与叛逆。
这样的拍摄手法,很容易让人联想到达内兄弟的《单车少年》,它们起到的共同作用都是让观众迅速建立起对少年成长的期待。
而泰莉,无疑就将是家乐成长的原因。
按照家乐的秉性,刚接触时两人必定是不和睦的。
家乐和泰莉关系破冰的节点,就在于车祸的发生。
付出受伤的代价后,家乐的心灵受到濒临死亡的冲击,对于爷爷去世后“爸妈不在家”这一现状的怒火逐渐消散。
另一方面,手臂打上石膏后,他只能更加依赖泰莉的照顾。
在近现代的社会关系中,我们很难不对每天照顾我们的人产生好感,除了父母以外。
如果说“车祸”事件使得家乐接受泰莉,那么真正让家乐了解泰莉就是从“跳楼”事件开始的。
且看看陈哲艺是如何布局这一事件的起承转合:从泰莉刚进家门惠玲就在嘱咐:“撑衣杆要小心晾出窗户,掉下去的话可能会把人砸死。
”
当泰莉还是不小心把撑衣杆弄掉的时候,镜头快速推出窗户,给到一个俯视的视角,路上没有行人,还好只是虚惊一场。
继续快速转换场景,切到泰莉下楼捡衣服的画面,突然鸟儿惊起,一具男性的躯体从隔壁楼栋坠落。
这场关于生活的巨大目击,从头到尾只在影片中占用了30秒的时间。
魔力仍在继续,下一个镜头中泰莉换了面向,值得注意的是,此刻的用光比之前黄色调的场景都要强烈,甚至产生过曝的效果,模糊了泰莉脸部的轮廓。
这表明她陷入更为久远的回忆之中,而手腕伤疤的特写更是在无言中交代了回忆的内容,即她也曾被生活的窘迫逼得喘不上气,试图一死了之。
我相信家乐在和泰莉朝朝暮暮的相处当中,也会注意到过泰莉手腕的伤疤。
他们之间未必捅开过这层关于身世的窗户纸。
但从天台上的那记耳光当中,家乐一定看出了泰莉对于生命的由衷尊重。
节奏既要包括进展迅速的部分,也要包括暂缓脚步的部分。
泰莉险些被惠玲误会在家抽烟之后,回到房间冲家乐发了小脾气,她埋怨地对家乐说:“你觉得你家的问题还不够多吗?
”这句台词设计属于“间离”的运用范畴,她不仅是在对家乐对话,更是在和观众对话。
在泰莉身上发生过一系列被误解、被粗暴对待的经历之后,惯性使我们对泰莉产生移情,但此刻,这句话让我们适度地从生活的漩涡当中脱离出来,得以镇静情绪,对于这家人的处境进行通盘的思考。
“爸妈不在家”,这句话放在影片中或许不能完全达意。
因为多半爸妈不在家的时间,家乐也没有在家。
满打满算,泰莉比爸妈多和家乐相处的时间就在于每天放学到晚饭。
陪伴时间上的缺失并不是家乐和爸妈疏远的根本理由,问题出在亲密沟通的匮乏。
家乐和泰莉本质上来说是室友,同在一片屋檐下呼吸;而父母各自面临生计的压力,二胎生育的压力,这些接踵而至的麻烦已经让他们应接不暇,分不出多余的精力给到家乐。
但家人之间的关系不就是这样吗?
无形中,我们觉得彼此理所当然,只有变故发生,我们才会悔过,然后彼此弥补。
亲情带来的愉悦,很少建立在当下,它们向着岁月的轴线,抽出了一条长长的反射弧。
《我就是演员》里有句话形容演员状态,说他们“演出了生活的毛茬”,这句话放在《爸妈不在家》里也分外贴切。
记得第一遍看的时候,我曾经被家乐试图在校长面前贿赂主任的场面逗笑,第二遍看完,又多出三处,都是通过对比还原了生活中的荒诞。
一是惠玲在办公室常给人开辞职信,还信誓旦旦地和同事说自己不会被开除,结果阿德就惨遭辞退,本是同林鸟,事业却无法同进退;二是家乐过生日,阿德带回了两样礼物:活生生的小鸡,和满桌的肯德基炸鸡。
家乐在一旁和泰莉和小鸡玩耍正欢,爸妈参与不进去,只能举着炸鸡大快朵颐,到底同鸡不同命;三是给阿公扫墓,惠玲要求泰莉一起上香,但菲律宾来的泰莉实在搞不懂这套华人礼节。
她只能笨拙地学着惠玲的动作,偏偏惠玲祷告的动作又极快。
全家人都庄严肃穆,只有泰莉无所适从,一双大眼睛来回乱转,然后在一脸懵B中结束了仪式。
这些细微的情绪变化,全都藏在她的表情当中。
陈可辛说,一个演员最好的状态就是有了很多的小动作。
值得一提的是,饰演泰莉的这名演员当时在菲律宾已经算有所名气,但在她身上,我们看不到太多表演的痕迹。
她黝黑的皮肤,干涸的嘴唇,在卑微的服从与坦荡的反抗间徘徊,表现出了她的求生欲望,也表现出她对远在故乡的孩子的责任。
《爸妈》的英文名叫Ilo Ilo,是菲律宾的一个小镇,泰莉来的地方。
导演也试图通过这样隐然缥缈的痕迹证明,追根溯源起来,这部电影讲述的其实是两个家庭的故事。
在陈哲艺拿到金摄影机奖的那年,戛纳评审团主席是阿涅斯·瓦尔达,颁奖的时候,她的致辞颇具诗意:这部影片纯真朴实,却又布局细腻,不落俗套。
故事中的普世价值感动人心,情节涉及到了一些跨域性的主题:移民、社会危机、社会阶层矛盾、家庭问题……我们往往习惯在交响乐式的电影里感受澎湃的情绪,但这部影片能在感情撕扯的乐谱中,保持一种低声的吟唱。
若我斗胆总结,《爸妈不在家》保持着白开水一样的清澈,并不激烈,也没有形状。
所以再多奖项,也只是盛放它的容器。
当一部电影能够做到这样的气度,不争奇,不斗艳,它的存在反倒稳固,反而无法被人忽视。
电影十月份就上映了,好几次要去看都有事耽搁了,十月到现在,票房大概80万,简直像芝麻一样小的数字。
大概是因为拿了金马奖,又加映一周,再不看就下画了,于是我今天想说无论如何要去看了,早早到了电影院,最早一场票居然全部卖光,我在犹豫中,卖票的人不耐烦的问我要不要买下一场,只剩下第一排中间最后几个位子了,我立刻掏钱买了,于是被迫无聊地在商场晃荡了一个多小时。
进电影院,当然是座无虚席,但是令我意外的是,几乎没有年轻人来看,全是uncle,auntie,我才反应过来,电影中爸爸妈妈这一代人就是现在电影院里的这些uncle auntie,他们是来缅怀自己的过去,大概跟八零后进电影院看《那些年》是一回事。
上一次有这样的观影体验还是几年前在杭州谢晋刚刚去世时候看的《天云山传奇》,那一场全是老头老太太,我还记得有个老头在电影结束时候朝着银幕大喊“我就是罗群啊!
我就是罗群啊!
”等电影开始,观众席不断发出啧啧的赞叹声或者会心的笑声并且我绝对相信还有人会默默流泪,大概他们内心都在大声呼喊:”我就是电影里的杨雁雁“”我就是电影里的陈天文“!
电影名字ILO ILO是电影中女佣的家乡,我问过我菲律宾的同事,那是菲律宾中部一个很小的地方,女佣的扮演者是菲律宾一个还有些名气的演员,同事完全不知道有这样一部电影,居然有菲律宾演员参与华人电影她表示非常讶异。
不是她说,我还以为女佣是非专业演员,这一点也是电影非常成功的地方,爸爸妈妈和女佣全是专业演员,却演出了像非专业演员的亲切自然,与真正的非专业演员许家乐搭配得非常和谐。
她不知道是正常的,就像我不会知道菲律宾电影一样。
新加坡这样一个看似种族多元和谐的社会实情确只是大家各过各的,至少我这样认为。
到了星期天,大家该去基督教堂的去基督教堂,去天主教堂的去天主教堂,去清真寺的去清真寺,去观音庙的去观音庙,这个电影中也有体现,即女佣吃饭前祷告,爸爸妈妈在爷爷坟前烧香祭拜。
彼此之间文化宗教生活习惯差异巨大,像人民行动党所宣扬的如“兄弟姐妹”般不过是美好的童话世界。
在新加坡历史上亦出现过种族间的流血冲突,往事已过去,现在大家不过是井水不犯河水而已。
除了种族之外其实还有阶级的区分,相信菲律宾籍的上班族跟菲佣也无甚交集,外来劳工们又有外来劳工们的世界。
在新加坡,这些来自菲律宾,泰国,印尼,缅甸,从事低学历无技术要求的如女佣,钟点工,侍应生,清洁工,建筑工人等等这些工作的外劳都有自己的地盘。
当然这里其实也包括了印度和中国。
菲律宾人如电影中所说的聚集在lucky plaza,泰国聚集在 golden mall,印尼缅甸的聚集在paya lebar 一带,到了休息日或者公共假日,你会看到成群成群的外来劳工在大厦前的空地上铺一块地毯席地而坐,摆上一些来自家乡的零食,一边吃一边聊天。
这便是他们最开心的时候,大多数时候,华人只是安静地绕路走过去,不打扰他们宝贵的悠闲时光。
他们从事的是最辛苦耗时很长的苦力活,一天要工作12个小时,一周工作6天,像电影中邻居家女佣所说的,there is no room for God 她们生活中已经没有上帝的空间,的确,甚至属于他们的生活,也几乎没有。
出于生活的无奈,这里的一块钱抵得上家乡好几块甚至好几十块,当然再怎么辛苦也要熬过去。
关于女佣与主人间的关系也向来是社会问题,曾经爆出过很多新闻,如女佣乘着主人出去和别的男人鬼混而大肚子的,如晒衣服(就像电影中用长杆把衣服撑在外面)时不慎从高楼坠下死亡的,如为了报复女主人在汤里放经血的,最近刚刚发生的一则新闻是印尼女佣把印度籍小主人用刀刺死的,为了报复女主人。
新加坡一直给人的印象是“花园城市”,街道一尘不染,井然有序,仅仅有条,犯罪率低到不可思议,人人安居乐业,经济蓬勃发展。
世界上最宜居住的地方。
好像是上帝搭的一座完美的积木。
这当然跟政府的宣传有关。
而陈艺哲的这部小小的影片,小小的一个家庭,将新加坡完美的形象撕裂开来,哪里都是有傍徨和痛苦,哪里都是有挣扎和不幸。
1997年,金融风暴,给整个世界带来冲击,东南亚也不例外,那一年,很多公司裁人,如电影中一样,我碰到过很多的士司机,他们原本都是公司上班的,在不景气的时代被开除而无奈选择了驾的士。
很多大学毕业生在那一年找不到工作。
很多做生意的人在那一年血本无归,我认识好几户人家都是在那几年变卖了别墅换了祖屋来住。
我相信电影中跳楼的场景是非常真实的。
电影中爸爸那一代人,算起来应该是第二代新加坡人,第一代新加坡人都是福建广东沿海目不识丁手无寸土被逼到走投无路的人,他们漂洋过海来到南洋,卖猪肉,卖豆干,卖海南鸡饭,经历了新加坡从无到有的过程。
第二代新加坡人已经面临面目全非的新加坡,这个新加坡不再满足于做发达国家的“加工工厂”“廉价劳动力工厂”,它的目标是金融,高科技,炼油,旅游业,它需要讲英文的人,不再需要讲福建话潮州话的人。
于是有的人迎头赶上,有的人就被时代抛下了。
到第三代新加坡人就像电影中的许家乐,已经是新的人了,他们跟福建,广东不再有关联,他们是真的“新加坡”人了。
在这个“务实”的国度,没有钱真的是太惨了,根本没办法过,学艺术根本就是死路一条,我没有听说过任何一个家长鼓励自己的小孩学艺术,大家都想着做政府官员,做医生,做律师,去银行。
这个国家几乎没有艺术类院校,陈哲艺毕业的院校水平大概相当于中国的四川师范大学广播影视二级学院之类。
在这样一种氛围之下,拍电影简直就是死路一条,新加坡出过的导演邱金海是个例外,他是新加坡首富的儿子,玩一玩无所谓。
国民导演梁志强电视台起家,眼界,电影手法都很像综艺节目电视导演。
困了——写到这吧,未完待续。
继续写上文说道梁志强等新加坡本土导演,今年看了他的《新兵正传》上下,在新颇为受欢迎,还有蔡于位的《我的朋友,我的同学,我爱过的一切》,反响也不错。
这些电影或许笑料十足(但是也只有在新加坡生活的人能看懂)或许情真意切,但是拍摄手法,叙事真的很幼稚,主题也很浅薄。
最近在电影院看到本地女导演庄米雪新电影的预告片,简直惨不忍睹,光看预告片就恨不得找个塑料袋来吐。
陈哲艺对于这些导演而言,就好像各地的新浪潮电影一般划时代,不过他是一个人的新浪潮。
(当然有人推荐邱金海,我还没有看过他的作品,说不定也不错,那我就得收回这个话)总而言之,陈哲艺的电影至少是我在新加坡看到的首部可以真正称为“电影”的作品。
你看得出来,导演有受过科班的电影教育,有大量的阅片。
这在其他新加坡手工作坊式的电影导演相比,是完全不一样的。
我为什么觉得有杨德昌的影子呢,我觉得这个故事有点点像《一一》,当然杨德昌是大师,《一一》是杰作中的杰作,西方影评人甚至评价杨德昌与安东尼奥尼比肩,《一一》是台湾的《尤利西斯》。
《爸妈不在家》无论在深度还是广度上,远不及《一一》,我不过一时兴起好玩的拿来作比较,可能是有所偏颇的。
首先在题材上都是家庭,《一一》中围绕儿子洋洋,女儿婷婷,爸爸NJ,妈妈敏敏一个普通台北家庭来展开故事,《爸妈不在家》中洋洋对应家乐,NJ对应陈天文,敏敏对应陈雁雁。
当然《一一》人物更多,主题更为深刻繁杂,可以解读的东西更多,对人性的洞察更深。
《一一》透过一个家庭,延伸到了家族,社区,社会,整个台北。
除了家庭,还有爱情,还有现代人的孤独感。
通过杨德昌对这个家庭故事的挖掘,得出很多东西。
而《爸妈不在家》更像导演儿时回忆,虽然也加入了时代背景,周遭人物,但是主线是家乐和Teresa的情感,这是电影动人的地方但也是局限的地方。
陈雁雁对应的敏敏,两个人高度相似,仿佛是华人家庭典型的“母亲”形象。
对丈夫和儿子其实是很苛刻的,杨雁雁对丈夫只是一味的指责,似乎华人家庭中的妈妈永远都在嫌弃丈夫钱赚不够多,儿子没有邻居家的乖。
甚至两人在家庭面临困境,一团糟的时候都选择了逃避,一个是去上山修佛,一个是去参加什么励志宣讲会。
她们都觉得自己孤立无援。
家乐对应洋洋,两人都是“熊孩子”,在学校调皮捣蛋,洋洋通过一场葬礼,家乐通过一场离别,两人都在电影结束的时候开始成长,成为电影贯穿始终的主线。
家乐玩电子宠物和养鸡以及买万字票。
洋洋玩相机。
显然洋洋的相机是刻意安排的,寓意深刻的。
而家乐恐怕是导演童年的真实写照。
洋洋拍照拍人的后脑勺,透过他以及他的相机告诉我们电影的主题——都市人是孤独的,你是看不到别人的另一面的,你是不知道别人怎么样想怎么样生活的,你只能看到人的一面。
《爸妈不在家》其实也是这样的,一家三口,大家都在互相隐瞒,爸爸瞒着妈妈抽烟,炒股,失业,妈妈瞒着爸爸去参加宣讲会,家乐瞒着爸爸妈妈在买万字票,大家都在自己的世界中。
女佣Teresa也瞒着主人偷擦唇膏出去赚外快,处理家乡同样一团糟的家庭。
这大概就是所有都市人的宿命,不管你是台北东京,北京上海,香港新加坡。
都是一样的,这大概就是为什么《爸妈不在家》让我感觉有杨德昌的影子吧。
今年金马奖挺强的,很多大师的电影。
《天注定》《郊游》没有看过,不能作评价。
《一代宗师》《毒战》看了,很多影评人对于《爸妈不在家》获奖颇有微词,不过我觉得就《一代宗师》《毒战》做比,赢了也说得过去,不是说《爸》有多好,只是觉得都差不多,给谁都没差。
另外有人扣金马奖诸如“将离散华语圈”电影纳入华语圈电影大本营之类的大帽子,说得多厉害,但是新加坡,马来西亚华语电影的未来真的还很难说,先天后天各种不足,本地很多从业人员也木有这么乐观。
PS,关于电影中中万字票,还是有可能的,万字票只有四个数,中奖的概率是很高的,我身边很多人都中过,不过比起长年累月买的钱肯定比中的钱多,不过不要以为头奖很多,像片子中家乐的老师中了头奖,其实也不过五六千。
我曾经买过在中国家里的门牌号2704,结果2703中了!
早知道就把邻居家的门牌号一并买了!
家乐与头奖擦肩而过的心情真的感同身受!
我在看的时候有两三次有着这样的想法——这电影好平淡呀,可是我却一点也不觉得无聊,反而觉得津津有味。
在我看来,是因为这个故事本身就十分的生活,有足够的细节支撑,有十分还原的生活困难,以及十分真实的人性。
我们在看电影,却在和人物一起经历着他们正经历的故事,与他们的情感产生共鸣。
影片最足以慰藉人心的,是家里的小成员家乐对女佣泰莉前后截然不同的态度。
片名叫《爸妈不在家》,这个片名让我想象着情节大概是爸妈由于工作几乎不在家,爸妈的戏份也许并不多。
但其实整部影片下来,爸妈的情节戏份并没有很少,每个人物的戏份几乎是相当的。
小孩的视角真的很简单,他不像大人那样弯弯绕绕。
在家乐外婆生日宴会上,家乐端着鱼翅去外面陪泰莉,里面那个喧闹的环境他并不喜欢,他只在意对自己很好的泰莉却被人歧视地孤独地在外面吃炒饭。
泰莉会偷偷用太太的化妆品,其实我们也能理解的。
像是也许我们每个人在还不太懂事的时候都会做一些心存侥幸的事情。
第五十届金马奖得主《爸妈不在家》用看似平淡的叙事方式和镜头运用向人们揭示出当今儿女与父母缺少交流的普遍社会问题,以及亲情的重要性。
影片强调了现实社会的压力影响,里外上下,滴水不漏。
父母无暇照顾孩子家乐(即不在家),而请来一个菲律宾女佣泰莉代替父母填补缺失的亲情,同时也揭示出三口之家的境遇变迁。
影片取景大多在家中,这也照应了片名“爸妈不在家”。
因为父母不在家,都忙于自己的事业,无心管辖家乐,缺少交流,从而导致了家乐亲情的缺失。
这才有了家乐之后的叛逆,撒谎,在学校里违规不遵守纪律、冤枉老师殴打自己等行为。
而家乐有这样一些令人不解的反应只是因为他是祖父带大的,因为祖父过世,自己和父母也交流过少,缺失了一份亲情,因此家乐只能通过不断的出状况来表达自己的不满,但他内心更希望通过这种方式来获得来自父母的关注与关心。
随后便有了泰莉的出场。
影片中泰莉充当了“母亲”这个角色来照顾家乐,填补家乐心中那份亲情的缺失。
从影片开始泰莉的出场,镜头给了一个全景,镜头里四个人身置其中,隐含着泰莉尝试融入三口之家。
但镜头里人物略显拥挤,环境压抑,也说明了泰莉在这个家里起初显得格格不入。
家乐禁止泰莉触碰阿公遗像、不愿和泰莉同房睡觉、不和泰莉一起吃饭、嫌泰莉头发臭、陷害泰莉而把泰莉扣留在超市。
这一切都让人感受到泰莉在这样的环境下举步维艰。
但即使如此,泰莉仍耐心地照顾家乐,给予他母亲般的爱。
随着剧情的发展,家乐与泰莉通过一次洗澡感情升温,因为关系错位,即泰莉将自己对儿子的爱投射在缺少亲情关爱的家乐身上,让家乐感受到了“亲情”的温暖。
因为有泰莉的陪伴,家乐也渐渐收敛,渐渐接受泰莉走入他的世界。
片中有这样一个镜头段落,在老人生日宴上,泰莉因为没有多余的位置坐而被安排在大厅,这时镜头跟随家乐来到泰莉身边,镜头固定在泰莉和家乐面前,画面背后还有母亲注视。
这个固定镜头代表了一种冷静思考,同时这个固定镜头的使用向观众传达出母亲对泰莉轻微的嫉妒之情,因为自己与家乐缺少亲情,缺少关爱,缺少交流,而泰莉代替自己填补的这份缺失。
因此当泰莉被迫离开家乐,家乐剪下了他曾认为臭的头发。
当泰莉离开只留给家乐逐渐远去的背影,家乐眼角泛起了泪花。
那一刻的家乐长大了。
“其实在孩子心里,谁对他好,他就喜欢谁,”哪怕是一个保姆,她也曾给过家乐在这个年龄段最需要的爱与亲情,填补了亲情的缺失,让他再次感知到世界上的爱。
这也正是《爸妈不在家》主题表意的主要环节。
影片中还有一个重要亮点——音乐运用。
影片共出现三次泰莉喜欢的那首歌。
第一次是泰莉被家乐排斥,不愿同房睡觉时,泰莉戴上耳机听歌;第二次是泰莉接家乐回家,两人关系亲密,家乐夺走泰莉另一个耳机共同听歌;第三次是母亲生产是和父亲并肩坐着听歌。
这三次音乐暗示了泰莉与家乐关系由疏离到亲密,同时也暗示了家乐与父母关系的缓和,重获父母的温情与关心。
这音乐推动着电影情节发展,通过音符配合剧情讲述故事。
最后音乐的响起是父母与孩子相处的新开始。
《爸妈不在家》没有华丽的包装,没有绚丽的特效,没有刺激的决战场面,仅仅通过朴实的镜头,富有生活气息的三个重要环境:家、学校、公司拍出这一部值得深思的社会问题电影。
影片的最后也告诉了我们:生活的考验还在前方,但在这个学会了坦诚相待,同心协力积极面对困难的家庭里,他们相信再大的风雨也终将过去。
从故事结构和材料选取上看,都不由地让人想起另一部家庭电影——是枝裕和的《比海更深》。
同样探讨家庭关系,同样发生在短时间小格局里,也同样带有导演的自传性质。
但是《比海更深》是以理性的思考为主线,关注当下时态,以做出下一步的判断。
即使面对失意的生活也要向未知的人生继续向前。
《爸妈不在家》则是以感性的思考为主线,即主线为泰莉和家乐的感情线。
同时也揭露父母与儿女关系略带疏离,父母都忙于手中的事,无心关爱儿女的社会现状。
但《比海更深》和《爸妈不在家》两部电影围绕的核心都是家庭——是每个人栖息的港湾,更是能给予人温情温暖的地方。
因为有家,有亲情,我们才能在前进的路上越走越稳,越走越远。
我们始终相信,无论我们走多远,家和亲情一定是我们最坚实的倚靠。
有多少人是因为金马奖给的高分?
melodrama
为了剧情需要而刻画出一个憨憨小男孩真的让整体这部作品掉价 2.0
疑似男频青春期意淫结算画面。btw还是长的比较丑的那一类。。
孩子和保姆之间的感情
反正不是我喜欢的类型
垃圾,浪费时间。
不确定值不值得金摄像机,但的确是部惊喜佳作。一个普通家庭遭遇97年亚洲金融危机的故事,压抑无奈但却不悲不哀,反而满是小幽默和人情味,在绝境中寻找乐观和希望。更优秀的是这样一个本土故事居然能穿破时代和文化隔阂,每个人都能轻而易举被感动到。
片中构造的社会背景让人很难不与《一一》联系起来:不景气的大环境,冷漠的中产,疲于工作、忽视子女情感的父母,咄咄逼人的老师,不被理解的小孩……不同的是,杨用更宏大的视角,冷静剖析了包括小男孩在内每个家庭成员的状态,最后还要批判社会,而该片更聚焦于小男孩的情感世界,萌动的性意识。《一一》始于婚礼而结束于葬礼,但中间又穿插着婴儿诞生,体现一种生命的轮回。而《爸妈》以新生作为结尾,虽然女佣离开了,但小妹妹诞生了,留下了一个“希望的尾巴”。看完《一一》后,心心念念想找到类似的片子来看,终于如愿。况且《爸妈》这样一部完成度高的电影竟只是处女作,更显可贵。明亮的色彩也为片子增色不少。此外,小男孩情窦初开的心理活动,导演拍得含蓄又暧昧,非常“东亚”。也许,爱本来就是复杂的,不同的爱之间的界限也并非泾渭分明。
-.
剧本很棒,一个家庭四个人的故事,描绘出97金融危机下的新加坡社会面面观,同时以一个外劳的故事为中心,展现出外劳的心酸和亲情的可贵,结尾以新生儿的降生来暗示希望,作为处女作在编导演各方面水准都不错,几条线索几个人物的刻画也令人难忘,从中也能看到导演的潜质和新加坡电影的活力
新加坡版伪正太“迅哥儿”与菲佣“阿长“的感情故事
总是不忍心看这样的片子,茫茫人海,何处再寻阿姨/
只有男孩和保姆的暧昧关系倒还是可讲究的。剧作也太匠气了些。。。
媽媽和爸爸講話的語氣有點像九零年代的台灣電影。
为什么你们看到了桃姐般的人性温情,而我却只看到熊孩子作死呢?!熊孩子烦死人了有木有,要是我儿子绝逼往死里打。家国情怀对于新加坡这种弹丸之地有点太大,从人情冷暖角度来看这片子才显得更恰当
新加坡少年版《桃姐》。略显平淡,缺乏认同感。
不喜欢的点太多了,宁愿没看过…
很难相信这是导演长片处女作,故事讲的如此流畅,不急不慢刚刚好,表演都很出色。
2.5星。期望太高了。结果不喜欢。哎!