父子大变身

我向来很喜欢王家卫的电影，尤其是以《重庆森林》和《堕落天使》为代表的都市电影，倒不仅仅是因为其中所展现的游移不定的情感关系，更重要的是他的电影中所创造的“都市美学”非常符合我的胃口。

在我的印象中，传统的华语电影对城市的刻画都是偏写实的，而王家卫则用自己独特的美学风格创造了一个属于自己的都市空间，一个个孤独的男女则在其中上演着不同的故事。

从内容和风格上来说，《蓝莓之夜》都继承了《重庆森林》和《堕落天使》中的大量元素，如富士胶片带来的丰富色调、抽格产生的慢动作、周而复始而又恰到好处的配乐、熟悉的城铁、酒吧和快餐店，这一切都是构成王家卫电影中“都市美学”的重要构成部分，然而在观影的过程中我一直觉得别扭，总感到一丝“不和谐感”，但却不知道是什么原因，经过一段时间的思考后，大致总结了几点：首先，虽然无论在美学风格还是文本内容上与前作都有着许多类似之处，同时其主题也有一定的变奏，然而支撑其变化的情感逻辑却没有发生改变，仍旧是东方式的，因而直接套用在西方文化背景下会觉得奇怪。

其次，电影中几段感情关系的刻画都过于简单了，虽然其中也利用了像钥匙这样的小道具，但远不如前作中几部电影中那么轻巧和灵动，像《重庆森林》、《堕落天使》里，对人物关系的展现都有一些令人印象深刻的奇思妙想，比如王菲偷偷溜进梁朝伟家的为所欲为、黎明和李嘉欣亲密又疏远的关系等等，但在《蓝莓之夜》中就很难找出让我觉得出彩的段落。

《堕落天使》可这些答案似乎都不能解答我所体验到的“不和谐感”，究竟是什么因素使我产生了这种感觉呢？

想来想去，我得出的结论是：电影中的人声，包括人物所发出的由音调、音色、腔调、节奏以及人的话语，失去了他电影中曾经的味道。

王家卫电影中的都市不仅仅是感官和符号化的，以而总是流露着一丝浓厚的地域意识，以表达他对香港这片土地的关照和热爱，而粤语则成了他电影中都市美学风格的重要组成部分。

与此同时，他的电影中人物往往有着大量的内心独白，而且这些独白配合粤语的腔调念出来富有一种散文般的韵律感，给电影带来了一种独特的气质。

而当王家卫将这套美学体系直接挪用到美国都市这一环境下，则因没有很好地把握英语的语感，使得他最拿手的画外音独白也失去了那种韵味，人物的声音没有很好地衬托出电影整体的氛围，从而显得有些单调乏味。

另一方面，王家卫电影中的故事背景一般是疏离冷漠的都市，而电影中的主人公常常有着内向而又不善于表达的个性，因而影片中出现的大量画外音独白的使用不仅没有成为叙事上的累赘，反而成为了这种孤独和内向情绪的外化表达，成为一种极富个人特色的人物形象塑造手段。

而这部电影中的主人公依旧是孤独而被隔离的，然而影片使用的旁白却明显减少了，并且台词文本也不够出彩，也并没有通过其他方式很好地展现这种疏离感，人物的孤独感仅仅成为了一种表象。

这两点原因算是解决了我的疑惑，但经过这些思考也使我认识到，在王家卫的电影中，不仅影像风格、配乐和音效，连人声也成为了他电影美学中的重要组成部分，无论是台词的文本内容还是演员的语言腔调都与电影整体的美学风格达到了高度统一的状态。

也是通过这次观影的经历，我开始认识到电影中人物的声音也能产生重要的表现作用。

以此为契机，我也试图开始以回顾电影史的方式来简单地梳理电影人声（电影声音主要分为音乐、音响、人声）在电影中曾起到的作用，这个划分并不科学和严谨，就算是一个粗略的笔记吧：电影人声作为电影表现形式的补充，代替字幕，以达到叙事性目的。

有声电影自诞生以来，使电影在本体上完成了一次重构，也让电影在技术上更为完满，更加逼近“现实的渐近线”，而人声的使用则更好地实现了“真实”，并突出了人在电影中的主体作用。

可对声音这一元素的使用，却不是一蹴而就的，在相当长的时间内，声音仅仅是作为一种用来招揽观众的商业噱头，电影中的声音发挥的作用非常有限。

在历史上第一部有声长片《爵士歌手》中，除部分音乐伴奏外，仅仅只出现了两句对白（还是无意中保留下来的），却取得了出乎意料的商业成功，也让华纳兄弟在1928年拍摄了第一部“全对白片“《纽约之光》，该片凭借 23000美元的成本,获得了超过100万美元的票房收入。

爵士歌手 (1927)7.51927 / 美国 / 剧情 爱情 音乐 / 艾伦·克罗斯兰 / 阿尔•乔生 梅·麦卡沃伊

纽约之夜 (1929)暂无评分1929 / 美国 / 剧情 犯罪 / 刘易斯·迈尔斯通 / 诺玛·塔尔梅奇 吉尔伯特·罗兰虽然商业上大获成功，然而此时对电影声音的运用仍然存在诸多限制，比如体积庞大的隔音棚让电影取景变得十分困难，同时由于摄影机移动时的噪音太大，也限制了移动镜头的使用，摄影师只能通过隔音棚的窗口进行短暂的平移以保持人物的动作处于画面中心。

而对声音的灵活运用则来自于歌舞片这一形式的出现和繁荣，不同的声音开始被用于剪辑之中，以制造某种不和谐的效果，同时也让摄影机运动开始出现在有声电影之中。

但总体而言，此阶段的电影声音仅仅是作为电影表现形式的补充手段，其作用仅在于替代字幕而完成叙事作用，其美学特性并没有得到更深入的开发。

与好莱坞相反，此时的苏联的电影工作者爱森斯坦等人则提出了“声画对位”的电影概念，这是一种与所谓“真实”相对的理论，强调“只有将声音与视觉蒙太奇的片段关联起来的对位式的使用可以提供一种发展和完善蒙太奇的新的潜能”，即反对声画同步的使用，认为这种简单的形式会损害电影的表现潜力，声音并不应当仅仅是烘托画面人物或事物的背景，以使电影的戏剧情境符合某种真实性（这一概念在由洪深在引进国内时被误译了，产生了与原意相反的意思），非徐叙境的声音则能够产生更多的可能性。

值得一提的是，虽然“声画对位”理论使得电影声音的表现方式和作用在上有了进一步的拓展，然而爱森斯坦本人对人声和环境声并不重视，唯有音乐才被纳入到他的理论之中。

到1933年，多声轨混录技术开始用于电影制作中，使电影能够在拍摄和制作完成之后，在某些段落里添加非叙事性的氛围音乐，以达到抒情或是其他效果，同时也能够在电影中添加不同的音效，也能够将事先录制的歌曲片段与电影中演员的口型相匹配，让电影的声音表现层次更为丰富，更好地促进氛围的营造，声音的组合变得更为容易，也有了更多的表达作用。

而此时期的中国，由于动荡的社会经济环境，有声电影的发展则经历了一个漫长的过程，早期的有声电影并不注重声音与视觉元素的匹配性（并不是一种有意识的“声画对位”美学风格，而是由美学观念和技术的缺陷导致），同时受到“影戏”传统的影响，在电影中经常使用大段的戏剧式的台词，而歌曲的穿插则非常突兀，很少考虑的情节的需要。

在此阶段，无论是人声还是音乐，都没有发挥其在电影中真正的美学作用。

直到1934年，才出现《桃李劫》这样成熟运用有声电影创作规律的电影，不过也仅仅是符合“艺术规律”，对电影声音的创造性运用则很难看到。

在此后的时间里，形成了以好莱坞经典叙事体系为核心的电影叙述手段，电影人声的叙事作用也更加完善，一般来说电影人声能够在叙事上达到两种目的：1.塑造人物形象；2.完善和故事情节发展；写实美学风格的手段之一到了四十年代末，在意大利新现实主义的电影中，为了追求真实和纪录效果，电影中的人物语言采用了方言的形式，以更好地符合人物所处的叙事环境，以达到导演写实性的美学追求，不过限于成本的原因，人物对白依旧采取的是后期配音的方式，并且为了让观众理解，在方言的使用上保持了一定克制，但这一选择已使得人物的声音开始成为了有意识的美学表达的方式之一。

而随着二战中所开发出更轻便和低成本的摄影机及录音设备得到广泛使用，又进一步推动了真实电影和直接电影运动的开展，以同期录音的方式纯粹地记录现实或者挖掘现实，以达到各自的美学目的。

然而在这一阶段，人物声音的作用仍旧主要局限在写实这一目的上。

偷自行车的人 (1948)9.11948 / 意大利 / 剧情 犯罪 / 维托里奥·德西卡 / 兰贝托·马乔拉尼 恩佐·斯泰奥拉表达特定主题的方式这一点在我的认知里最早体现在雷诺阿的电影中，在《大幻灭》中出现了德、法、英、俄四种语言的混用，语言的冲突不仅加强了电影本身在叙事上的冲突，而语言之间的隔阂又反映出了人的身份差异，侧面凸显了对战争和贵族阶级的批判。

大幻影 (1937)8.41937 / 法国 / 剧情 战争 / 让·雷诺阿 / 让·迦本 迪塔·帕尔洛营造氛围和电影基调的手段我最早在安东尼奥尼的电影中看到了这种可能性，他的电影通常以冷漠疏离的环境展示现代社会中被异化的人，重在表现人物空虚、孤独的精神世界，强调主角的主观感知，从探讨外部环境的真实转为心理的真实，因此也被称为“心理现实主义”。

在电影《夜》中，让娜·莫罗略带冷漠的腔调很好地反映了角色对感情逝去后产生的空虚感，而在《红色沙漠》中，莫尼卡·维蒂略带怪异的表演，配合她在电影中部分看似无逻辑的台词，产生了一种极佳的荒诞和疏离感，这种氛围同样衬托了主题的表达。

在当代导演韦斯安德森的早期电影中，我也从中看到了类似的作用，如欧文威尔逊在《瓶装火箭》中的说话腔调和一些无厘头的对话都与影片中所弥漫的迷茫情绪十分相符。

在王家卫的电影中这种运用更是常见，以《重庆森林》为例，电影的开始即是金城武的大段独白，营造了一种略显压抑和沉闷的氛围。

红色沙漠 (1964)8.01964 / 意大利 法国 / 剧情 / 米开朗基罗·安东尼奥尼 / 莫妮卡·维蒂 理查德·哈里斯摆脱对画面的依赖，拓展电影表现力。

在《去年在马里昂巴德》中，人物语言则以画外音的形式彻底摆脱了对电影画面的从属地位，将电影的表现力拓展到了镜头之外，让观众能够地理解电影的内在含义，发挥了创造性作用。

在传统的电影中，无论是电影中的台词或者画外音都与影像内容保持着戏剧性的关联，而在《去年在马里昂巴德》中，这种关联却被打破了，画外音中的独白与电影内容的具有了“不确定”的关系，我们既无法确定旁白叙述者是电影中存在的角色，也无法确定其叙述的内容是否在电影中发生过，画外音似乎创造了一个与电影平行的时空，你无法判断孰真孰假，只能在电影所创造的多个时空中反复徘徊，享受一种充满多义性的意识流体验。

《去年在马里昂巴德》限于本人的观影和阅读经历，以上的归纳非常浅显和粗糙，人声的作用远不仅限于此，更多的美学特性还有待我进一步学习。

说实话昨晚之前一直刻意没有看《蓝莓之夜》，因为早先看了太多观点鲜明深刻又专业的评论。

等到我把那些评论渐渐忘掉的时候，就连这片子一起给忘了。

经Colin兄提起它后，我又开始发疯一样地翻箱倒柜地找大二那年男人送我的那张诺拉·琼斯的《New York City》，结果也找不到。

于是很悲伤地想到我上次大规模高密度地看王家卫还是在高考结束的暑假，当时以为那些李商隐式隐晦的台词和凡高式迷离的场景一辈子都会记得，却没想到连王家卫这个人都抛在脑后了。

凭我模糊的印象，仿佛当时的评论都在说这部电影有多么王家卫。

王家卫还是王家卫。

王家卫走遍地球还是香港的王家卫。

王家卫再做不成更好的王家卫因为他抛不掉旧的王家卫。

于是我庆幸自己不是个电影人。

我不懂镜头切换，光影配合，艺术手法，概念解析。

我只知道我在听故事。

一个心里有故事的人，去了很多地方找了很多人花了很多钱，来配合他帮助他讲故事给我听。

他们说王家卫的这个故事不过是在重复。

你看你看色彩一样车流一样大桥一样就连钥匙都一样。

可我就是喜欢这种气质上的大同小异和情节上的大异小同。

阿莱杭德罗·冈萨雷斯·伊纳利度的《爱情是狗娘》，《21克》和《通天塔》每部隔了两年时间分别看下来，却都会因为那些似曾相似的小细节而浑身战栗不已。

愈难过愈刺激。

细想来，我们喜欢某导演的某种风格不就是这其中能重复打动我们的某些东西吗？

如果他不再打动你，那么也许，仅仅是你自己的问题。

而又有什么能比吃喝拉撒睡的生活更重复单调，更让人容易习惯。

———————————不严肃的分界线—————————— 　　　　 从片头起我就知道这是一部色情片。

色片。

富士的胶片不是吹牛的。

情片。

王家卫的本子不是凑合的。

汁液浓稠鲜嫩欲滴的食物。

明暗交错流光溢彩的夜景。

这样暧昧到柔软的气氛里，如果没有爱情发生，就什么都不必发生了。

不过是三个简单的故事。

却集合了人类几乎所有的感情类型。

　　 1.伊丽莎白和男友——欺骗的爱 　　 谁都不能保证自己的忠贞。

谁也无法要求对方的忠贞。

一方出轨给另一方带来的伤害就是再不敢轻易信任投入感情，怕肉包子打狗有去无回。

这也就是为什么伊丽莎白看完录像带哭过以后趴在桌子上，任由杰瑞米的吻掉嘴边的奶油而不是回应他——我坚信，她一定是醒着的。

每个人都需要一场被欺骗，由此明白该如何更好地去信任。

2.杰瑞米和卡雅——理智的爱 　　 最初他给了她一把钥匙，她放心地去飞；最后他仍然留在原地不动，不过等的人已不是她。

如果她当初不走？

如果他没有停留？

如果她不想走了？

如果他还有感觉？

不管这些假设中发生哪一次，故事都不会像王家卫讲的这样继续。

但是不理智的情绪都未曾在这两人中间出现。

只因为他们都知道自己最想要的什么。

不迁就。

不施舍。

　　 3.警察阿尼和妻子苏琳——窒息的爱 　　 他爱她，却只想用自己的爱包围她；她爱他，却只想一边离开他一边看他有多在乎自己。

所以他们就围着这彼此转啊转啊转。

空间不大屡相逢，心灵不远却难懂。

令他们上瘾的不是酒精，而是剧痛。

那种被倒下来的大树压断腿的痛。

心里面还不停踌躇：留在原地等？

血流光会死的。

锯断腿走人？

此生就残缺了。

终于，阿尼死在了爱的原点。

他的爱从此让苏琳再也逃不开。

　　 4.女赌棍和父亲——执拗的爱 　　 虽然这段故事里贯穿的关键词是信任，但我还是很没出息地跑题了。

我不知道有多少女儿跟爸爸是以这样看似漠视彼此实则内心牵挂的模式相处。

至少我看的很想哭。

不知道从什么时候开始，我不会和爸爸好好说话，一打电话就会想发脾气，回家也不会跟他撒娇。

他在外面喝酒应酬回来后，我就会躲进自己房间不想见他。

否定他那80年代大学生的观点。

懒得听他一本正经的说教。

爸爸和我都在变老，我心里明白，我离他越来越远了。

我想赶紧生个小姑娘，等爸爸退休以后就让他带着她早晨林中听鸟鸣，晚上爬山看夕阳，教她背诗歌童谣，给她做风筝和雪橇，看烟花时把她扛在肩膀上，用铁丝亲自扎一串九连环给她——总之带她做所有我小时候他带我做过的事情。

这样，是不是能够让我们都放下面具不再执拗？

扣一下题。

关于信任和怀疑，没什么可学习的道理。

我们，无法避免地，不会永远都用对位置。

5.伊丽莎白和杰瑞米——就是爱 　　 伊丽莎白是不想走的，是王家卫让她走的。

王家卫说，你离开的路上会遇到几个人几件事，那时候再回来也不迟。

王家卫对杰瑞米说，她会回来的，不过在这之前你也需要对自己的过去告个别。

于是有了那两个故事。

于是有了这么多爱。

于是有了每天一个蓝莓派。

于是有了最后那个吻。

也许将来他也会出轨。

也许某天她也会理智地想飞。

也会他们也会用爱把彼此捆绑至窒息。

也许他们开始难以信任对方并顽固伤害。

但是有谁在乎也许的将来的某天的？

这一夜，有个带着蓝莓味道的吻已足够。

孤独，爱情与死亡，是文人尤其是诗人笔下一个永恒的主题。

——基督山伯爵 《蓝莓之夜》从开始的时候就奠定了一种忧伤的基调，漆黑的夜晚，蓝色的酒吧灯光，拥挤而狭小的空间，都是典型的王家卫电影元素。

在这样的小空间中，王家卫又一次自由地展现了人物细腻的内心世界。

依旧是一个男人与一个女人的爱情故事，中间依旧会出现第三者，“婚外恋”似乎是王家卫电影永恒的题材，他爱拍、观众也爱看，一切皆因其细腻的感情表现。

故事开始于伊丽莎白在酒吧中对杰瑞米的询问，她在找脚踏两条船的男友。

被男友背叛的女人总是伤心的，面对着男友在酒吧遗留下的钥匙，伊丽莎白选择了拒绝。

“每一串钥匙都有一个属于自己的故事。

” 这是杰瑞米告诉伊丽莎白的，“比方说这串钥匙，这对情侣以为自己能相伴到老，但最终却没能走到一起。

”王家卫就像是一个诗人，他作品中的语言总是带有着诗性气质的，并且总是有很多的对白会成为经典。

这些对白都极其简洁，极其忧伤。

王家卫的语言和村上春树的小说文字有一点类似，都是“一丝不挂”的那种文字，相当干净，但又极具韵味。

《花样年华》中的“如果我多一张船票，你会不会和我一起走”就是一个典型的例子。

在《蓝莓之夜》的第一个段落中我们依旧可以看到周慕云的影子，第一段中的杰瑞米和周慕云异常地相似，尤其是当杰瑞米在第一个段落即将结束的时候搂着哭泣的伊丽莎白，典型的王家卫镜头，就连背景音乐都是那熟悉的周慕云主题的配乐。

面对着背叛自己的爱人，伊丽莎白选择了走，离开纽约，开始了自己的旅行，远离这些让人伤心的故事，走的时候她留下了那串有故事的钥匙。

“十七岁那年，他拦下了我的车。

” 阿尼的死是一个彻头彻尾的悲剧，他死得很冤，很平淡，他的死也因此而有着巨大的悲剧冲击力。

这是伊丽莎白在旅行中亲眼看到的第一个故事，它构成了影片的第二个段落。

一个老巡警与一个叛逆少女之间的爱情。

伊丽莎白是在酒吧中与阿尼认识的，阿尼是一个终日与酒为伴的老巡警，不太与人说话。

似乎每一个与酒为伴的男人背后都有着一段让人悲伤的心事，而这种心事多半又都是与“情”字有关，这条定律在西方世界也同样适用。

阿尼始终依靠着酒精来麻痹自己，所以当伊丽莎白告诉他“先生，一共八杯”的时候，他认为这不可能，因为八杯实在是太少了，他不相信自己只喝了八杯，八杯是远远不够麻痹自己的。

阿尼的老婆和别的男人搞在一起，这给阿尼造成了巨大的伤害，也是阿尼借酒消愁的根本原因。

这个段落与第一个段落相比要精彩很多，甚至是全片最出色的一个段落。

王家卫在这个段落里终于抛弃了周慕云主题的配乐，选择了更适合西方世界的爵士配乐，对剧情的推动以及氛围的营造产生了巨大的作用。

阿尼与他的太太苏之间的争吵都极富戏剧张力。

在酒吧中，苏的姘头被阿尼打成了重伤，年迈的阿尼在酒精的麻醉下只能用最直接最粗暴的手段来发泄长期压抑在自己心中的愤怒，苏因此与阿尼发生争吵，阿尼举起了手中的枪喊道：“如果你走出这扇门，我就杀了你。

”语言一如既往的简洁，但却包含了阿尼最细腻的情感。

苏走了，阿尼最终并没有开枪，他选择了另外一种方式的自杀。

阿尼死了，他留下的是一堆尚未付清的酒吧账单，在《蓝莓之夜》中，账单和钥匙并没有太大的区别，每一张账单也都有一个属于自己的故事。

面对着阿尼的死，苏喝了四年来的第一杯酒，并向伊丽莎白道出了多年来积压在心中的阴霾，她的出轨完全是出于阿尼对她的爱。

“那一年，我17岁，喝醉了酒，他拦下了我的车，谁知道后来我们会结婚呢？

”、“他爱我爱的太深了，压得我喘不过气来”。

“爱”变成了一种让人难以承受的压力，苏为了逃避阿尼对她的爱而选择了出轨，再次地验证了米兰昆德拉的名言：“第一次的背叛是不可挽回的，它引起更多的背叛，如同连锁反应，一次次地使我们离最初的背叛越来越远”。

苏选择了背叛，投向了未知；阿尼在这种未知中借酒消愁，抑郁寡欢，最终为“爱”而死。

有些东西失去了，人们才会发现其本身的价值，但往往为时已晚，酒吧墙壁上，阿尼的账单，见证着阿尼这个悲剧的存在。

“有时得学会相信别人” “你跟了我那么久，就什么也没学会吗？

”这是在第三段末尾莱斯利对伊丽莎白说的一句话。

莱斯利与伊丽莎白是完全不同的两种人，伊莉莎白比较单纯，而莱斯利比较风尘。

这样的两个人物走到一起，自然有着很多的故事可以发生。

在王家卫以前拍摄的华语电影中，他通过饮食、饭局、麻将来反映东方所特有的民间文化以及东方气息。

《蓝莓之夜》作为王家卫的第一部英语电影，向西方世界作出了一定的妥协。

“赌场戏”的加入就是一个好的证明，“赌戏”在《蓝莓之夜》中其实只是面对西方观众而特别设置的一个噱头，作为一个东方人，我看起来觉得很乏味，而老外看起来就显得异常精神。

赌戏这部分即便删掉对剧情也并不构成太大的影响。

第三段中的重头戏主要都是围绕着莱斯利父亲的死所展开的。

在旅途中莱斯利接到了医院打来的电话，她的父亲病危，想见她最后一面。

但风尘的莱斯利早已听惯了这些措辞，认为这只是他父亲为了见她而设计的有一次谎言。

她从来就不相信别人。

莱斯利是在伊丽莎白地说服下才答应去医院的，她让伊丽莎白帮她进去看一下，伊丽莎白告诉她她的父亲已经死了，莱斯利陷入了深深地自责。

她口口声声地说伊丽莎白在骗她。

对事实的质疑往往是人类逃避自身罪恶感的最佳途径。

莱斯利这个人物也是一个被爱压得喘不过气来的人。

她的父亲从小就喜欢在众人面前夸她聪明。

即便是她偷走了她父亲最心爱的车，她的父亲也没有责备她，甚至还把车的执照和凭证都送给了她。

莱斯利开始对父亲的爱产生了巨大的反感，被父爱压得难以呼吸。

伊丽莎白告诉莱斯利“有时得学会相信别人”，暗含着她对莱斯利价值观的嘲讽，莱斯利的极端“不信任”，导致了她父亲的悲剧。

“即使有钥匙打开门，门内的东西不一定还在”。

一年后的蓝莓之夜，依然是冰激凌加蓝莓派，一串钥匙的故事。

“即使有钥匙能打开门，门内的东西不一定还在”——这是一年的旅行后所悟出的道理。

阿尔活着的时候，每天都可以用钥匙打开家门，但是自己的妻子却不在；阿尔死了以后，苏每天都可以用钥匙打开大门，但是阿尔却永远地走了。

莱斯利也有钥匙，但是父亲却不在了。

杰瑞米把他的钥匙扔了，一切重头开始，一个意味深长的吻，擦去了伊丽莎白嘴上的奶油，也擦去了伊丽莎白内心的伤。

影片中多次出现的列车，承载着蓝莓之夜下所有的孤独、所有的爱情、以及所有的死亡。

在加拿大的时候，我要一个星期去看一次心理医生，在通往医院的一条道路上有一家水果小店，专做医院病号生意。

店里面卖的都是典型的美国加州大水果，美艳极了，娇色欲滴。

我从来都是购买可人的番茄与樱桃，不爱好皮质粗糙的蓝梅，我同样也不喜好蓝梅味的食品，如蓝梅汁，蓝梅清茶等。

唯独喜食蓝梅蜂窝饼，配上黏稠的糖浆与奶油，心情与味觉一同安然下来。

我的白人母亲芭芭拉曾告诉我，蓝梅派与土豆泥，烤鸡翅等事物可同归为“安慰食物”。

或甜或咸，但这类事物通常都饱含着让人幸福的温度和触感。

像是舌尖与汤汁间轻轻的一个触碰，人一倒下来，闭上眼睛，将会是满目的未来还有阳光。

能品和去爱是人类两大本能。

300天之后我依然忘却不掉它苍茫青涩的味道。

于是我在我途中向你归来, 我决定在夜间里最后一展光束消失前轻吻你的嘴角.

总是攒一堆的片子在硬盘上，所以看的时候剧情介绍早忘记了。

开始觉得很闷，而且中间有事断续了几次，感觉很没劲。

耐着性子看下来，就是觉得画面很好，尤其一些快速掠过的风景片段非常有感觉，配乐也很搭。

看到结尾，感觉极度好转，尤其桌上吻戏绝对没说的，很适合情侣培养气氛。

结束了还在纳闷，老美啥时候拍片也这么细腻了，就是那种东方式的细腻，觉得很奇怪。

看完赶紧上豆瓣来留名，赫然发现诺拉琼斯！

还有王家卫！！

尤记03年诺拉琼斯勇夺N项格莱美，不是一般的强，让参加电台竞猜的我念念难忘。

王家卫嘛，终于解释了我的疑问，西方人断难拍出这样的片子。

在我看来这个片子依稀还带着些《重庆森林》的影子，只是我感觉而已。

看了好几遍蓝莓之夜，总感觉这个片子，有种特别的力量能让我看下去 并且越看越仔细。

把这部片子介绍给了几个好朋友， 他们看了， 反应都一般， 有人说看到一般就睡着了， 节奏太慢根本看不下去。

很多人觉得这是一部纯讲爱情和小文艺的片， 我并不这样认为。

当然， 爱情是这部片的主角， jude law和norah jones在一开始能遇见， 就是因为norah jones被抛弃, 往后的酒吧里的男人和他老婆的故事， 也是这部片主要的一部分。

但是我觉得， 在这部电影所表达的感情里面， 爱情只是一部分， 隐藏在爱情后面的， 是所谓的“在别处”的一种感觉和情怀。

jude law在片里来自英国， 在经过一番周折后， 并没有达成自己在纽约跑马拉松的目标， 相反ended up owning a cafe。

norah jones在感情受挫后一个人上路， 到田纳西的小城停下， 打工和meet people的过程， 也是一个人在别处的体现。

王家卫一直有很多很妙的细节让人着迷， 比如花样年华里宾馆的门牌号“2046”和他的另一部大作“2046”的相吻合， 同样， 在蓝莓之夜里， 细节和隐晦的东西也安排的很好。

norah jones来到田纳西， 偶遇天天在酒吧独饮的警察， 了解了他和她老婆的故事，最后在警察死后从她老婆那了解到他们是结婚后才来到这个城市的， 并且他老婆也要离开了， 再次十分隐晦的体现了贯穿此片里的“在别处”的情感。

往后norah jones继续上路， 并且在赌场碰到了portman并且一起上路， 经过许多地方到了赌城， 又体现出一种在路上， 远离故乡的感觉。

许多人一辈子都在一个地方成长和生活， 同时许多人也活在异地和他乡。

这部片中， 在他乡的jude law和不断在路上的norah jones之间藕断丝连的联系和他们对彼此的不知如何表达的思念体现出了电影所表达的“陌生感”和孤独感。

jude law在小饭馆里安录像机和接受人们的钥匙， 体现出他内心的孤独和对这座城市的陌生， 对于norah jones也是一样， 在田纳西的小城睡不着觉， 打两份工， 也是为了掩盖内心的孤独和对男友离去的伤感。

他们俩忙碌的生活， 体现出了他们虽身在异乡感到孤独， 但却尝试着在无聊的生活中找到自己的感觉，jude law没事就看自己录得像， 看看白天错过了什么， norah jones了解到了警察夫妇和portman的故事，并从他们身上学到了很多东西。

最终， norah jones回到了纽约，来到了jude law的店。

他们坐下后， 并没有出现人们想象中的长谈， 讲述路上发生的一切和新鲜事， 取而代之的是一如既往的沉默和寡语。

这一切让我联想到同样是生活在异地的我， 每次回家跟朋友们一起， 也不会讲太多在这边发生的事， 取而代之的是人们之间的默契和沉默。

所谓一个人孤独的活在别处， 当见的够多， 经历的够多，时间够长以后， 慢慢的发现沉默已经成为了习惯， 而再多的长谈和交流已经变的不必要起来。

总之， 这部电影对于我对大的意义就是让我有了同感， 可以理解一些在电影里没有明确提到， 但是却又存在的东西， 就和norah jones回到了店里的沉默一样。

当然， 感怀过去是一个很重要的部分， 这也是为什么jude law在终于和norah jones再见时没有激动的表达自己内心对于norah jones的感情， 而是回忆起了她上一次来店里时的故事。

我相信每个在异国他乡的人在看了这部电影后都会有再看一遍的感觉和冲动， 也许， 除了爱情之外， 这也是王家卫所想要表达的吧。

圣诞节，破天荒地步入久违的影院，希望在诺拉琼斯的蓝调中获得一份希望的温暖。

温暖在剧终如期而至，深刻，但没有刻骨铭心那般的疼痛，留在心中的正是蓝莓派与ICE CREAM相融时的那份甜蜜。

故事的情节与片段在脑中反复，身体开始游离，无意识的街道漫步。

蓝莓之夜，让我深陷关于爱的思考。

伊丽莎白，一个因失恋而迷失的女孩，被突如其来的背叛弄得措手不及。

面对爱人的离她而去，另拥新欢，她无所适从，佯装的憎恨与绝情试图掩饰自己悲伤欲绝的心，可是没人因此信以为真，不久自己也难以自已，迷失成了她最典型的状态，选择离开，这是逃离，也是寻找，看似漫无目的的旅程在她心中却依然存在追寻，只是她选择了最长的道路。

杰瑞米，钥匙餐厅的英国青年老板。

表面忙碌的生活，实为驻足那份失落的爱情而不能自拔的迷离状态。

爱人早已抛弃之前的梦想追寻其他，而他则痴痴挚守一份没有可能的希望。

同样是对爱的迷失，只是他选择了留在原地，期盼爱的归来。

这也是逃离，不敢勇敢面对新的生活，对于改变，他选择了最长的道路。

双方在餐厅邂逅，痴痴的忙碌与自欺欺人的憎恨在不经意间碰撞，火花意外闪现，莫名中的彼此，居然逐渐相识相熟。

这是一份失落者对于伤心的共鸣，深陷其中却毫无意识，爱的缺失，其实已然在无意识中互相吸引，强烈在内，淡淡于外，即使杰瑞米在伊丽莎白熟睡时已经不由自主地与她相吻，可一旦醒来，他的怯懦仍旧令他难以启齿。

正因如此，她还是选择离开，他仍旧驻足不前。

近在咫尺的距离，越走越远。

旅途成了伊丽莎白重新追回自我的过程。

两桩对于爱而迷失的悲剧令她顿然清醒自己的态度：人们在拥有爱时自欺欺人，将那份重要的情感置之不理，甚至在众人面前嗤之以鼻，荒诞不经。

然而，当真正面对爱的不告而别或顿然消逝时，各个却脆弱得不堪一击，心的疼痛在追忆中不能自拔。

痛哭得不由自主，倾诉中不再留有原先的那些指责与抱怨，剩下的未有对真爱的再三重复！

人是傻的，太多的眼泪皆是咎由自取，让旁观者与感悟者自己哭笑不得。

驻足不前的杰瑞米也鼓足勇气，在忙碌中疯狂地寻找伊丽莎白，此时的停滞不再是一如既往的期盼，而是守候，因为难以寻觅，所以只能被迫守候在这个与伊丽莎白惟一共识的地点，等待她的再次归来，。

如果那数百通电话与厚厚一叠的明信片真的得到回音，杰瑞米将绝不再是餐厅老板，勇气早将他释放爱的天堂。

伊丽莎白在成长后重归故土，仰望物是人非的旧情爱屋，眼中不再噙满泪水，脸上显露一份踏实的微笑。

一年前面对杰瑞米的轻吻，她没有醒来。

也许她是不敢醒来，因为旧痛还在，新爱不实。

一年后，再次面临他的嘴唇，伊丽莎白赋以真情的热吻，面对爱，他们都找到了应有的勇气，不再掩饰：在爱存在时紧紧把握，路已走得很长，即便是圆，也该回归原点。

蓝莓之夜，彼此相识，又逢蓝莓，他们则深情相吻。

同是夜晚，却相隔数百日，只因对爱的迷失与幼稚的自以为是在故意作祟。

爱的距离，其实很近，只是我们故意走得太远。

一般来说，新片上档的票房与自身行情的涨跌是息息相关的。

作为一个有行情的女人，每到档期就应该打扮得花枝招展等人来约。

票房越高的电影，重复观看的次数也就越多，行情也就越好。

比如《金刚》我看过两次，《变形金刚》我看了三次。

当然现在世道这么艰难，物价飞涨，我的行情也一天不如一天。

在贺岁大片争破头的岁末档，依然无人问津。

但！

只有家卫兄的片子，就算老娘一个人也敢勇闯电影院。

在黑暗中突破爆米花和酸辣粉的味觉封锁，越过前排一对对小情人依偎厮摩的乱发，把“孤独的人是可耻的”这样的至理名言抛向脑后。

正当我想孤注一掷的时候，怀着一颗文艺心灵的陈小蔷与我站到了同一阵线。

查阅了各家院线，居然只有保利在10：40插了一场，《蓝莓之夜》真的很命苦呀。。。

还被分配在小厅。。。

还不是原音版。。。

注定我们看到是一场倍受摧残的电影。

配音阵容还是很强大的，张震、董洁、巩俐，姜文，赵薇、徐静蕾。。。

可效果依然是超囧的，当我适应了港台腔的时候，一口京片儿瞬间把我淹没，随后一个河南话的浪头打来，我简直要被整疯了！

想想看，裘德洛的皮相下是张震的大舌头，诺拉琼丝的灵气被董洁木肤肤且不带感情色彩的声音摧毁，娜塔丽波蔓的不羁成了赵薇北京大姑娘式的傻气，最绝的还是群众演员们的配音，牌桌上的那一群，各地口音济济一堂。

靠！

这不是欧美片吗！？

这不是文艺片吗！？

我能不人格分裂吗？

我一边严格剔除幕后配音演员在脑海中的固有形象，回到银幕上的本体；一边忙着从中国天南地北大杂烩切换到欧洲慵懒爵士的浪漫场景；还在富士胶片的画面美感中寻找唯一的慰藉，我看场电影我容易吗！？

其实我对家卫的期待很简单，只要他保持不退步，不进步不突破也没关系。

所以就算裘德洛的快餐店和《重庆森林》里的那家多么相似，诺拉琼斯和王菲同样有着钥匙情结，出现N次的高架轨道上的列车在夜色中飞驰而过有多么像《堕落天使》里黎明的家，酒吧里每夜用酒精麻醉自己的警察怎么都让我想到“编号223”或者“编号663”，两人都碰巧经历爱人的离弃，还有裘德洛遇见旧爱的那个晚上，那女人抽烟与说话的闪烁神情，立刻让我想起杀手李嘉欣在茶餐厅目光呆滞地抽烟，背景模糊，是金城武与人在打架。。。

其中有一段背景音乐，熟悉得让我从座位上跳起来，明明是以前用过的！

貌似《花样年华》的OST，只是换了乐器与节奏。

你看你看，这全是他故意的！

当然，那首The Story 好听至极。

由于神奇的配音，这部片被我看成了囧片，相信没有了口音的干扰，我才可以全身心地投入家卫的映画世界。。。

海报上这个镜头也是全剧的ending,从构图的角度上来说是超美的,从实用的角度上来说是不可行的

华语影坛有真正的电影作者吗？

有的话请试举一例。

答：有，王家卫。

华语影坛有现代主义电影大师吗？

有的话请试举一例。

答：有，王家卫。

华语影坛有后现代主义电影大师吗？

有的话请试举一例。

答：有，王家卫。

如上，学院派的电影评论总是喜欢给王家卫加上这些冠冕堂皇的头衔。

确实，鲜明的个人风格，一贯的艺术追求，天才的自编自导，“电影作者”的称号当之无愧；黏贴的故事，割裂的时空，符号化的人物，“后现代主义”的特征一应俱全；人生的孤独，人与人的疏离与难以沟通，寻找与拒绝的母题，“现代主义”的主题明确无疑。

王家卫就这样令人难以置信般的把现代主义与后现代主义两种大相径庭甚至是截然对立的艺术理念整合在了一起，后现代主义的形式下包裹着现代主义的主题。

然而，真正热爱王家卫的影迷一般懒得去理会这些令人心烦的“主义”概念，对我们而言，热爱王家卫的电影就是热爱世界影坛上“墨镜制造”那种“只此一家，别无分店”的调调：华丽中夹杂着几分迷离的影像，忧郁中流露着几分闷骚的演员，真情流露间或几分矫情的内心独白以及恰到火候的背景音乐……这一切的元素结合起来，就是那种令人怦然心动的感觉。

作为王家卫执导的第一部英语片，《蓝莓之夜》先声夺人般的保持了“墨镜制造”的第一特色——众星云集：Norah Jones、Jude Law、Natalie Portman、Rachel Weisz、David Strathairn、Tim Roth组成的豪华整容对于任何一位导演来说都是一种奢侈，但对于墨镜这仅仅是一种习惯，仅仅在三年之前，他就曾在《2046》中完成了让三代谋女郎（巩俐、章子怡、董洁）同台竞技的壮举。

但问题随之而来，当我们所熟悉的梁朝伟、张国荣、金城武、张曼玉、王菲、刘嘉玲们被一群蓝眼睛黄头发的演员所置换后，《蓝莓之夜》还能保持原汁原味的“墨镜特色”吗？

事实证明了我的担心是多余的，《蓝莓之夜》如假包换般的保持了“墨镜制造”一贯的调调与感觉，片中许多的镜头画面都是那样的似曾相识：迷幻的高架城铁、洁净的快餐店、纸醉金迷的酒吧、抽格造成的慢放动作、恰到好处的背景音乐、细腻舒缓的镜头运动、极为考究的华丽影像以及一群为情所困的痴男怨女……所有这些都是我们十分熟识的“墨镜符号”。

《蓝莓之夜》原汁原味的“墨镜调调”证明了两件事情：真正优秀的演技是相通的，Norah Jones、Jude Law、Natalie Portman、Rachel Weisz、David Strathairn这群蓝眼睛黄头发的演员在片中说话、走路、喝酒、抽烟的神态都完美的配合了“墨镜制造”的独特风格，与我们所熟悉的梁朝伟、金城武、王菲、张曼玉们几无二致，此其一。

其二，真正的电影作者果然是一部电影真正的“话事人”，他有办法调教演员的表演模式以服从自己的整体风格。

坊间一直有种说法：王家卫的电影虽然众星云集，但这些巨星到了影片中就丧失了自己的特色，他们只是王家卫借以完成艺术追求的棋子，此言虽然有贬低演员作用的倾向，但却并不是毫无根据的胡言乱语。

但是，作为一名铁杆的墨镜影迷，《蓝莓之夜》虽然保持了原汁原味的墨镜特色，但却难以令我十分的满意。

三年前，同样是在第一时间赶到影院观看了墨镜花费四年时光才打磨出的《2046》，影片给我带来的是一种彻彻底底的从头到脚的满足感，那是一部墨镜美学登峰造极的力作。

三年后，还是在第一时间赶到了影院去观看墨镜的首部英语片《蓝莓之夜》，走出影院后却总感觉少了点什么。

片子的技术层面、形式层面上都没有任何问题，富士胶片杰出的色彩表现力完美的实现了墨镜的美学追求，营造了一个色彩艳丽纸醉金迷般的影像世界，正如前所述，墨镜美学形式上的种种调调在片中一应俱全。

所以，问题出在故事层面上，简单来说就是，墨镜这次讲的故事有些俗。

正如《2046》中周慕云在写作小说《2046》时所说：“我在小说中写的是一群痴男怨女的故事”，这其实正是王家卫借周慕云之口说出了自己所有影片的母题。

确实，我们在墨镜的影片中看到了一群群为情所困的痴男怨女，他/她们大都渴望爱情，却又害怕伤害，以致将自己保护的密不透风，典型如《重庆森林》中一身雨衣的林青霞以及《东邪西毒》中张国荣那句经典台词：“如果你不想被拒绝，最好的方法是先拒绝别人”。

所以，他/她们会采取一种游戏的态度对待感情，典型如自喻为无脚鸟的阿飞以及游走于众多女性之间的周慕云，而像《重庆森林》中的王菲以及《堕落天使》中的金城武这样心无城府、敢爱敢恨的性情中人寥寥无几。

需要注意的是，墨镜的影片虽然一直在讲述一群痴男怨女的情爱故事，但每个故事都绝对是与众不同，和那些矫情俗套的爱情故事有着天壤之别。

即便是讲述婚外情的《花样年华》也因为简约留白的叙事、舒缓柔美的运镜、影像与音乐的完美配合以及两位演员的杰出表演化平凡为神奇，成就了一部体现墨镜美学的典范之作。

比较遗憾的是，《蓝莓之夜》讲述的三个感情故事：作为主体的Norah Jones与Jude Law的爱情故事以及穿插的Rachel Weisz与David Strathairn的情感纠葛、Natalie Portman与父亲的亲情故事，无论从那个方面看都是非常俗套的，完全没有《重庆森林》与《堕落天使》中的几个爱情故事那种非同寻常的惊艳之感：王菲闯进梁朝伟的家中乱搞一通，李嘉欣在黎明的床上痛苦的自慰，黎明与莫文蔚闪电般的恋情，金城武载着杨采妮去痛扁情敌……就更不用比《东邪西毒》中N位大侠纵横交错令人头昏脑胀的情爱纠葛网了。

不过，虽然故事有些俗套，但对于墨镜的铁杆影迷来说，《蓝莓之夜》还是绝对值得去影院一看的，毕竟自从《2046》之后，我们已经足足等待了三年的时间。

观看《蓝莓之夜》的一大乐趣就是拿片中的这些好莱坞明星和墨镜以往的那帮御用演员来个对号入座。

的确，《蓝莓之夜》中有着太多似曾相识的元素不得不令我们想入非非：迷幻的高架城铁之于《堕落天使》和《2046》，快餐店之于之于《重庆森林》，而在快餐店中工作的两位俊哥靓女Norah Jones与Jude Law则对应着《重庆森林》中的王菲以及《堕落天使》中的金城武，遭到妻子背叛借酒消愁的警察David Strathairn则与《重庆森林》中的警员663有着诸多相似之处，整日混迹于赌场对所有人都不信任游戏人生的Natalie Portman则堪称男版的阿飞或者周慕云。

某种程度上，《蓝莓之夜》是《重庆森林》与《堕落天使》的延续，正如三年前的《2046》是《阿飞正传》与《花样年华》的延续，我们不妨将前三部称之为“都市三部曲”，将后三部称之为“怀旧三部曲”。

当然，以上所说的对号入座的乐趣只能是墨镜的铁杆影迷才能享有，不过，对于一向对“墨镜制造”不是很感兴趣的观众来说，《蓝莓之夜》也是值得一看的。

一方面，Norah Jones、Jude Law、Natalie Portman、Rachel Weisz、David Strathairn、Tim Roth如此之多的好莱坞明星同时出现在中国影院的大银幕上，可不是每年都会有的盛事。

另一方面，影片故事的俗套往好的方面讲也就是主流，相对于前作《2046》来说，《蓝莓之夜》的故事要正常的多，虽然有些俗套，但三个精致的情感小品却很温情，比之热血的《投名状》和《集结号》，更加适合贺岁档的气氛。

由此，可以预见的是，《蓝莓之夜》可能会享受到《2046》相反的待遇，后者虽然在形式上达到了墨镜美学的巅峰，极大的满足了吾等铁杆影迷的观赏欲望，令我们彻彻底底从头到脚的爽了一回，但由于故事的原因（对<阿飞正传>和<花样年华>了解不深的观众不可能真正进入剧情）却得不到普通观众的赞同。

与之相比，《蓝莓之夜》则由于故事的大众化很可能会得到许多观众的认同，但对于墨镜的铁杆影迷来说，却难以获得十分的认可。

不过，我们也不应该因此就对墨镜失望，毕竟，这部众星云集的情感小品只是墨镜初登好莱坞的小试牛刀之作，也许，日后和Nicole Kidman合作的《上海来的女人》或者和梁朝伟合作的《叶问传》才是真正的发力之作，虽然两部影片还都没有确切的消息，但我们已经习惯了等待，因为，墨镜值得我们等待。

在一个没有阳光却也不阴霾的下午把《蓝莓之夜》和《呼吸》一起看完了。

把这两部片子放在一起的效果就像把金基德和王家卫放在朱老师的《艺术人生》上的效果。

在小军痛哭流涕的时候，基德老师一直不发一言，王老师已经在墨镜后面睡着了。

世界上虽然没有两片相同的树叶，但肯定可以找到两个都无时不刻都想着穿树叶的人。

《呼吸》和《蓝莓之夜》恰巧被我刻意解读成了穿着一样树叶两部片子。

金基德和王家卫都在树叶上刻上了一个红红的“爱”字。

不同的是，金基德像是用的姑娘们的经血，王家卫用的是姑娘们初夜的血。

《蓝莓之夜》是可以让人从金基德制造的舒缓而又紧密的情绪中走出来《呼吸》的片子。

里面看到了《2046》中的火车，看到了《重庆森林》里的餐馆。

似乎还看到了梁朝伟，或者矮了十公分的王菲。

能把王家卫的片子持续看到今天的，会欣然把很温馨的掌声送给《蓝莓之夜》的。

很明显，我是满意这部片子的。

这是我想看到的一部爱和时间、距离，还有包裹着恨的温暖而潮湿的片子。

1、真正持久的爱是不经意间遇到的，不是新鲜的，而且是在有一方失恋后才能秘密擦出火花的。

谢洛夫秘密的舔干净了伊丽莎白嘴边的奶油。

“舔”是一个恶毒的词，是一个可以把所有美好的画面击碎的词。

但能用舌头清理的动作，不是舔是什么？

2、“钥匙餐馆”是一个秘密餐馆，谢洛夫收藏着各种各样人的各种各样的钥匙。

当谢洛夫把一瓶子钥匙的故事讲完之后，或者还没等他讲完，刚刚失恋的伊丽莎白其实已经爱上他了。

真正的爱是浑然不知而且充满怀疑的。

谢洛夫有一个收集故事的摄像头，因为它不能制止任何的暴力出现，即时没有重型武器的掐架。

3、在无人的街灯下，伊丽莎白看到自己的对象正在跟别的女人调情时，知道已经被人甩了。

女人真好，可以什么都不顾的去周有全国。

她必须找一个目标分散自己失恋的注意力，于是把赚钱买车作为一个随机目标。

我一直认为她搭公车挺好的。

4、时间在走，300天后，她将要回到出发点纽约。

在之前的300天里，都是故事。

是一个男人太爱一个女人，那个女人承受不了那么腻的爱的故事。

是这个男人选择自杀解脱的故事。

当酒吧老板让伊丽莎白也就是诺拉琼斯找出这个自杀男人的账单让他老婆结账时，像暖流一样的感动以最冷的方式出现了。

还有邂逅赌城拉斯维加斯的女赌神的故事。

这不是什么轻松的事，虽然全是懒散的镜头，竟然还有一辆不知道牌子的豪华跑车。

王家卫在这时扯出“信任”的话题，浪漫而又残酷。

这是一个对任何人都不信任和一个可以轻易相信任何人的女孩们相遇的故事。

是谁改变了谁？

5、当谢洛夫抽着自己卷的香烟时，等来了诺拉琼斯。

之前他等来了另一个女孩，在这之前，说不定他还等来更多的女人。

一个有满满一瓶子钥匙故事的人，是迷人的。

谢洛夫以前有太多的女人，但这次他爱上了伊丽莎白，就在那次惊天动地的“舔”之后。

在谢洛夫重施故技再次去“舔”时，被“反舔”了。

在诺拉琼斯懒懒的声音中，蓝莓之夜落幕了。

这部片子王家卫居然三个月就做完了，而且依旧温暖而潮湿。

看过的人，温暖也好潮湿也罢，生活就是一个蓝莓派，有人喜欢上面的奶油，有人讨厌而已。