芝加哥

《芝加哥》：华丽锦袍下的精致匕首谢宗玉75届奥斯卡，《钢琴师》和《时时刻刻》虽然分别捧走了最佳男主角和最佳女主角奖，《芝加哥》却是最大的赢家，它囊括了包括最佳影片、最佳女配角、最佳服饰、最佳音响、最佳美术、最佳剪辑等六项大奖。

记得七十届奥斯卡，《泰坦尼克号》也杂七杂八获了十把个奖，但那些奖我以为都是最佳影片奖的搭头。

是那个场面宏大、催人泣下的爱情故事把所有人都震撼了，评委才会让它“一人得道，鸡犬升天”。

就像一群流浪诗人受邀到金碧辉煌的皇宫作客，最后就连皇宫的厕所也要吟诗相赠。

《芝加哥》不同，《芝加哥》所获得的任何一任奖项，都名至实归，没有依靠别的奖项“水涨船高”。

电影是一门综合艺术，几乎包涵了其他所有艺术门类，“色香味俱全”既是它的基本要求，也是它的最高要求。

可自有电影以来，能够做到这点的，几乎没有。

就连我推崇备至的《狗镇》，其实也不过是电影运动会上的单项冠军，它让我顶礼膜拜的，只是它风暴般无坚不摧的犀利思想。

《芝加哥》则完全称得上是电影运动会上的全能冠军。

它应该是百年来电影这门艺术最具代表性的杰品。

在这部电影中，各种艺术门类都发挥得异常饱满。

我们既可以研究它珠光宝气的华丽服饰，也可以探讨它虚实相杂的蒙太奇表现手法；既可以欣赏它烘云托月的光影色调，也可以迷醉它蛊惑人心的各类舞蹈；既可以推敲它恬不知耻的生存哲学，也可以解析它直抵灵魂的艺术磁场效应。

而最让我惊叹不已的，则是它音乐的魅惑力。

如果不是音乐门外汉，我会专门把它的音乐作为重点研究的对象。

更具体地说，就是剖析它如何利用精妙绝仑的乐曲，把烂俗不堪的歌词包装成不容辨驳的人生哲理。

这些乐曲与历代政党的所谓革命歌曲才真叫有异曲同工之妙。

就像布道的巫师还要顺便搭卖一些水货一样，是曲子首先俘获了人们的灵魂，然后人们才会不由自主把那些水货似的歌词当真，以为某人就是太阳，比如希特勒；以为某党就是母亲，比如纳粹党。

电影中有句台词，叫“杀人也可以是一种艺术。

”看完电影，我几乎要疑心“凡艺术都是杀人。

”当然不是白刀子进、红刀子出那么直接，而是一点一点，浸漶我们的心灵。

记得小时候，教科书曾说过，艺术就得表现生活中的真善美。

但《芝加哥》撅起它的嘲讽小嘴不以为然。

《芝加哥》的艺术全是为“假恶丑”服务的。

换句话说，就是把生活中的“假恶丑”全部鬼斧神工地包装成“真善美”了。

那份颠倒黑白的功力，实在是让人目瞪口呆。

很多人以为《芝加哥》意在反讽。

起初我也是这么想的，但看到后来，我不这么认为了。

由于它的艺术阵营实在是太豪华了，以致那把反讽的匕首裹在艺术华美的艳袍里，根本显不出图穷匕见的杀伤力来。

这时，它所批判的东西不知不觉就转化成了广大观众处世的金科玉律。

导演后悔了吗？

不！

眉飞色舞的剧情处处都在暗示，一切简直就是导演顺水推舟的结果。

这让我不由想起了国内那些写官场的小说家，起初他们也许意在反讽，但由于他们对官场实在太熟悉，写出来的东西最后竟被读者奉作为官法宝。

这时他们再回头一想，发现这其实就是竞争社会中最真实的“丛林法则”，因此也就一边乐陶陶数着甜美的版税，一边让书商把它炒作成官场入门秘籍。

在《犯罪道德学》一文中，我曾表露过这样一个观点：形而上的道德其实是一种非常世俗的手段。

它存在的目的只是为了给人类谋取“集体利益的最大化”。

为了让人类活得更好、更团结、更和谐、更具竞争力的一种自制规则。

它跟世俗的“对错是非”无关，跟提升人类的心灵和精神境界也无关系。

它身上附属的“文明性”只是为了帮助人类在地球物种竞争时取得绝对的胜利。

推而广之，人类文明（当然包括各种艺术）最初的目的也并不是为了让人类的灵魂高于别的物种，而是为了粉饰“丛林法则”，更好地奴役地球上的其它物种。

在任何时候，人类的灵魂其实都没有高出过地球上别的物种。

从人类目前毫无节制地索取生存资源来看，受所谓文明和艺术熏陶多年的人类灵魂，在所有物种中，其实最丑陋的。

所以，与其用那把精美匕首刺向他人肮脏的灵魂，不如留给自己当作谋夺世俗福利的凶器？

以艳俗登场的《芝加哥》最后居然让我推导出了这样一个意味深长的结论，这虽然是一件悲哀的事情，但它更具思辨性的内涵已不是肤浅的反讽所能概括的。

2003年作为美国歌舞片登峰造极之作的《芝加哥》拿下了包括最佳影片、最佳女配以及最佳音响在内的6项大奖，成为了那个疯狂夜晚的最大赢家。

然而当奥斯卡晚会的幕布落下，电影《芝加哥》所代表的美国歌舞片早已在好莱坞的中央舞台不见踪影。

这个诞生在有声电影初期的电影类型在一波又一波新的电影浪潮下失去了他在那个疯狂年代的无上地位。

最终空留一首《芝加哥》在加利福尼亚的夜空中延留。

作为类型电影中的代表，歌舞片是践行类型电影构架乌托邦世界原则最直接的片种，其构建的富丽堂皇、美轮美奂的舞台上漂亮的男女主人公在相互仰慕中翩然起舞。

营造出无上的兴奋和激情。

在上个世纪初资本主义普遍压抑人性的时代为人们开出一道发泄内心情感的出口，根据拉康的镜像理论，观众把电影中的主人公看作是自己，主人公在影片中通过努力获得成功，并最终娶得美人归，观众则通过镜像式的自我认同最终使得他们放下了在生活里贫困和辛劳，获得了前所未有的快感，并沉迷其中。

这就是歌舞片持续到60年代仍然经久不衰的根本原因，他前所未有的迎合了被工业社会所疏离的个体对于脱离现实前往梦幻的需求。

但是随着新好莱坞电影的到来，梦境被现实所取代，梦幻悄然的舞步被血腥的扫射所代替。

歌舞片走向衰落，而行至千禧年歌舞片手中也仅仅剩下怀旧复古这张牌了。

曾经不可一世的迎合观众奇观心理的歌舞片开始了又一次新的迎合，而这次瞄准的是战后婴儿潮对于70年代流行乐的怀念。

当然作为新兴文化工业的代表，此时的歌舞片身上也多了些别样的味道。

歌舞片所区别于其他类型电影的核心在于他的音乐和他在音乐中歌舞的人物，不同于其他类型，歌舞片需要在比较现实的叙事中平滑过渡到一个虚构的、幻想的世界中，在那个世界里沉浸在音乐和舞蹈之中，完成了对现实的摆脱。

这就是了歌舞片电影中的两个领域——现实主义的叙事领域和虚拟的歌舞领域。

在现实主义的叙事领域中，利用传统的叙事建构真实，随后在过渡到虚拟的歌舞领域上时打破这种真实感，通过这种打破来营造出歌舞片所特有的狂欢和喜悦，主人公暂时远离现实生活，忘记痛苦，在劳累中释放出来，戴上虚拟的面具，给观众带来前所未有的奇观化场景和快感。

《芝加哥》在这种领域的转换过程中来回跳切形成了特有的吸引力。

从而满足了现代社会中独特的现实需要。

极权引导佛洛姆在《逃避自由》里分析了现代社会中人为了寻求一种安全感和抚慰感，往往放弃自己的独立倾向，投身于权威之中，臣服于权威，从而获取安全感，而其所归属的威权主义则通过一系列的构建启蒙的方式来达到对人的控制，消除掉人的自我人性，从而达到一种神话式的崇拜。

两者一拍即合，形成了极权下的对人的自由的控制。

这原本是对纳粹极权统治的分析，但是在电影中被影片用来建构观众的认同感：《芝加哥》构建了一系列的歌舞与现实的跳切来达到对观众认同感的采集，从而获得对观众的操控，完成电影认同机制的建造，从而达成其快感制造的目的。

在一场回答记者提问的记者会中，女主罗茜在本该表演乖巧的记者会上出言不逊，律师弗林大怒，抢过话筒，此时画面一转，弗林、罗茜连同记者都置身于高度风格化的木偶剧歌舞领域，随着轻快的木偶戏音乐响起，画面在现实和木偶剧中来回跳切，弗林一面操纵着有发条的罗茜一面在背后的有节奏地回答着记者的提问，记者背后挂着长长的操纵绳随着福林的回答而摆动，镜头上移，舞台上空中巨大的弗林摆弄着提线。

与此同时镜头时不时回到现实主义的叙事领域避免观众忘记真正的叙事场景，但是在两个领域中始终存在着音乐的渲染，目的是将两个场景无缝的衔接。

在一番缠斗之后，记者们接受了弗林所宣扬的罗茜自卫杀人的谎言，立即，媒体身上无主见的、被操控的形象以及弗林掌控着罗茜发条的暗示就在歌舞升平的喜悦之中被植入到了观众的心里，若是只存在现实主义的叙事领域，说服性则会大打折扣，观众对于剧情的认同相对较低，会导致观众信任威权主义，也就无法沉浸在电影中。

反而是木偶剧歌舞这一奇观化领域中提线木偶的暗示和巨型弗林的舞动产生了巨大的说服效果。

使得观众找到了认同感，心甘情愿的归顺于电影，观众臣服于弗林的巧舌如簧，沉浸在电影为观众设好的认同机制中，为后来的弗林轻而易举的逆转审判局势以及玩弄罗茜的情绪设下埋伏——弗林可以操控这些无主见的人包括陪审团。

这就是利用歌舞的迷狂之感来完成威权主义的构造，充分吸引住观众而达成对观众认同的构建，使得观众沉浸在电影中。

同样的效果出现在影片开头罗茜欺骗丈夫替她杀人顶包的场景中，一面是叙事场景中丈夫极力的袒护妻子，将杀人的罪行往自己身上揽，一面是歌舞领域中罗茜对丈夫的行为的感激和不屑，跳切之下，丈夫极为怯懦且无能的形象跃然于银幕，单单叙事所产生的认同机制不足以让观众沉浸，是罗茜妩媚的歌舞让观众放下自由，走向了电影的威权主义，而这一次认同机制的构造同样也有着女性作为凝视对象对男性观众的吸引的作用。

接下来就谈到通过色情的凝视，电影构建起了一套完整的认同机制。

色情的凝视与女权主义作为对美国20世纪70年代歌舞剧的改编，他留下了原作歌舞剧中极富特色的元素，性感的着装和舞姿极有挑逗性，而这一点就构成了电影另一种构建观众认同感的机制——色情的凝视，在影片开场，凯莉热舞的歌舞领域和罗茜与情夫偷情的现实领域的转换中，一边是凯莉肆意的舞蹈，无论从动作还是歌词都充满了情欲的味道，另一边，罗茜和情妇偷情的场景恰好和凯莉的舞蹈形成节奏感，观众在凝视之中被构建起了认同感，随后凯莉的舞蹈戛然而止，罗茜枪击了负心的情夫，影片在哗然中拉开帷幕。

然而就是这样利用色情凝视建立起认同机制的非女权主义电影，在电影的的尾声用一场盛大的Ending宣告了她们作为千禧年那个时代女性地位崛起社会背景的现实映射。

罗茜和凯莉重获自由两人联手重启歌舞事业，而这首歌舞中途，两人拿起了枪，那个他们曾经用来反抗男权但是导致他们锒铛入狱的枪，如今他们又拿起来伴随着舞步挥舞缠动，而这次却引发了台下观众的欢呼，两人背向观众，向着象征着男权的红色背景扫射，背景墙上留下罗茜、凯莉的名字，无疑就是宣告着在两人的通力合作之下，女权主义取得了成功，完成了对社会背景的映射。

电影《芝加哥》中，没有故事，没有新闻，只有炒作，只有若有若无的绯闻计划，只有充满着酸甜苦辣的人生百味，一部歌舞剧竟道出这般深刻的人生哲理，从这个层面上讲，《芝加哥》着实不失奥斯卡水准，当然，亦是一部难得的佳片。

依常理，但凡歌舞剧，其势必喧嚣，其舞蹈必曼妙，要么谈情，要么说爱，风花雪月，才子佳人，加入煽情的成分则华丽转身，变穷小子追逐富家女的千古绝恋，《红磨坊》即如此，但风月归风月，其情虽刻骨铭心，但其理却尽显苍白肤浅。

人间冷暖，人生悲欣，在《芝加哥》中得到了淋漓尽致的完美呈现，观其外，音乐优美，舞蹈华丽，美女帅哥，动人心魂，摄人心魄；品其内，则酸甜苦辣，人生百味尽显无余，细细品味，则觉其内涵越深，其外延越广。

一个是怀揣着明星梦想的美丽女子被情人所蒙骗，结果，一怒之下，开枪将其击毙；一个是歌舞巨星因无法忍受男友和妹妹的暧昧而开枪将两者击毙，两人都被送往医院，等待法院的裁决。

主角的人生就犹如一场过山车游戏，先喜，再悲，再喜，再悲，最后皆大欢喜。

情节曲折，亦耐人寻味，她成功摆脱死刑的判决，和其懂得利用媒体和人们的同情心借机炒作密不可分，其在遭遇读者和媒体的冷漠后，不失时机的炒作自己，炒作大众话题，将其本人事件炒作的风生水起。

在芝加哥没有永远的明星，一切都是浮云，没有什么是恒久的，人们喜欢的只是那一个个的绯闻和炒作，这亦是当今这个媒介社会的真实写照，人生如戏，戏如人生。

毫无疑问这是一部女人戏，但是它特别就特别在，它没有爱情。

以前的电影，现在的电影，各种题材的电影，都喜欢用爱情作为点缀，甚至以爱情作为救赎，连枪战片也不例外。

非要给暴虐的男主制造点柔情，让大众相信杀人不眨眼的人其实渴望真爱，多么美好的世界！

好像世界上真的是到处充满爱了，爱情的力量是最强大的，其实是多么自欺欺人的行为。

这个电影出色就在于他很现实，一部女人戏，一点歌颂爱情的意图都没有，甚至对爱情有点嘲讽味道，律师出场的台词，句句都是反话，句句都是讽刺，告诫那些被爱情洗脑梦想靠爱情走天下的女人醒醒吧，这是真实世界。

真实世界里，爱情只是传说，大部分人拥有的，只是欲望，各种各样的欲望。

这部片子虽然没有爱情，但却有别的内容。

那个被诬陷的女人被送上断头台时候下面观众的反应，唏嘘，或是欢呼，突然让我想起了鲁迅的小说，中国那些伸长了脖子去看英雄被砍头，兴奋的好像看戏一般，其实未必是中国的劣根性，CHICAGO让我们看到了，这种心态其实全世界都有，只不过，那个时代人们喜欢看的受虐主角，不是英雄，而是女人。

就是女人，女人，无论你是歌舞剧演员还是罪犯，其实你都在舞台上，你的娱乐消遣的内容。

无论是你打扮的如同洋娃娃般接受爱慕，还是被吊死在大庭广众之下，其实都是娱乐的演员。

女人，尤其是漂亮的女人，对你的宠爱是娱乐，看你痛苦也是娱乐。

你的生老病死，悲欢离合，对大众都是娱乐，只要主角是女人，那么一切就带上了香艳的意味，哪怕是你的痛苦对众人来说也如同一场表演，看起来带着SM的快感。

导演很显然借着这个题材在表达更深刻的内容，因为这是CHICAGO，因为主角是女人，所以才有那么多的看客。

如果被送上绞架的是个男人，导演就不可能拍出好奇的观众，和他们内心的欢呼这种情节来，导演其实是在讽刺，不是吗？

ROXY后来终于明白，她曾经以为是征服了大众，其实说到底她就是一个大众的玩偶，大众看她巧笑盼兮的心态，其实和看那个女罪犯上绞架的心态差不多，一切无非都关乎于娱乐。

娱乐，就是如此。

就好像君王对于小妾，宠幸过后就生厌，寻找新的肉体，新的刺激。

ROXY永远逃脱不了玩偶的命运。

这是女人永远的命运，是靠别人宠幸而生存的女人注定的命运，也是大多数女演员的命运。

这也是为什么我多少觉得这部片子有女权的味道。

但是这部影片的主旨似乎也并不是控诉，不是哀怨的妇女解放电影，女主角也并不是天使。

她所做的一切也都是出于欲望，杀了人，享受了名誉，还逃脱了法律的制裁，所以，这个世界是不公平，但是，你还想得到什么呢？

《Chicago》这部电影就我的理解，是一部展现以女主角Roxie Hart和Velma Kelly为代表及其周围人物的在各自的欲望面前挣扎、矛盾，无所不用其极却不计后果不言后悔的心理电影。

无与伦比的视觉语言运用和画面色调处理，使这部电影当之无愧是一部光影巨作，优秀的、值得借鉴的、无可比拟的、令人惊异的画面、场景、情节实在是太多太多了，我无法也自知没有能力去一一详细读解。

每个人的想法不尽相同，我便以己之劣见分析一下的对影片中部分印象深刻和及其喜爱的情节所属摄影总谱和光影语言表达的效果的个人理解。

影片开场，就以一连串快速叙事蒙太奇富于逻辑性和节奏地交待了故事发生的地点——芝加哥夜总会，也间接表明了这个地点对之后的剧情起着重要的作用。

主角之一Velma出场，摄影机开始后跟，将观众带入戏，模拟出一种主观视角的效果。

同时，室内的戏剧光效营造舞台氛围，弥漫着花天酒地、醉生梦死的气氛。

另外一边，Roxie在夜总会内朦胧的柔光制造的幻想中，以一袭强烈的顶光照射和Velma角色互换，扭曲变形的效果使一个渴望成名、名利至上的女人形象跃入观众脑海。

如果Velma带来的是浮光转身的幻觉，那么Roxie上演的便是欲望躁动的现实。

影片采用了平行序列，舞台上的过饱和色彩和灰蒙蒙的大街，暖与冷，梦幻与现实，没有过渡，都在上演欢愉。

突兀和反差巨大的冷暖对比色彩也为这欢愉的短暂作了隐喻的暗示。

提及暗示，导演Rob Marshall在影片中可谓费尽心思，很多看似微小的细节都对往后的剧情起着重要作用，种种这些，都是暗示，值得深究。

接下来便举例说明一下。

我在这里大胆进行一下个人的揣测，从Roxie在楼梯上魅惑注视Fred的画面看，光将楼梯格纹投映到墙上，我是否可以以小见大地认为导演Rob Marshall在以一个上帝的视角为Roxie即将锒铛入狱作了一个预告性的暗示？

如果真是我所想，那么导演的丰富想象力和对视听语言表现手法的高超掌握，已足够我所钦慕崇拜了。

此外，歌词和场景配合天衣无缝，歌词言语之间的暗示、舞台与床第间动作的衔接，如此自然和谐，个人以为导演在本片一开始便利用视听语言上的小小细节暗示两位女主角Roxie和Velma之间不可分割的紧密联系，为故事情节的发展埋下伏笔。

接下来要探讨的便是色调光影语言中的对比作用。

Roxie杀人后镜子中折射的室内的暖，和潜意识幻想中的冷，形成对比，快速剪辑给人以突兀感，展现人物心理的不安和灵魂深处隐藏着的罪恶。

色调和光英在此处表达出的强烈且鲜明的对比作用。

而在警察明显怀疑Roxie丈夫的包庇和Roxie是杀人犯的场景中，直射光下的女主角显得无辜孱弱,拼命掩饰的罪恶感一览无遗。

随着人物动作的设计,主人公头转向，形成侧光,偏暖色调的戏剧光效营造出一种臆想,人物服装的暖色调与舞台背景的暗调形成对比,又交叉现实中袒护自己的丈夫与警察的对峙，展现出一种温馨感,随着音符节奏的加快又释放出一种不安、不祥之感。

打在女身上的暖色光与丈夫身上的冷色光又是鲜明的对比。

两人互相指责的说辞便是夫妻反目、最后妻子锒铛入狱的铺垫。

锒铛入狱之时，一小段前跟镜头显得凌乱不和谐，从犬色声马的浮华被推入黑暗无垠的冰冷牢狱，外加空寂大街上营造出的大气透视效果，真实而又离奇地展现了现实的多变。

紧接着，影片中又一重要人物女狱长嬷嬷富有戏剧化的出场，有效地利用了影子这一元素，逆光且过曝光大气透视效果作为臆想世界的转场，加以现实的冷色调与臆想的暖色调对比，唯利是图的贪婪形象具化生动。

舞台戏剧化的影子出场、现实与臆想前后交叉的同一动作连接，舞台追光效果和台下掌声无一不体现嬷嬷唯我独尊的妄自尊为，投影便是潜意识内心深处的欲望本性的象征。

段歌舞结尾处的逆光戏剧光效又进一步塑造了贪婪中的些许邪恶。

最后便是对于对比蒙太奇在画面的表达、构成及剧情的呈现上的探讨。

这个片断出现在Roxie 入狱后的第一夜。

随着一连串流畅奔放的快速剪辑蒙太奇，舞台和现实一片离奇的混沌，女囚们上演了一出华丽反叛愤怒不羁的音乐舞台剧，导演在此处再一次运用了令人惊叹的视听语言手法，灯光的明灭象征着焦躁与矛盾,重现了女囚犯罪时刻的不可忍耐的暴力因子的叫嚣。

接着是女囚们分别出场进行“自我申诉”。

第二个女囚出场的构图颇具玩味性，导演通过以一个男人的下半身为前景，女囚一出场便成为“胯下之臣”，影射性地交待了其情杀动机，最后一个动作的设计与之呼应，男人在她的身下“俯首称臣”，又是一种对本末倒置的大反差结局的预示，讽刺意味强烈。

过程中灯光忽明忽暗，暗示且象征着情节的起伏。

最后一段群舞画面充斥着明暗光影色彩的反差对比，叫嚣着的红和落尾处的黑，是否可以浅显地理解为是一种颜色的心理暗示，女囚们在欲望中的挣扎与矛盾一览无遗。

值得一提的是导演在影片中充分发挥了镜子的最大作用。

在获得金牌律师X的帮助下名声大噪的Roxie的内心独白中，镜子将Roxie得意洋洋、名利野心和八面玲珑用画面呈现出来，我们完全可以从越来越多的镜子中折射出的越来越多的影子，看出Roxie内心的复杂和多变。

而在影片开头对夜总会后台粗糙的呈现中，布景的特色就在于镜子所增加的空间感，构图上来说很新颖。

鉴于个人比较钟爱Roxie丈夫的舞台片断，便做以下简要赏析。

Roxie的丈夫在与律师交涉时第一次正式有了内心世界的独白，现实与臆想形成交叉蒙太奇，在臆想的舞台上，背景以暗调为主，且自始至终都有低光光效所致的一个巨大的影子在他身后相随，如果说嬷嬷的影子是贪婪本性内心欲望的象征，是人格的另一半存在，那么X的便是被他的影子淡化了存在感，让人印象深刻，默默无闻，受尽类似X律师甚至妻子X的忽视。

同时又被影子吞噬，在深爱的妻子为名利的极端欺骗前迷失了自我，乃至成为了骗局中的一个参与者。

最后的逆光剪影效果更是加深了黑暗的吞噬感，他俨然已经成为了妻子Roxie名利道路上的一枚棋子。

有一类电影，它们堪称典范，只能模仿，无法超越。

可《Chicago》的完美让所有的模仿只是种空白。

或许《Chicago》让人百看不厌是不仅因为它歌舞升平、浮光溢彩。

而是它流离张弛、惊艳风情的电影摄影视听种种语言，让人在大呼过瘾的同时感受到人物在浮光转身之后的，那摆脱不掉的欲望躁动。

2009.3.5.影评课期末考试作业

苦思冥想芝加哥到底怎么评价我感觉女性主义在电影里是流动的，你可以说在芝加哥里女人利用美貌玩弄愚蠢的男人的公平正义，是很feminism的，但你可以说本身“美貌”的评定就是男权话语体系下诞生的标准，全片的镜头都凝得不能再凝…而律师作为拯救者以及老好人丈夫作为守护者的角色设定，都无一例外的，很好莱坞式的刻板。

女性角色除了匈牙利女人是天使形象其余都是妖女形象，女角色之间勾心斗角，很符合男人对女人的幻想！

想看这部主要是因为看过监狱探戈的片段，以为是六个女犯人互帮互助的那种剧情，结果只看到争奇斗艳互相使绊子，最后五分钟才握手言和同台演出…带着恨…maybe。

而男性角色，丈夫好人，被绿了还当饭票，最后留下一个忧伤离开的背影；律师好人可能吧，总之塑造得很好莱坞诡计英雄，和丈夫挺互帮互助的，辩护还给他打折。

当然你也可以说这部电影的男女角色也倒置了，丈夫陪伴在出轨的妻子身边而非妻子陪伴在出轨的丈夫身边，当然我眼中看到的则是男人将自己的欲望和对女性的刻板印象倒映在电影里的样子，倒不如说“老实男人”的角色设置一直让我很反胃。

呃，说到这里，那不如说芝加哥所流露出的政治意味都要比女性主义意味更多…其余的，画面很好打光很好，歌舞和剧情融合得非常好，尤其是监狱探戈那里，木偶戏也很好，对于音效和音乐的衔接运用真是炉火纯青……这个剧情真的很适合歌舞片和音乐剧，因为整个辩护、整个司法，都是一出戏。

一句话评论With the right song and dance, you can get away with murder. In a city where everyone loves a legend, there's only room for one. It's Just A Noisy Hall Where There's A Nightly Brawl...and All That Jazz The one movie that has it all. It began with a hit... If You Can't Be Famous, Be Infamous.幕后制作要充分欣赏这部2002年度的第75届奥斯卡最佳影片，必须细细品味其中的嘲讽精神。

影片用貌似赞美的口吻，把上个世纪20年代以芝加哥为代表的浮躁心态彻彻底底挖苦了一番，而里面的内容对于80年后的今日中国居然不乏适用之处。

片中有一句经典歌词，叫做“杀人可以是一门艺术”，该片的妙趣可以归纳为“恬不知耻可以是一门艺术”。

马歇尔承传了鲍伯·福西的风格，并大胆将整部影片处理成罗西的幻觉。

他充分发挥出演员的歌舞潜能，泽塔-琼斯获奥斯卡最佳女配角，其他多名演员获提名；他还赋予“监狱探戈”、“操纵媒体”等片断高超的视觉创意。

花絮 ·在影片中，两位女主角为了争得名声而明争暗斗；而电影的现实中的女主角之争，也是异常激烈。

麦当娜、戈迪·霍恩、妮可·基德曼、朱丽娅·罗伯茨等著名演员都有过和“芝加哥”的“绯闻”。

·在男演员方面，曾经主演过《油脂》、《低俗小说》、《变脸》的约翰·特拉沃尔塔(John Travolta)一度收到制片方的邀请，最后他却以不愿意在20年后投拍一部类型相同的影片拒绝出任男主角。

·另外一个谣传，则来自于本片的CD大碟。

曾有传说珍妮·杰克逊曾有意献歌一曲，到最后却不了了之了。

·成为米拉麦克斯电影公司票房最高的电影，国内票房就到达了一亿七千一百万美元。

·该片音乐剧从1975年4月12日开始，在美国纽约的百老汇演出，直到1977年8月27日停止，总共演出936场(包括24场预演)。

·导演希望凯瑟林·泽塔-琼斯在影片中展现自己真实的长发，但她坚持要换成短发。

在人物杂志采访时，她的解释是不想让长发垂在她的脸上，这样就会成为大家怀疑她是否真的在里面跳舞的一个把柄。

·这是约翰·特拉沃尔塔拒绝然后理查德·基尔接下演出的第四部电影，之前还有美国舞男 American Gigolo (1980)，天堂里的日子 Days of Heaven (1978)，军官与绅士 An Officer and a Gentleman (1982)。

·理查德·基尔花了三个月的时间上踢踏舞课。

他的踢踏舞场景是在半天时间内拍摄完毕的。

·在监狱场景中，胡雅克开始说的是匈牙利语，但最后的一句话说的是俄语，她说的意思是“救命，救我，好吗？

”穿帮镜头 ·连贯性：荣斯看着弗里德的钱包，在里面的那张弗里德孩子们的照片。

·时代错误：在法庭的美国国旗上有50颗星(应该是48颗)。

·荣斯·哈特唱歌的场景中，就在她唱着“谁说凶手不是个艺术家”，荣斯走过一排镜子。

拍摄途中，就在荣斯的右边可以看到摄影组工作人员的倒影。

·连贯性：当荣斯拒绝手下维尔玛的钱时，维尔玛把钱放在她的裙子下面。

在每一个镜头中，钱的位置都在变化。

·在表演“单人房间探戈”的时候，可以在安妮的胸前黑色的装饰上面看到录音器。

·事实错误：在电影好几次提到哈里森是区律师助理Assistant District Attorney。

实际上在伊利诺斯州，并没有区律师District Attorneys，他们被称之为州律师State's Attorneys。

·连贯性：在唱“爱是我关心的全部”时，女犯人脱下她们的囚服，在一个镜头中，她们戴上头巾，在接下来的镜头中，她们再次把头巾戴上。

·连贯性：荣斯和比利在讨论她该在法庭上穿什么衣服的时候，在她的右边的头发上，有一段很长的马尾辫时有时无。

·在最后跳舞的场景中，可以看到有人在维尔玛和荣斯身后通过麦克风说话，指挥着他们。

然而，在介绍他们第二段表演时，你可以听到同样的声音，但冲着麦克风说话的这个人已经转身在看音乐师，麦克风离他的嘴巴很远。

开庭前，比利告诉洛克茜“这就是个马戏团🎪，有三排座椅的马戏团，庭审、这个世界，都是表演行业的。

”是讽刺，却也是现实。

法庭上女主的晕倒，有人在观看这出戏，有人在旁作煽情指导，只有丈夫艾莫斯这位工具人在真正担心妻子的状况。

也是唯一照耀着她的光束，然而她却还是选择沉浸入戏，谁也没有错，错的只是这个糜烂的社会。

法庭外等着宣判结果的芝加哥报社早已将“有罪”与“无罪”的报纸准备好，枪响后，却再也无人关心这场庭审的结果，正如比利律师说的那句“这里是芝加哥，总有新鲜事发生。

”“你还期望什么呢？

我是说现在这世道，你有了点成功，那也是把你捧上去的人的功劳。

”“这世界上没有公正，你什么也改变不了。

”癫狂的剧作、激情的演绎、嘈杂的环境、暧昧的光影，看似毫无逻辑，却处处透着讥讽，真是爱死了这部电影，期待周末去看音乐剧的现场！

首先要澄清的是，我清楚地意识到创作者呈现某个特定题材并不等于其认同此种价值观。

但是此剧对一个具有现代性别意识的女性观众，的确是提供了被侵犯的观影体验的。

现代性别意识的缺乏看到部分豆瓣评论竟称此片是女权主义的，无奈之余，只想首先抛出一个显而易见的逻辑来驳斥此种观点——创作者聚焦和呈现女性（或者是别的群体）不天然构成对该群体的直接关怀，故事怎么讲的依然很重要。

全片的视觉元素和内容叙事无处不在暗示编剧和导演缺乏现代女性性别意识。

女性的着装和表演完全服从好莱坞主流的男权审美凝视，很物化女性的审美状态。

对于女性角色的勾勒，如果说要有突破，可能对比的只能是那些女性完全是附属角色的作品——在那些作品里，女性是扁平无姓名的状态，连作恶的能力都没有，隐藏在社会主流之外的第二性。

芝加哥里的女性，仿佛是更有力量，敢于作恶的，女子监狱的题材的确是好莱坞主流里比较少关注的。

但这种表面的虚掩一枪，在性别意识上与更倒退的那些片子其实大同小异，甚至此处的动机可以更恶劣——挟持弱势群体的故事以博人眼球。

目的并非是要激发社会正向关注，而只是利用奇观效应博取观众的好奇心，落脚点依旧是自己的作品能否获得实际利益。

具体来说，片子里的两位女主角，依然是弱势和受害者群体，喜怒无常和过分的情绪化。

我们当然可以争辩，喜怒无常和情绪化并非不可以是正面维度，但是大部分观众都可以明明白白产生对这种喜怒无常的负面体验，那么此种直觉式的反应留给观众的负面结果就不可以被忽视了。

反之，片中的男性主角大律师则一直以一种游刃有余自信的状态出现。

的确，片子对其的塑造是有讽刺意味的。

但男性居于主导地位的叙述也是明明白白传递出来的。

再次回到开篇抛出来的论点，创作者对这种现象的忠实呈现（的确，好莱坞是这么乌烟瘴气的），并非自证其对这种现象的认同，甚至有可能是出于想要批判的初衷。

但是，恰恰是因为此种偏见和陈腐的性别观念如此顽固的植入了普罗大众的认知，真正有效的打破方式必须是更决裂式的。

忠实的呈现，是不足以激发批判思维的，甚至容易被再次误读。

重述现实的讽刺式的批判在现代女性生存状态没有真正改善之前，很难成为行之有效的发声手段，话不说清楚的话，一些别有用心的人很有可能会说，她只是在欲拒还迎，是害羞吧。

此处，亦没有想要赶尽杀绝男性视角的意思，只是希望看到更多女性角度的凝视来丰富主流审美。

或者说，无论哪个性别的创作者，都能够审视一下自己故事里女性的状态。

优秀的歌舞剧视听语言抛开性别意识，放纵自己去欣赏的话，本片的歌舞剧视听语言的确是一流的，其中几段歌舞的形式（个人最喜欢的是六个女子在监狱的探戈和记者会提线木偶的两段）滴水不漏的宣告了形式可以如何反哺和支撑电影的内容意义。

所以最后又回到了那个老生常谈的问题，只能选一个的话，到底是要好心肠还是好才华呢？

我很喜欢在这样的阴雨天看电影。

因为这样就没有刺眼的阳光使我的屏幕反光，使我看什么都是白得透明的虚无，使我常常不得不起身遮挡透过窗玻璃的太阳光，一站就是一两个小时而累得不行。

视觉的不快还经常会造成情节的模糊，使心情游离在剧情外，沉不下心思。

作为一个电影爱好者来说，这是非常令人痛心的。

我也喜欢这雨天里的静谧。

中午，一杯热咖啡，一部心仪已久的好片子，就可以享受到一顿美味的电影大餐，这是我最享受和愉快的时光。

假如时光能够停留，我愿就在此刻，在滚烫的咖啡香气的氤氲间，在激情而放荡的爵士乐里……中午特别看了《芝加哥》，之所以特别，是我把好片子都特意留待这样的天气看，好让我完全沉入佳境，充分而彻底地感受那片中的音画魅力。

我不得不说这是部符合我胃口的好片子。

两个美丽风情而性感的女人，萝克西和薇玛凯莉，都因杀害欺骗自己的男人后被判了刑，在生与死的抉择中，色、名、利、欺骗、交易……一个奢华颓靡黑暗的芝加哥登场了，在穿插着歌舞、爵士与故事情节的展现中，将芝加哥社会金钱至上的丑陋面纷呈于前。

这就是芝加哥，在监狱里打电话，给钱，辩护，给钱，只要你给得起，就可以洗脱你罪证确凿的罪名。

而靠此得名利的律师比利却可以为你制造假新闻，为你打造故事，粉饰你的过去和人生，让你博取众人同情的同时轰动媒体，最终，你无罪出狱，而他，则名利双收。

芝加哥的规则，用比利的话说，就是“永远都有新鲜的血液”。

反之，就如那匈牙利女人，被一吊而终。

从某个层面上讲，芝加哥是丑陋和黑暗的化身，是罪恶和荒诞的象征。

影片刻意讽刺挖苦了上世纪20年代芝加哥的浮华糜烂的社会风气。

歌舞剧的元素使这部片子有很多与众不同的看点，这使我认为此片最精彩处就在于穿插在片中的那些歌舞片段，如果有朋友喜欢歌剧，喜欢爵士风情音乐的，大可找来一看。

片中那精美的探戈秀，激情而放荡的爵士可谓登峰造极，丰富而奇特的道具、场景，简直令人目不暇接。

开场的那首“All That Jazz”实在是精彩绝伦啊。

我最喜欢的是“Cell Block Tango”（牢笼探戈）片段，真的是很有意思，百看不厌，很震撼！

齐薇格饰演的萝克西虽然戏分较多，但我还是比较欣赏凯瑟琳.泽塔扮演的薇玛凯莉，大胆泼辣，激情放荡，可谓惟妙惟肖......我在等，等某个阴雨天再来临时，我将决定看第二遍。