雨果

文艺复兴之后教会对于科学技术的态度逐步转为积极支持(建立大学等)、基督精神中向外诉求的特质在科学研究中充分的发挥啦出来、科学规律被解释成为上帝创世时所设定的一组规则(道)、而科学可以逐步的认识这些规律、人本主义的因素得以加强并以科学主义的形式表达啦出来、来自耶路撒冷和来自雅典的2种传统在科学技术领域融合起来(正如他们曾经在神学领域中的融合那样)导演老啦之后看问题都是非常慈悲非常抽象非常普世非常温馨的～：在电影中我们看不到马克思巴尔扎克等老师所反映的资本主义社会体制和经济制度所带来的问题、看不到速度金属所表现的技术对于人性的压力和逼迫、看不到哥德尔老师所反映的机器主义的局限性、看不到侏罗纪公园和Moon所涉及的技术伦理问题、这些东东在小娃自身强大的科学研究热情和其所栖身的人文环境面前、几乎没有什么影响力(机器人最后被修好啦、车站保安最后也被感动啦)、相反：知识、图书、勤奋、探索、复杂结构这些好的东东几乎没有什么负面的因素、小女娃热情的帮助啦小男娃、图书馆为他们提供啦科研工作所需要的资料、人类社会在不断复杂化不断自动化的同时却又始终能够维持住其基本结构的合理性、机器就算再多再复杂人也完全可以hold住场面、人类社会是在不断进步充满希望的：老杨老师和joan baez老师最后都要唱Amazing Grace的在电影中、代表19世纪科学水平的蒸汽机、齿轮、火车等东东被拍的非常和谐非常有美感：社会被看作是一个大的机器、人的任务是不断的努力去fix这部机器的问题、不断抑制整个系统的熵增、新教伦理和科学主义完美的融合在啦一起、导演所给出的唯一警示是2个梦：第1个梦好象是机器主义失控后对于人类的伤害(之后的2战等)、第2个梦好象是机器主义对于人的异化(小娃身体内的齿轮)和机器对于人的压迫(小娃被齿轮包围)导演以前拍过很多摇滚题材的纪录片、男小娃看上去很酷很中性很柔美很漂亮(有点象jimmy page和keith moon小时候)～、小娃越穿破衣烂衫就越酷、毛衣和呢子外衣都非常有质感、说话英国腔也很好听、裤子象AC/DC、眼睛象kurt cobain。。。

、比看上去象1个笨娃的哈里波特好多啦、女小娃象别人伸长筷子夹红烧大鱼结果被她用大眼睛狠狠瞪啦的叶问老师老婆～、总之这个电影确实很好看、3D和2D版本我们都看啦1边、大家赶紧看吧、哈:):)

从反思意义上来说，雨果对于我是一部意义非凡的片子，它在开头5分钟就让我深刻地明白：我不想看怎样的电影。

当镜头移动在特效制作出的喧闹的火车站，雨果被警察追赶， 警察洋相百出跌倒在人群中，眼神单纯的女花匠注视着跛脚的警察，一对男女在通过宠物狗进行滑稽的交往，我忽然意识到自己的目光被集中在一个无比虚幻的舞台，我也许看到了影片所有的角色和伏笔，却看不到作为一个观众所追求和愿意相信的，真相。

对于风情片，我想看到属于古城巴黎独特的细节，对于剧情片，我想看到立体的人物和他们值得同情的立场；对于幻想片，我想看到孩子在新奇世界的冒险，对于动作喜剧片，我想看到成龙片里那样伴随着种种紧张的笑点……然而什么都没有，眼前的一切如此浮华空洞，仿佛一场又一场过场戏的堆砌，没有任何镜头进入了心里。

到底是为了什么，电影竟满足于童话风格的故事和彩色画面的拼接？

从头到尾我都有一种被草草糊弄的感觉，挣扎着想要逃出影院，却因为是自己出面邀请朋友观看此片，而被迫原地纠结……大家关心的文学巨匠维克多·雨果和他风情万种的巴黎城：啥都没有，大家放心。

大家关心的哥特系小正太：实在是不讨人喜欢，没啥表情，脸还脏脏的……比哈里波特差远了，也许以后能演个冷血吸血鬼什么的……见仁见智吧。

顺便一提，女主角也毫无特色，除了身为老头的养孙可以带雨果进门外对剧情毫无推动力，只是衬托了一下雨果的别扭性格……以及也没发生爱情……大家关心的3D和视觉特效以及蒸汽朋克什么的：假3D，人物部分都是2D的小片片浮在背景上。

都懂了吧。

全部背景CG味浓厚，我怀疑全部镜头为棚拍。

巴黎城的CG特效假到了家。

还有几处与其说粗糙不如说太奇怪的特效和剪辑。

没有真正意义上的幻想戏，钟楼和摄影棚的设计并无特色，火车站确实有蒸汽火车头又怎样，伪造的“蒸汽朋克”的感觉虚无缥缈。

没有动作戏。

和剧情无关的生硬的警察抓小偷的情节反复上演。。。

其余基本就是雨果这个扑克脸死鱼眼孩子在各处钟表之间游荡，以及和所有人物进行对话。

挺无聊的……于是全片腻死人的粉金色的场景和响个不停的幻想系背景音乐，你对感官还能有什么更多要求呢？

大家关心的白痴剧情，也就是被称作电影核心的那个剧情：（以下大量剧透）小表匠雨果，有强大的机械制作能力，是他爸爸生前教授他的，自从父亲死后他就边在火车站偷窃度日边继续父亲的遗作。

他的日子很苦，每天警察都会抓他，并且在这一次的行窃中，他的宝贝工程图被老头抢走了。

这个开头符合逻辑，引人期待。

于是按照正常的逻辑，故事应该是这样的，在害死父亲的势力以及邪恶老头的阻挠下，雨果最终夺回了自己的宝藏，最终制作出来的机械帮助他了解了父亲，结束了他的困苦生活并且给他的生命带来了惊喜……但是，后面的剧情每每出乎意料，而且让人想问“这到底是为了什么？

”在本片中，雨果的父亲死得莫名其妙，也许根本没有人害死过父亲。

所有阻挠雨果前进的力量只是一个傻冒警察而已。

雨果的探险没有和他身世相连的任何使命。

雨果从父亲那里继承的能力也没有帮助他开拓自己的世界。

自从影片的一半，雨果完成了父亲的遗作后，雨果就再也没有制作过机械。

开头埋下的几个种子沉入了水底葬身鱼腹。

更为搞笑的是，全力追捕雨果的警察，追捕雨果也没有任何个人理由，我觉得完全是为了拖延影片时间，雨果的探险太顺利了简直就没有任何剧情起伏可言，所以每当雨果快要接近答案时警察就出现了，然后乱追一通，整个火车站开始表演闹剧。

尤其让我不解的一个剧情是，警察当着雨果的面误逮捕了一个可怜的小孩，把他当作小偷关起来，最后送上了去局里的马车。

此举吓雨果不浅。

他一直注视着那个小孩离开……后来，那个小孩怎么样了？

为什么我们的主人公没有去救那个小孩？

为什么他没有内疚？

为什么警察没有被（哪怕是上天）惩罚？

雨果唯一一个和警察正面冲突，并且解决自己命运的机会被放弃了，是的，对于铺垫了很久的这个反派和这段命运，主人公选择了——无视……这段剧情到底是为了什么？

最让我难以置信的是，这样的警察竟然在同一个火车站里收获了他的爱情。

而且同样的，这份爱情也和主人公毫不相关。

火车站里还发生了另一段爱情，总之，这个特效稀烂的火车站发生了许多逻辑稀烂的温情叙事，就如故事的最后警察因为恋爱了心情好而放过了雨果一样不可思议。

一切的一切，都互相不联结，互相没有关系！

于是，让我们回到影片正题，那么影片想讲什么？

是的，影片有它的目的，在后半段，雨果的人生贡献给了另一个人：出场时颇为邪恶的那个老头。

原来，老头是个没落的电影导演，他想要忘掉过去的荣光。

而雨果父亲遗留的机器人在终于被雨果修好的那刻，却画出了老头当年的电影草图。

于是后面雨果和老人的孙女对历史的探索，就变成了对早期电影人的同情和致敬。

两个小孩傻兮兮眼巴巴地看着古老的胶片被放映（向我们展示这些早期电影片段实在占用了本片相当长的时间），感到自己和世界有了神奇的联结。

老头正视了自己的成就，雨果被老头收养，故事结束。

原来雨果的苦难就是为了给老头作嫁衣！

纵然雨果的父亲也是老头的崇拜者，但是，把主人公的命运出让给第三者，是不能被容忍的。

电影人顾影自怜，意在发扬电影人本身的魅力，却借助无辜小孩的好奇心和神棍技能，以近似意淫的方式自我膨胀，割裂了影片叙事的完整性，出卖了电影本身。

或许导演会辩解道：你没发现故事还有一条反战主题的暗线吗？

雨果的父亲至少是在战争期间死去的，警察在战争中失去了一条腿，这也许成为他奋力抓小偷的理由，并因为在战争中失去亲人的卖花女的理解而放弃了抓捕雨果的坚持，还有老头，也是因为战争才失去他的事业的呀，这些冥冥之中不都是相关联的吗？

So what? 一个故事都讲不顺，还期待观众发现什么人文关怀吗？

我们说电影可以以结构和声画为主，也可以以叙事为主，两者结合肯定是最好的，它可以严谨地表达意见，也可以浪漫地抒发情怀，但我从来没见过，剧情如此松散和无逻辑，制作如此不精致，整体如此不知所云的电影，纵然它有粉金色的钟表和（造型也弱爆了的）神奇机器人，以及巴黎和雨果这么可爱的名字，但是它没有让我们感受到爱和冒险的体验，它没有带我们走入一个人的灵魂，它连一个故事都算不上。

我不太明白这电影的各种设置“到底是为了什么”。

补充：发完此文后才得知这个电影是在向导演乔治·梅里耶致敬，片中“有24个电影的梗”，片中的幻想电影和导演生平都是现实存在的。

“没看过这些电影的人不会看懂”。

我就奇怪，出于这个目的，为什么不干脆把这个电影拍成纪录片哩？

对于我们这些没看过梅里耶电影的人，占故事篇幅一半的雨果蹩脚的冒险，对于介绍这位导演真的有好处吗？

我还是那句话， 一个故事都讲不顺，还期待观众发现什么人文关怀吗？

這個片子的吐槽點太多了！

但是第一條就是 3D的不坑人 幾乎每一個盡頭都是3D 記得以前看什麽Green Lantern啥的只有那些所謂的大長面才是3D 其他的都不是 深感坑人啊話說一開始看trailer的時候 我竟然以為這是個科幻電影 因為我記得有一個鏡頭是機器人發光還邊成人身？！

（難道是我記錯了？？

）所以才非要吵著去看故事從Hugo的修鐘生活開始 其實前面的一部份看得我好氣憤啊...什麽被個爛老頭強行收走自己的本子 自己的爸爸被燒死反而被趕出自己的房子被迫流浪 在火車站還被欺負 最可氣的是裏面的小女孩（Chloë Moretz 影片里叫啥竟然忘了）給我感覺就是個bitch...特別是那眼神 Hugo一心想修復父親留下的一個從廢舊的博物館里撈的機器人 從而才做起了小偷 去偷一些零件來修復 最后經過重重困難 終於完成 可是他這才發現 這只是故事的開始 因為這個機器人身後 藏著一個關於電影的秘密（不劇透啊 透了就還看啥）話說其實看這個電影之前沒讀過書（因為好厚 囧） 然後當機器人畫出那個月亮的海報的時候 我才反應過來 這不是Georges Méliès的Le voyage dans la lune 么（來個連接 http://movie.douban.com/subject/1304310/）！

好驚喜啊 我很慶倖自己沒看電影簡介啥的 因為電影看得就是驚喜 後來還有那一部Georges Méliès的自己變臉 因為他曾經是魔術師 所以開始拍電影之後也有很多魔術元素很慶倖在這個整天看“大片”的年代 追逐那些高科技新方法拍攝電影的今天 能有一部電影還記得向老電影人們致敬 其實這個不是一部孩子電影 只是一個打著孩子電影旗號把你騙進影院 然後告訴你這些老電影究竟有多美 在享受那些高科技的同時也不能忘了老電影們 這個故事很長 很美 就算是對老電影沒興趣 那 巴黎 舊時光 蘿莉 正太之類的關鍵字也能吸引你PS:對Georges Méliès始終是又愛又恨啊

这是一部太适合出考研命题的电影，一次可以出两道题：1、简述乔治·梅里爱对电影艺术的贡献，以及对世界电影的影响。

2、结合当前电影中的新技术，谈技术对电影艺术的影响。

所以这篇所谓“影评”也是为了回答这两个问题的。

一、为什么是梅里爱？

第一个问题换做三年前考研复习阶段，我一定会按照各种“教科书”的指示，在脑中归结出清晰的一、二、三、四、五，清晰得体，正反两方面说，让人没理由不给你分儿。

但现在再让我回答，我会只提一点，那就是，梅里爱是第一个真正使电影成为“好玩儿”事物的人。

电影从此成为一个巨大的魔术，带着童心的拍摄者乐此不疲的玩儿，而看到不可思议的神奇画面的观众真正享受电影带来的快乐。

之后的一百多年，多少人带着对这种神奇事物的热爱而投身其中，制造出多少让观众心驰神往的奇幻世界。

这就是他，一个魔术师对电影最大的贡献。

至于单一视点什么的，现在看来不值得一提，因为神奇效果的形成很大程度上是靠剪辑完成的。

格里菲斯曾说过：“我的一切都要归功于梅里爱。

”（这句话最早在我导师上课用的课件中看到，后来看了邵牧君先生的书才发现我导师上课的所有观点以及那句话都来自其中）西方电影写实主义和技术主义的传统都来自于法国，前者卢米埃尔后者梅里爱。

而好莱坞电影正是技术主义的最忠实继承者，也是最成功的发展者。

好莱坞电影就像《雨果》中的雨果一样，从小就是个工科天才，并且极其热衷于电影，极其热爱梅里爱。

电影对于生性活泼的美国人来说，一来是赚钱的利器，二来是做梦的工具。

美国社会近代的飞速崛起靠的就是发明专利，这其中一个专利大王就是爱迪生，是爱迪生在电影技术上率先突破，但可惜他不符合“电影”的要求于是被弃于电影史之外。

在梅里爱出现之后，一下子被吸引的美国人再也没有错失这样的机会，之后的每一次技术革新都宣告了好莱坞在世界影坛新一轮的占领。

从华纳兄弟推出《爵士歌王》到各种3D大片横行的今天，好莱坞电影立于世界电影之林的法宝，就是技术。

如今，好莱坞拥有世界第一流的电影特效技术，拥有世界第一流的置景和化妆术，这难道不该归功于梅里爱吗？

梅里爱开创的电影中的技术主义倾向在好莱坞电影身上发展的根深蒂固，永远无法抹去。

所以，斯科塞斯的电影史观是极其正确的，并且，他用形式上极其“技术主义”的电影再次证明了这个事实，好莱坞电影应该向技术主义的祖师爷梅里爱致敬，并且应该承认自己是个技术流，是个工科生背景的小子，不要企图精分来学习文科，更不要企图懂艺术了，对于一个喜欢魔术的工科生来说，电影足够有趣就行了。

这就是好莱坞电影。

二、为什么是3D？

数字时代的到来很多人为胶片的消亡焦虑了，以至于法国人开始拍摄默片获奖了。

但是，斯科塞斯的这部影片却说明了这种焦虑的多余，正是以发展的眼光看待问题，我们才会更积极的面对不可逆的事实。

从这部电影中我们释怀了，科技的进步带给电影的也许更多的是好处而不是坏处，电影向各方面无限延伸，也无限丰富了人们的想象。

不知巴赞活着会怎样看待3D，不过依照他现存的观点来看，声音和彩色宽银幕的到来既然是电影接近现实的证据，那3D又何尝不是。

从3D的初衷来看，就是为了给观众制造身临其境之感。

现在电影看起来更加“触手可及”，更加让人“躲避不及”，看起来更像是“真的”，大批观众们蜂拥至影院感受3D甚至IMAX的快感，不就是因为“更真实”么。

另一方面，3D又使电影更虚假了，因为没有人愿意花钱看一出3D版的家庭伦理剧，3D的横行使得电影又来到了梅里爱的阶段：魔术。

只有最具魔术魅力的题材才适合拍成3D，在这个意义上《雨果》其实并不很适合，但是斯科塞斯这样做了，意味着什么，以实际行动证明技术存在的合理性和光明前途。

接下来3D还会更加大规模的出现，整日焦虑和怀念是没有用的，3D电影有巨大的经济效应，有制造梦幻的更多可能性，何乐而不为。

所以，《雨果》无论是内涵还是外延都本着致敬历史，直面自身，梳理传统，迎接未来的健康心态来完成的（靠，我怎么说出这么官腔的话）。

很多人觉得单纯从“一部电影”的角度这部电影不算称职，的确，里面俩孩子演的极其之作，看了就让人生厌，但从“一部电影史”的角度，《雨果》又是令人欣慰的。

并且其中体现出斯科塞斯的电影史观和心态让人极其有好感，这才是一个真正热爱电影、懂电影，人生态度积极正面的人该有的啊！

"If you ever wondered where your dreams come from, you look around. This is where they're made."人类拍摄的第一部电影是什么样的？

人类拍摄的第一部几乎不能称之为电影的“电影”只有短短2分钟，没有故事没有情节，只有一辆火车驶入站台。

这最早的电影是两位魔术师Lumière兄弟拍摄的，他们也是最初始的电影放映机的发明人。

就是这短短的2分钟，一辆驶入站台的火车，使得当时的观众尖叫着从座椅上跳起来，四处躲藏，因为，在当时，人们从来没有看到过这样新奇的“魔术”，真的以为是火车驶向他们。

1895年，一位名为Georges Méliès的魔术师有幸看到了这种新奇的“魔术表演”，顿时被这个前所未有的发明所震惊，他当时就下定决心，这样一个奇妙的发明，这样让人震撼的“魔术表演”，他一定要参与其中。

他出价1万法郎向魔术师兄弟购买这种电影放映机，遭到拒绝，原因是兄弟俩认为这种小伎俩，只能在短时间取悦观众，不会有任何市场和发展空间。

Georges Méliès 在遭到拒绝后，就自己钻研机械设计，最终自己制造出一台电影放映机并开始了最早期的电影拍摄。

作为一名在舞台上表演的魔术师，Georges Méliès最初把自己拍摄的一些电影片断当作最新奇最不可思议的魔术戏法展示在观众眼前，如果不是借助电影的拍摄手法，如果没有电影这个发明，这些当时被称作“魔术”的表演，是永远不可能完成的。

1896年，Georges Méliès在巴黎近郊自己的房产附近创建了世界上第一座摄影棚，也就是第一座电影工厂。

为了采光的需要，这座摄影棚通体用玻璃制成，天花板和四面的墙壁全部用取材玻璃。

仅在1986年当年，就有78部电影在这个摄影棚诞生，第二年1897年，又有53部电影横空出世。

这座巴黎近郊的不起眼的小摄影棚，是名副其实的人类历史上第一个梦工厂！

在这里，人类可以称作巨大的飞船飞向月亮，在飞船在月球上着陆时，月亮竟然是一幅俏皮不屑的表情；在这里，美人鱼在欢乐的游戏，海底龙王戴着金灿灿的皇冠，在五颜六色的美人鱼的簇拥下，得意洋洋；在这里，人类第一次大战僵尸，大战木乃伊，当僵尸们被团团围困的时候，居然在一瞬间消声匿迹。

当后来的另一位电影大师幼年时有幸亲自参观Georges Méliès的梦工场时，他回忆起当年的情景，写下了这样的话，也就是题词里的英文：“你有没有想过你的梦是从哪里来的？

四处看看吧，它们就是在这里被造出来的！

”Georges Méliès最早期的作品包括历史片，纪录片，喜剧片，故事片，当然还有他的最爱：科幻片和童话剧。

他自己身兼编剧，导演，剪辑，以及表演多职，把他自己的梦境或者白日梦一样的幻想，也是我们许许多多人的梦境或者儿时以及成人后的幻想，活生生地展现在我们面前。

他是电影史上，运用multiple exposure, dissolves, time-lapse photography，以及手工胶片染色的第一人。

在1900年左右，当然还没有彩色胶片，但但是黑色和白色，怎么能满足这个雄心勃勃的“造梦家”的表现欲呢！

于是，他就一片一片的用手涂的方式，给胶片染上了五颜六色的色彩。

1900年，Georges Méliès的梦工场只有33部电影出品，但是这些电影无论长度还是质量，都随着Georges Méliès的雄心而增长。

这其中，包括我非常喜欢的Lune à un mètre，描述的是一个太空人把实验室搬到了月球，天使和魔鬼都来造访他。

1902年，Georges Méliès的工作室拍摄出世界上第一部科幻片 - Le Voyage dans la lune（月球之旅）。

这部著名的影片，讲述的是人类登月的情景，当飞船着陆月球时，落到了月球的眼睛上，于是，就有了此文第一张图片里的俏皮表情。

这部14分钟的电影，是Georges Méliès拍摄的几百部科幻电影中最著名的一部，也是科幻电影的名副其实的鼻祖。

在1902年，Georges Méliès已经开始拍摄人类登月的电影时，中国的电影大师在哪里？

中国人在做什么？

从1896年到1913年之间，Georges Méliès拍摄了531部电影，其中包括大量脍炙人口的科幻奇幻电影。

可惜，第一次世界大战的脚步悄悄来临，在经历了战争之后，人们可能是看到了太多的现实的残酷和无奈，人性的丑恶，种族间的互相杀戮，他们失去了对科幻片，童话故事的兴趣，Georges Méliès的梦工场从此衰败。

之后，为了偿还他自己所欠下的债务，Georges Méliès不得不拍卖自己的电影道具，到后来，他迫不得已开始变卖自己的影片，眼睁睁地看着融入自己无限心血的胶片被融化，被制成了女人高跟鞋的鞋跟。

这些承载着Georges Méliès梦想的胶片，这些把无数人的梦境幻想展现在人们眼前的胶片，最终的结局是高跟鞋的鞋跟！

Georges Méliès为了维持生计，在巴黎的火车站经营一间很小的玩具糖果店，从此消失在人们的视野里。

或许正如很多电影人所说的：“美满的结局永远都只存在于电影里。

”铺垫了这么多，也算是第一次写写电影史吧 这篇文章不是只讲电影史，这是电影的影评。

一个12岁的小男孩，孤身一人与父亲遗留下的机器人为伴，他凭着自己的毅力才华和坚持，不但揭开了这个机器人身后的巨大秘密，不光修复了残破的机器人以及同样残破的机器人的传奇主人，他最终找到了自己的归宿。

这是一封有着奇幻冒险的封面，讲述责任，个体的价值，归属感和社会位置，充满温情梦想的写给早期黑白无声电影的情书，也是对早期的伟大电影人的最真挚的敬意。

当中国的电影还在纠结国仇家恨，拧巴本来就理不清的三四五六七八角恋的时候，Georges Méliès作为科幻奇幻片的先驱，早在1900年左右就开始了对未知，对梦想，对童话的探索，创作和展示。

很多和我同样喜爱电影的中国人，甚至都不屑与观看奇幻科幻童话电影，他们认为那是给小孩看的东西，他们宁可继续为国仇家恨流泪唏嘘，继续拧巴在别人的生活现状，别人的爱情绝境里。

我不知道原因是不是真如Georges Méliès所说的：“当他们目睹了太多现实的残酷，人类的残忍之后，他们已经失去了欣赏幻想梦想的心情。

”幸运的是，电影艺术终究是属于全世界的。

一批批电影大师前赴后继，孜孜不倦的造梦，随着科技手段的发展，造梦的手法也越来越高超，于是，就有了1921年的《king kong》，1979年的《star wars》，1982年的《ET》以及2009年的《Avatar》。

我奶奶在80岁时在电影院透过3D眼镜观看了《Avatar》，极少进电影院的她，看完电影告诉我她非常喜欢这部电影，为什么？

就因为电影里的那个美丽星球，是她小时候想象中的乐园，那一刻，在电影院里，小时候的幻想就真真切切展现在她的面前。

不光是她，我想无数人，当然包括我自己，都和她有着相同的观影感受。

一战结束后，人们开始在垃圾站，废物回收处，铺天盖地的寻找搜集Georges Méliès残留在世间的电影胶片，最终，他所创作的大约100部电影得到修复。

于是，在他诞辰150年之际，又有了这部《HUGO》，这部向他致敬的电影，也是运用了当今最先进的3D技术向早期黑白无声电影的致敬。

我在想：“美满的结局真的只存在于电影里吗？

”透过3D眼镜，在大屏幕上观看Georges Méliès的无声染色影片，真的很美很美！

《雨果》是迄今为止3D效果最强的“电影”，没有之一。

　　也许，之前大伙已经听卡神夸赞过本片为“我所见过的最好的3D摄影”。

没看电影的时候，俺还以为这是好莱坞圈内惯例的互相吹捧——因为之前就听卡神赞过贝大爷的《变形金刚3》，结果，哼哼——不过，等俺也看过此片并小小地迷恋了一番之后，俺得承认，卡神至少这回说的不是客套话。

　　那么，《雨果》对比之前的3D电影们究竟有何神奇之处呢？

　　观众首先能明显感觉到的，是画面呈现空间的连贯与圆润——是的，俺必须用“圆润”这种带着绮念的词，才能表达对本片3D再现的爱慕。

俺过去看3D电影——不论是真人还是动画，也不论是原生3D还是后期转制——总觉得“层次感”太强。

这种影像分层的感觉对于3D影像而言不是个好事，因为它给你呈现的，其实不是一个完整的空间，而只是不同 影像层在纵向空间上排列而已，层与层之间的过渡很不自然。

　　《雨果》的纵深空间感觉，和大伙寻常视觉体验没有任何差别，从你眼前到最远处的物体，连接它们的是线条而非线段。

片中有个车站巡视员俯身的特写镜头，俺觉得没有比那个更适合证明本片立体效果的“圆润”感觉了……俺当时就忍不住伸手摸了下近在眼前的Borat的胡子。

^_^基本上所有3D电影中都有这样“推”到你面前的特写镜头，但惟独《雨果》这个，是俺见过的整个头部效果没有任何拉伸变形，从鼻子到后脑勺的轮廓都符合观众脑海中近距离凝视对方的真实体验。

　　过去的3D电影，过得了“层次分离”这关，也很难保持在时间上保持持续的立体感。

即使是开创3D热潮的《阿凡达》，部分场景也很平面——戴不戴3D眼镜差别不大，而《雨果》却能神奇地始终保持足够的纵深感和包围感。

这一点充分证明，拍3D电影不是只要换个3D摄影机就行的“工匠活”，而是一份需要独到眼光与理念的“艺术活”。

准备涉足3D领域的导演以及想要把玩3D摄影的爱好者们，都应该仔细观摩此片，看老马丁是如何玩转3D空间表现的。

　　按照俺之前的设想，好的3D应当给观众提供一个恒定的视觉盒子——大约一半在银幕后面，一半在银幕前面；呈现在这个六面体之内的视觉效果，都应该符合正常人在现实中的立体体验。

事实证明，俺的这种设想，只是不学无术的二逼青年之瞎想而已。

老马丁用《雨果》证明：和传统2D电影的摄影技巧一样，玩3D也是有很多小花招的；而且，由于3D Rig的灵活运用是可以叠加在传统拍摄技巧之上的，这等于是大大拓展了电影的空间表现方式。

　　比如说，最简单的，在配合传统技巧中采用不同焦深与景深的组合外，还可调节3D Rig上两个镜头的间距，来达到不同的纵深效果。

也就是说，如果依照以一个盒子来比拟立体体验的话，《雨果》中盒子的纵深是可变化的，确切的说，是根据场景和角色心理来控制立体空间给人的提示。

更为有趣的，是《雨果》中有大量的运动镜头，不管是大卫芬奇有段时间最爱用的电脑合成长镜头——如那个神奇的开场，还是斯坦尼康的跟拍镜头，仔细观察的话，都会发现3D纵深感在这同一镜头中的细微变化。

这当中不仅有摄影师与镜头操作师的功劳，还有单独的3D Rig Operator（负责随时调节立体摄像头间距）、以及Cameron Pace Group（就是卡神和他的3D摄影机发明伙伴合组的3D技术公司）现场提供的强大技术支援，当然，控制影片最后呈现3D效果的，还是老马丁本人。

　　需要说明的是，《雨果》的3D效果，并非炫耀式的。

所以，不必期待有东西直飞眼球那样的效果。

让俺兴趣盎然的是，本片的3D效果给人的感觉不是“show给你看”，而是“带你走入电影空间”——这话听着很烂俗，因为任何电影都本应如此；但是，看过《雨果》之后，俺是第一次有如此强烈的“融入”的感觉。

那么，既没有3D上的噱头效果，又无《阿凡达》似的奇观画面，《雨果》是如何在视觉上做到“引人入胜”的呢？

这还得靠马丁老爷子的非凡功力。

苏宛酒神被斩成碎片是对生命的承诺：他会由毁灭中再生与回归。

——尼采•《权力意志》印度小说《微物之神》发现，历史订立的律法规定了“谁该被爱，如何被爱，以及得到多少爱”。

敢于打破律法的人，比如这部小说中跨越种姓壁垒相爱的男女主角，比如电影《游戏规则》（1939年）中那位不知深浅卷入上流社会是非的飞行员，必然遭遇历史索债，付出沉重的代价。

现实中，这道律法是历史的暗流冲积而成的，不以人的意志为转移，换言之，是上帝制定的。

而在虚构的作品中，这位上帝就是作者。

电影的意识形态表达，依据的是爱与死的律法：谁能得到爱，谁得不到，谁可以活下去，谁必须死。

不过，在今年奥斯卡奖竞技场上《艺术家》与《雨果》的巅峰对决中，被这道律法裁决的不是人物，而是电影，是电影的昨天。

一个情书漫天飞的季节“情书”成了2012年奥斯卡季的高频词汇。

入围最佳影片的九部影片，用“致敬情书漫天飞”来概括也不为过。

厌倦了好莱坞标准生产的年轻编剧在《午夜巴黎》“穿越”到他倾慕的二十年代，与海明威和菲茨杰拉德推杯换盏一番，才明白人应当活在当下。

斯皮尔伯格的新作《战马》讲的是一战中一匹英国战马的欧陆之旅，完全摒弃了电脑特技，号称从摄影、人物设定到叙事，全线回归好莱坞黄金时代的古典风格。

传记片《我与梦露的一周》将玛丽莲•梦露远赴英国拍摄《游龙戏凤》（1957年）的一段经历，以片场打杂小人物回忆录，这种近乎野史秘闻的方式拍了出来，同时对20世纪50年代英国电影业的生态略有着墨。

将摄影机对准片场，对准影史故人的，还有在颁奖前一路领跑的《艺术家》和《雨果》。

大家都注意到，这两部影片的“身份”相映成趣：前者是法国影人用古拙的默片向好莱坞示好，后者是好莱坞影人用最先进的3d电影技术为20世纪初的法国电影先驱立传。

《雨中曲》（1952年）与《一个明星的诞生》（1954年）相加，就是《艺术家》的故事。

同样是表现影史上有声片崛起、默片衰落的风云突变，《艺术家》与处处展现声音魅力的歌舞片《雨中曲》背道而驰，用字卡、配乐和音效将抗拒有声片的大明星乔治•瓦伦丁留在了无声的世界里，直到片尾他在一部歌舞片中复出，才让观众听到了本片的第一句，也是最后一句台词：“我很乐意”。

默片的形式恰好与主人公的精神世界相契合，他自己有意愿进入有声时代，这部以默片视角自居的影片也开始“说话”了。

《雨果》的主线故事设定在1931年，但影片怀恋的也是默片，其中大部分还是一战前的早期电影。

有一天，我在地铁上听到两个人为《雨果》争论，一方说听说这是一部儿童奇幻历险片，另一方说，应该是表现法国电影导演梅里埃的传记片。

其实这两人都没说错。

寄身于巴黎火车站钟楼里的孤儿雨果，想方设法修好了父亲留下的自动机器人，而机器人画出的图画实际上是一部老片的绘图手稿，以此为线索，他与新结识的小姑娘伊莎贝拉一起揭开了伊莎贝拉教父乔治的身世——他就是被世人遗忘而大隐隐于市的电影大师乔治•梅里埃。

两个小伙伴的探险没有任何超越现实的地方，他们的奇幻旅程就是一次影史温故。

似是故人来《艺术家》开场银幕上放的戏中戏，人物造型应该是在模仿路易斯•菲拉德的《方托马斯》系列；瓦伦丁在家重温的旧作，典出道格拉斯•范朋克1920年版的《佐罗的标记》；片尾歌舞片的双人踢踏舞，能看到歌舞片《礼帽》（1934年）男女主角的影子。

在戏中戏重现默片经典之外，《艺术家》的主线叙事涉及的老片有十几部之多，这串长长的名单依稀可见《瘦子》（1934年）、《失去的周末》（1945年）、《魔鬼玩偶》（1936年）和同为默片的《贼》（1952年）等等。

包括上一节提到的两部在内，绝大多数都出自有声片时代，如此看来借鉴《最卑贱的人》（1924年）的叠画镜头倒是个例外了。

这堆典故中最抢眼的，出自《公民凯恩》（1941年）和《迷魂记》（1958年）。

奥逊•威尔斯青史留名的餐桌戏只用了几个镜头，就将凯恩夫妻在几年间从甜蜜到陌路的过程跳跃性地点了出来。

《艺术家》表现瓦伦丁的婚姻，几乎照搬了这一段镜头语言。

而《迷魂记》提供了影片高潮部分自杀戏的配乐。

这些横跨好莱坞几个时代、“捡到篮子里都是菜”的典故，让这封“写给默片的情书”变得有些字迹模糊。

而这封情书明面上最大的疑点还不是乱用典，而是选角。

虽说用人不避亲，但女主角一张瘦削的拉丁面孔，不仅不符合时人的审美习惯，在那个种族主义的藩篱仍然难以跨越的年代，即使成角儿，也只能局限于展现异国情调的刻板形象（stereotype）。

对默片稍有涉猎的观众，难免看到她就出戏。

在这一点上，《与梦露的一周》犯了更严重的错误，妮可•基德曼与伍尔芙只是神韵相仿，其演绎也能受到肯定，但伍尔芙是作家，迷人的是思想，梦露是银幕女神（icon），外形是安身立命之本，米歇尔•威廉姆斯一向善演苦大仇深的良家妇女，从容貌到气质都与梦露相去甚远，演技再精湛也回天乏力。

《雨果》同样富于戏中戏，主线叙事的老片典故也比比皆是。

不同的是，它回到过去搭乘的“时光机”不是过去的电影载体，而是最新的3D摄影技术，让观众仿佛置身于百年前梅里埃的摄影棚，亲眼目睹《婆罗门与蝴蝶》（1901年）、《月球旅行记》（1902年）和《仙女国》（1903年）的摄制。

《阿凡达》的导演詹姆斯•卡梅隆看后说：“这是我看过对3D运用最好的电影，包括我自己的作品在内。

”据说这不是一句恭维。

贯穿始终的两部老片，是卢米埃尔兄弟的代表作《火车进站》（1896年）和哈罗德•劳埃德主演的《最后安全》（1923年）。

前者不仅出现在两个孩子阅读的影史书上，后者也不仅是他们一起看过的一部电影。

海报上雨果如劳埃德一般挂在大钟表针上的场景，不是简单的“掉书袋”。

火车站的钟楼就是雨果的家。

凝视火车、钟楼与最后一个镜头中注视我们的机器人，才发现同样是电影工业的自我审视，《雨果》与《艺术家》几乎行驶在完全相反的轨道上。

奥斯卡叔叔不是今天才怀乡恋旧瓦伦丁压上全部身家推出的默片巨制，成了他的最后一搏，此时，瓦伦丁提携过的年轻女孩佩皮•米勒已经从片场龙套一跃成为有声片的新宠，两人的新片档期冲撞，瓦伦丁溃不成军，从此过上了《日落大道》（1950年）那样阴郁的隐居生活。

这个“前浪死在沙滩上”的故事，脱胎于《一个明星的诞生》，后者前后拍了三次，每次都是奥斯卡奖的座上宾，奥斯卡叔叔不是今天才怀乡恋旧的，不过在当下3D技术革命和世界经济危局的背景下，尤其容易顾影自怜罢了。

影人外表光鲜、收入丰厚，但本质上不是一个旱涝保收的行当，今天是一线，也难保日后不会坐冷板凳，电影是艺术，更是工业，每次技术大换血带来的行业洗牌更是血雨腥风。

这也是为什么好莱坞拍出来的商业片是保守的，但从业者以左派居多。

《艺术家》的大团圆结局，用《雨果》的一句台词才能解释：“只有在电影里才有快乐的结局”。

《艺术家》这封“情书”最可疑的，还不是选角，而是作者用爱与死的律法否定了默片——影片口口声声的致敬对象和最大卖点。

有声片的诞生敲响了默片的丧钟，这是历史。

但《艺术家》不仅将默片一举扫入废胶片堆里，甚至没有像《雨中曲》那样泼辣地点出默片的缺点、鲜明地为有声片鼓与呼，而是将这段公案视为一种不需要再讨论的“常识”。

默片作为电影的过去，在这里甚至没有资格坐上“谁该被爱，如何被爱”的审判席。

在《艺术家》的意识形态脉络里，卢米埃尔兄弟的火车在1896年的银幕上开过去了，就一去不返，成了历史的旧物，今人重新观看，只能像对《艺术家》里的明星小狗一样，拍拍它的头，称赞一声“挺可爱”。

而《雨果》想告诉我们的是，“萧达车站的那列火车仍旧不断地抵达，一个世纪之后……观众的恐惧体验依然存在，这就说明在电影中有什么是虽然过去了但依旧存在”。

那列火车冲进了雨果的梦中，同时借助3D技术带来的视觉革命，再次冲向一个多世纪后的观众。

梅里埃最初是个舞台魔术师，他的电影喜欢怪力乱神，这也是对电影本质的一个隐喻：电影总能给人类带来新的惊奇体验，电影这种艺术载体之于观众，本身就是一场奇幻之旅。

而那个自动机器人开始动笔写字带给两个小孩的惊奇，有如萧达车站的那列火车带给第一批电影观众的体验。

电影会蜕变，但不会死亡，它的本真借科学与进步之力永恒轮回。

————补：上周北京国际电影节在西单二刷了，票在一小时内卖光，五月底上映可以三刷。

reference：1.看马丁·斯科塞斯《雨果》之前必须了解的十部经典电影http://www.douban.com/note/186261832/2.奥斯卡2012：这次只关心电影自己http://www.douban.com/note/198693502/3.Wikipedia词条：Latinos in film、Hugo（film）4.[整理]《艺术家》中的致敬老片全解读http://www.douban.com/note/202299569/5.過去∕未過去：兩部電影的一個故事http://www.douban.com/note/203008673/

这片绝不仅仅是致敬那么简单。

你真觉得火车站保安的戏份是多余的吗？

看看他是怎么瘸的？

战争啊。

看看梅丽爱是因为什么停止了拍电影？

战争啊。

人们在战争中已经看过了太过的现实，经历过太多的伤痛，谁还会去看梅丽爱的那些美丽幻想呢？

那你以为这是讲战争的？

当然不是了，这是讲电影带给人们的快乐，这是讲老马对于电影的热爱。

现实的残酷与电影的快乐，这就是老马童年的写照。

斯科塞斯在这部电影中将他的现实藏了起来，将那份一直存在于他最心底的纯粹快乐搬上了荧幕，从这个角度说，关于“情感幼稚”的批评越多，他的这部电影就越好。

对于电影最原始的爱以及反过来电影带给人的最原始的快乐，这些东西才是老马想要说的。

正如roger ebert所说，“这不像他任何一部作品，却最接近他的内心。

”也许每一个现实的头脑下面都有一颗纯真到不能再纯真的心。

关于保安那条线我简要说下：保安那条线其实不只是点明“战争”，更是在讲战争带给他的心理（自卑，对于流浪儿的粗暴）和生理（瘸腿）创伤，保安的几段戏立马让这个人物饱满了起来，1.保安第一次想找卖花女说话，然后腿上的支架卡不住了，然后离去。

2.第二次找卖花女说话，谈到了战争，这一段萨莎·拜伦·科恩的表演非常棒，几个表情就把这个人物的内心表现了出来。

3.和小女孩谈到诗人christina，保安的自卑。

4.保安犹豫片刻带走雨果。

5.保安把雨果关到笼子后说的几句话。

这5段是我想到的塑造保安完整形象的几个段落，我觉得缺一不可。

只有保安这个形象丰满了，“战争”这个潜文本才能真正立了起来（当然梅丽爱的那一段也不可缺少），要不然就只是蜻蜓点水无关痛痒了。

这片其实上面这些东西都不是直接打动我的地方，真正直接让我流泪的地方是梅丽爱说“happy ending only happen in the movies”时,看到那一段我一下子就被打动了，这里面透着的纯粹以及那种对于美好的向往仿佛让我看到了老马最心底的东西，一种心灵上的乌托邦PS.当然这片也有一些缺点，不过绝对不能掩盖这部电影的好。

文章也没什么条理，大家将就看吧

　　我真想跟老头子说，你知道一个叫海明威的人么？

他因为写不出东西又得了性病，干脆自杀了；你连淋病都得不动了还活着干嘛？

　　艺术家是一个非常独特的职业，它和邮递员、IT工程师以及银行高管不同，不是受人委派，而是自我认知、自我发现的结果，自愿承担的一件工作，将自己的感悟以特定的艺术形式加以表达和转述。

从某种程度上说，这个职业不存在其他工种才有的入职、升职、退休的过程，也不存在不可兼职、同业竞争等等限制条约；有点类似于卖笑行业，全凭自愿。

　　然而，这个行业在不断壮大的过程中，不仅上限无限向造神的方向逼近，下限也早已超越卖笑行业的娱乐和敛财功能（天上人间倒闭之后，北影的价钱上调了不少）；所以这种赖着不走的人也愈发明显（斯特里普亦是如此。

） 　　无须从巴赞说起，就从片中致敬的乔治•梅里埃本人在后期的电影理论中，也主要强调电影就是“一场梦”，讲述一个故事，无论是虚幻还是真实，其目的都是触动人的情感，激发人的带入情绪。

老马的这个故事何其糟糕！

一个小孩子，身世飘零，匠艺精湛，住在巨大的钟表里，泡比自己大的姑娘，很好的开头，结果竟然都是为了烘托一个中年事业危机自我否定和放任的老屁。

这个故事就像这部片子本身，最好的技术团队使用最先进的技术和最好的人才，讲了一个不知所云的故事。

奥斯卡委员会神目如电，发了六个最佳技术奖，从最佳音效/视效/艺术指导到剪辑，就是没有导演、编剧、演员什么事儿，因为这是个非常差劲和牵强的故事。

以向过去致敬的名义，重现诸多过去的场景、诸多经典影片中的桥段，诸多类型片中的元素，陈腐气息铺面而来难以呼吸。

　　不得不说，从技术角度，这部片子很不错，但是跟阿凡达相比，想象力和创造力的差异实在不可以道理计；只能说算是货架上最贵的货而已，我也就不评论了，钦此。

此为群嘲帖慎入。

纵观《雨果》的各路好评，和映前宣传稿并无二异。

如果不是枪稿，只能认为是“梅粉”们看看介绍，联系到自己已知的那位导演，景仰和陶醉一番便写出来了。

好评中完全没有讨论到影片的剧情结构、角色塑造、细节营造和拍摄技术，在我的眼中，这些都烂得一塌糊涂。

之前写了一篇技术差评http://movie.douban.com/review/5231101/被各位枪手喷得体无完肤，但是没有一个人是从电影本身来反驳的，全都是“您连梅里耶导演都不知道就敢来打一星？

”那我倒想反问，如果乔治梅里耶这个人物不存在于现实中，你们还能这么自high么？

你们几乎已经承认，这片的好评完全仰赖于角色的原型；你们也就不能否认，这片作为电影是一部失败的电影。

看电影，无知不是罪，我们都是抱着求知的态度走进电影院的。

在波士顿最大的影院的最中间坐下时，我只知道《雨果》是一部评价不错的电影，我的知识可以作为一张白纸，被任意书写。

本来，这部电影可以让我了解到梅导的伟大，事实上，它也通过展示梅导的影片片断，在某种程度上做到了。

但这是影片唯一成功的部分，我宁愿全片都是梅导作品的剪辑。

《雨果》作为一部原创电影是失败的。

对主人公（我以为是雨果）的塑造、剧情的结构、次要角色的设置、视觉效果的运用都是失败的，甚至可以说是不负责的。

如果不是朋友在身边，我一定会在电影的头5分钟就离开影院了，如果是那样，我根本坚持不到本片的“知识点”出现。

各位喊着向大导演致敬给好评的，我觉得颇有点皇帝的新衣的感觉。

衣服是回忆中的梅导的各部影片，但是《雨果》作为皇帝，是裸的。

看电影，无知不是罪，相比之下，炫耀知识才显得可笑。

举个反例。

就说IMDB第一名吧。

一部《肖申克的救赎》带领观众了解了监狱中的非人性生活。

这电影并非只有囚犯才能看得懂，而是通过杜方的挣扎，让观众逐步深刻理解到他面对的困境，和他付出的勇气。

这时候，世界上到底是否存在肖申克监狱，监狱内部的实况，已经完全不重要了。

这时候如果有个囚犯出来指指点点，说，真正的监狱才不是这样的，bla bla bla...你们太无知了，一群傻逼！

我看他才是傻逼。