魔游纪3：天都暗潮

《魔力月光》这部电影非常适合春天看，画面真的是超美！

伍迪·艾伦导演再次展现了其独特的才华，将20世纪20年代的法国南部描绘得如梦如幻，让人仿佛置身于一个充满浪漫与奇迹的世界。

影片的主角斯坦利·克劳福德，是一位以揭穿骗局为乐的魔术师。

他成熟、理智，但对生活似乎已失去了热情。

然而，当他遇到自称灵媒的少女苏菲时，一切开始发生变化。

苏菲，这个古灵精怪、聪明幽默的女孩，以她特有的方式动摇了斯坦利的理智世界。

两人之间的观念互换、情感碰撞，不仅为影片增色不少，更让观众看到了人性的多面性。

故事展开来讲呢，就是斯坦利是一位魔术师，更是揭穿骗局的高手，他受朋友邀约，试图拆穿苏菲的谎言。

苏菲说自己说灵媒，可以看到并且与它们交流，斯坦利开始时不为所动，并大肆宣称要揭穿谎言，但是随着一个个神秘场景的出现，他与苏菲的距离也慢慢拉近了。

斯坦利不仅相信了苏菲的故事，更是坠入了一段难以自拔的浪漫爱情。

电影的画面美得令人窒息。

法国南部的阳光、空气仿佛透过屏幕传递给了我们，每一帧都充满了魔力。

白色的建筑与绿意盎然的草地相映成趣，爬山虎搭着长廊，小红花点缀其间，构成了一幅幅唯美的画面。

而大海与天空相接的碧蓝色，更是为影片增添了一抹浪漫的色彩。

而浪漫的复古风情随处可见，镶着小花的礼帽、仙仙的小裙子、精致的花边、荡漾的流苏，不管是年轻女子，还是年老的妇人，都如花般摇曳，精致且优雅！

然而，电影并不仅仅停留在表面的浪漫与唯美。

它深入挖掘了人性中的偏见与理性。

斯坦利起初对苏菲的怀疑与不屑，到最后的爱得无法自拔，展现了一个人在面对爱情时，理性与感性之间的挣扎与转变。

这也让观众看到了，即使是最理智的人，在面对真爱时，也可能会放下防备，让感性占据上风。

爱情啊就是有这个魔法，让人捉摸不透！

艾玛·斯通饰演的苏菲更是让人眼前一亮。

她的每一套造型都充满了美式浪漫风，色调柔和又明快，令人过目难忘。

而她所展现出的聪明、幽默与自信，更是让人为之倾倒。

与斯坦利之间的情感变化，也是让人感受到了爱情的魔力与力量。

太喜欢这部电影的设定了。

女主古灵精怪、可可爱爱，但是聪明、幽默，有思想，男主表面睿智、沉稳、冷静，但是很傲娇。

男主起初处处看女主不顺眼，但是到最后爱得无法自拔，这种剧情不管什么时候看，好像都很上头！

这场美丽的爱情，犹如影片中的法国南部风光，一切都是那么地欣欣然。

浪漫小清新式的爱情和画面，治愈一切不开心和烦恼！

电影：《魔力月光》国家：法国、美国上映：2014（美国）导演：伍迪·艾伦主演：科林·费尔斯、艾玛·斯通豆瓣：7.2分======2024年，继续我的1000部电影计划！

大家好，我是亿亿！

今天给大家推荐1000部电影的第78部：《魔力月光》-over-

伍迪·艾伦是个彻底的悲观者。

他在采访中坦言：“我对生活的看法非常悲观……我觉得活着是惨淡、痛苦、噩梦般无意义的经历，唯一能让自己快乐的办法就是自欺……人需要错觉才能活下去，如果太诚实、太清楚地看待生活，它将晦暗得无法忍受……”伍迪·艾伦的悲观来源于对终极意义的追问，这样的追问一开始就注定坠入虚无和痛苦。

在他看来，人是一条随波逐流的船，不论怎样费力地抛下锚钩却总是触不到坚实的河床。

他说：“人人都用自己的荒诞赋予存在以意义，比如宗教、爱情、艺术……这些东西当然能起些作用，但最终还是无法赋予生活意义，每个人都以无意义的方式走向坟墓。

”这样的悲观基调在他的作品中贯穿始终。

伍迪·艾伦似乎热衷将人生“真实”的惨淡颜色赤裸裸地剥出来给人看。

在1985年《开罗紫玫瑰》中，正当未来美好的图景触手可及时，一切希望与狂喜倏然化为泡影；幻境越美好，跌回现实越是惨痛。

片尾的镜头中，女主双手托到胸前，空洞地凝视远方，似乎想伸手抓住幻象破灭时的最后一丝光影。

相隔近30年，2013年的《蓝色茉莉》又毫不留情地把“幻灭”讲了一遍。

2011年《午夜巴黎》的男主经历了时空的穿越后，明知人生的痛苦与无奈亘古不变，“美好的时代”只是一厢情愿的梦幻；纵然是梦幻，终究不愿醒来。

片尾男主与老唱片店的女孩依偎着走进巴黎亦真亦幻的雨夜，但愿路无尽头，一直那么走下去。

伍迪·艾伦的电影似乎一直摇摆于幻灭与梦幻之间。

希望追求“真实”得到的却是虚无和疲惫，如他所说，人需要错觉和自欺才能活下去。

可梦幻也好，幻灭也好，本质上都是在否定意义。

2014年的《月光魔法》也没有脱离这一基调。

男主斯坦利是个十足的cynic（或许cynic都是经历过幻灭的理想主义者），他崇尚理性，不相信上帝，不相信宗教等等超自然的事物。

越是拥有强大的理性，越是容易经历幻灭。

当与苏菲眺望普罗旺斯碧波盈盈的大海时，苏菲叹道：“真美啊！

”斯坦利却说：“转瞬即逝。

”在斯坦利看来，短暂易逝的美飘忽不定，本质不可捉摸，难以寄托意义，理性虽然给不了一个答案，相比而言却牢固许多。

然而理性对意义的探究和追问太容易坠入虚无、迷茫、焦虑、痛苦。

当斯坦利以为苏菲是个真正的通灵者时欣喜若狂，意义终于有所寄托，从那一刻起人世不再荒芜一片，人不再是不知所往不知所终的无头苍蝇；浩瀚无垠的星空不再令人惶恐，而叫人想起温暖、柔和的字眼。

逃脱了理性桎梏的斯坦利陷入狂喜。

可当斯坦利用尖锐的目光和敏锐的理性将苏菲的“通灵”骗局戳穿的同时，那个能赋予意义的世界也一齐崩塌了。

对于难以自欺的人而言，意义终究还是飘忽难寻。

或许是累了，年迈的伍迪·艾伦并不愿再追问下去。

他转而将笔墨着于斯坦利与苏菲的爱情，亦是在为自己寻一点寄托吧。

爱情的狂热不知所起，理性、逻辑、意义被一并裹挟而去，彻心的狂喜和彻心的痛苦不期而至，即便是痛苦心也是满的，世界也是有色彩的。

人终于还是要在荒芜的沙漠跋涉，转瞬即逝也好，南柯一梦也好，爱情终归是暂得片刻栖息的一点绿洲。

片尾凡妮莎阿姨的那句话想必也是伍迪·艾伦的感慨：“这世界或许有目的，或许没有目的，但还不至于一点魔力都没有。

”

We need our illusions to live我们需要我们的幻想生活。

—— 尼采他，第一次见她，是带着不屑要揭穿她的。

她，第一次见他，是怀着不安和好奇要讨好他的。

他的脸上充满那个雾都的压抑和郁闷，尽管，在见她之前，他已经在巴塞罗那受到了追捧，在苏黎世被少年时的偶像接见，在慕尼黑赚了钵体满盂。

尽管，在这些城市最好的剧院里，他都是叫好又叫座的角儿，尽管，他能把大象变没，把活人锯开，能让那些王公贵族惊得目瞪口呆，尽管，每次谢幕都伴着掌声，每次后台都被记者和追随者簇拥。

尽管，他能催眠那些观众，让他们停留在这魔法的假象中。

但，他是个只存在舞台上的魔术师，下了台，他不留情面地指责助手，使劲儿揶揄采访他的记者，轻蔑地嘲讽崇拜他的人，看着镜子里卸了装的自己说：冷静，理性，才是最重要的。

他并不快乐，或者说，他已不在乎快乐，他在乎的是正确。

故事从1928年的柏林开始，战前的欧洲，正享用着自文艺复兴、工业革命、甚至航海时代以来的福利，彼时，越来越多的技术转化成生活方式，无数优秀的科学家、艺术家、哲学家都相聚在这里，如星云般浩瀚的油画、雕塑、协奏曲、室内乐被人们欣赏着、谈论着。

然而这些，对于男主角斯坦利来说，都不重要，他的生活不会被这些装饰品改观，他不会放任自己沉浸其中，他要时刻清醒，和周围的人和事保持距离。

这是伍迪•艾伦塑造的中产阶级，执拗、多疑，还有点儿自命不凡，从那时到现在，这类人群大体未变。

直到有一天，斯坦利遇到了苏菲，一个会通灵的女孩。

她会在第一次见你的时候，瞪着大大的眼睛，微笑，再呆滞三分钟，眼神先聚后散，微醺地说：“我在接收一些印象，啊，有点模糊。

”这么蹩脚的台词，被漂亮但没气质的苏菲说来更显滑稽，空洞的大眼睛，无辜得能拉来赞助。

她在和斯坦利第二次见面时，就不着痕迹地拆穿了他的身份。

第三次聊天时，说看到了斯坦利的叔叔溺水而亡。

第四次见到了斯坦利的姨妈，竟然拿着姨妈的珍珠项链，讲起了送项链的那个地下情人，让斯坦利倒吸一口凉气，他开始怀疑自己看到的世界。

有苏菲在身旁，他竟然闻到从来没有闻到的花香，像他说的那样：“以前我不相信看不见的东西，现在，从没觉得世界像现在这样美好。

怎么没让我早点遇见你，我的人生可能就不同了。

”一个不能给自己带来幻想的魔法师，碰上了来自北美蛮荒之地的平民女孩，却被轻易施了魔法。

镜头的另一边，艾伦在偷笑，尽情让苏菲表演着，通灵时夸张的表情，古怪的言语，她沟通格蕾丝太太与死去丈夫的灵魂对话，用灵魂敲击桌子的声响表示是与否，一声为是，两声为否，太太问：“我可以买掉那栋别墅吗？

”灵魂敲了两声；太太问：“你对我忠诚吗？

”灵魂敲了一声；太太又问：“我是你的唯一吗？

”依然是一声，灿烂的笑容绽放在太太脸上。

我仿佛可以看到，艾伦在旁边都快要笑出声来，所谓中产阶级的精英们，心心念念地就是这些问题。

艾伦作为导演，一会儿贴近一会儿疏远，与角色保持清醒的距离，他的镜头里有种幽默的冷峻。

苏菲的魔力，是艾伦设下的悬疑，这部艾伦式的风光悬疑片，毫无惊险，也不刺激。

南法海岸的庄园和度假屋做道具，法式古董敞篷车是谈论幻想时的坐骑，车后的天际线在地中海蔚蓝的海水和长满三角梅的悬崖峭壁上延伸，山崖后的花园里，都是来这儿消磨燥热烦闷的中产阶级。

曾经的他们用傲慢又怠慢的眼光看着周围，心中自觉过于理性,不能感染别人，连自己都不能，而眼前的苏菲，尽管让人半信半疑，但都有趣，他们需要这种角色给予暂时的蒙蔽。

真假已不那么重要，就连斯坦利也想一直呆在这幻想里。

由此，他们看到了不一样的自己。

艾伦作为精英阶层的代言者和嘲讽者，和那些角色一样，为自己受过的教育所累，拒绝与身份不符的话题，心里却渴望小小的逃离。

于是，斯坦利的情感战胜了理智，尽管苏菲的表演笨拙而刻意，但却带给了他不一样的世界。

曾经的他们，凡事只问“该不该”，不问“想不想”，对那样的生活已深感倦意。

艾伦式的悬疑，不来自外界，而是生发于内心。

他提出了这样的问题，在受了最原始本真的蛊惑后，能不能解开束缚、跟随内心。

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我看这部电影的时候正直学校信号屏蔽，网也没有，逼我到阳台看电影，伍迪艾伦塑造的科林费尔斯也真是让我气到肺疼，自大又狂妄的大男子最后收获魔力月光般的爱情也是让我万般无奈，我的漂亮石头能够下嫁给年长三十岁的雄性生物也真是这部电影的极大败笔。

但我的漂亮石头还是让整部电影妙笔生花，神态动作都表演得很到位。

然而电影情节连接还是颇为欠缺，结局还是逃不过老套的happy ending，直接让本来令人心生敬畏的Sophie下降两个档次：谁会愿意接受一个自大狂的求爱啊？

终日惶惶无期的忍耐他的嘲讽和挖苦吗？

两个人站在一起也是怎么都看不顺。

当然配乐直接把电影拉回文艺片中高级，无论是姨妈车祸要突出魏的痛苦，还是情节转换间的无缝连接，配乐都实在太令人叹为观止，观众不必深陷其中，也不必走神草草了事，嗨，谁让我是爵士乐终极爱好者，爵士真的能突出好多东西，我的漂亮石头也给爵士演出了好多经典片段。

最后一句，资产阶级小清新我真是看不来，气得肝都疼了

伍迪·艾伦一以贯之的晦黯世界观——宇宙冷酷、空虚、毫无奇迹，除了我们充满的爱。

一方面，他质疑一切超越科学与逻辑的存在，包括神，认定那不过是人们努力保持希望，以平息对即将到来的死亡的恐惧（《安妮·霍尔》《怎么都行》）。

另一方面，他继续保持着对魔法和超自然现象的深度迷恋（《爱丽丝》《玉蝎子的魔咒》《独家新闻》）。

他的这第44部作品也无出其右。

一部浪漫小品，非常适合舞台改编。

科林叔是伍迪·艾伦教科书式厌世的帅替，石头姐轻浮而明媚，从头至尾都像月亮一样闪闪发光，只可惜这对CP不太有电。

当然电影的重点也不在此，而是他们能不能胜任伍迪·艾伦精湛到炫耀的大段演讲。

导演御用摄影师达吕斯·康第用35毫米摄影机制造出20年代的柠檬黄色调，电影也大可以归入伍迪·艾伦的欧美旅行电影——《午夜巴黎》《爱在罗马》《午夜巴塞罗那》《纽约的一个雨天》《赛末点》（伦敦）《蓝色茉莉》（旧金山）。

因为相对于片中美不胜收的法南风光，人物不过是此番人间胜景中的活动布景板。

The world may or may not be without purpose, but it's not totally without some kind of magic. 让人想起Before Sunset里Celine引用爱因斯坦的那句话：如果你不相信这个宇宙存在任何形式的魔法或奇迹的话，你还不如就死了呢。

I believe each of us must find a reason to truly embrace life. 理性和感性该如何权衡？

一味追求逻辑和真理的人生是否才是失了生活真谛的人生？

想要真正拥抱生活总是要让自己尝试着向非理性敞开怀抱的吧。

We really dont know. We are just poor limited human being.You call it madness, but I call it love.

香港人很喜欢伍迪·艾伦。

他有个好听的香港名字叫“活地阿伦”， 瞬间变得活灵活现，还有种旺角靓仔的感觉，这个名号伴着他那张大脑袋的肖像画，在香港几乎是电影艺术的一个符号。

画像中他有硕大的眼镜，叼一只古巴雪茄，永远皱着眉头。

活地阿伦同志，是港式的，他的情节化和反讽效应正符合快节奏的年轻人“返屋企食餐饭”的生活态度，即狭小的空间、现代化的视野，以及争论不休。

伍迪·艾伦总是喃喃自语，最为极致地表现在其标志性的影片《安妮·霍尔》中，作为主演的阿伦时不时从剧中抽离出来，站到摄像机跟前，指手画脚地跟我们说话，那是部令人伤感的爱情片，尽管它令人捧腹，片中神经质且敏感的男人和神经质且自负的女人非常自我地恋爱，戴安·基顿的衬衫马甲造型受到大众追捧，记得那年看完这部电影就置办了一套衬衫西裤，感觉自己很美国、很纽约。

回到伍迪·艾伦的“对镜头自白”上来。

曾经有记者采访他，问他在什么时机会知道要站到一边来对着观众说话，他说，并没有刻意去想过这个问题，只是凭直觉认为就是如此。

这种寂寞感伤的喋喋不休几乎充满了他的每一部电影，这让人感觉到他是一位多么想要和观众说话的导演。

因人而异，有人很喜欢他的自言自语，有人则会受不了这长篇无聊的自言自语而感到恼怒——无论是他亲自出演，还是使用其他演员，那用无休止的饶舌表现心理状态或作者想法的方法的确足以使人恼怒，毕竟这似乎暗示着另一种说教的倾向；不过，对于一个喜爱长篇大论以及沟通的观众来说，伍迪·艾伦是为数不多的会把一件事讲到尽头，把一个观点描述透彻的演员。

在《安妮·霍尔》中，他从头到尾的喃喃自语最终也照明了了他自己的心。

再到近年大热的《蓝色茉莉》的末尾，那段著名的数分钟的自白，在绝望之中升起某种戏谑，又在这种黑色幽默中营造出所有人崩溃的氛围。

影片在凯特·布兰切特饰演的Jasmine由贵妇一夜之间变成无所依托的底层人，然而她执拗地试图继续生活在往日光芒的自豪之中，现实的一无所有和她固有的中产虚荣之间形成一个巨大的、丑陋的断层。

这其实是一个熟悉的主题，即“中产的没落”，或曰“中产危机”，如果没有最后一段伍迪·艾伦的喃喃自语，这部片子也许会流于随大流的主题之中。

凯特凭这部电影获得了金像奖，不得不归功于那最后数分钟的崩溃自白，因为导演终于在影片的末尾暗示了他过人的发现：她痛苦，不是因为破产，而是源于孤独。

对于拥有高级语言使用权的人类来说，再没有什么比说话更接近自然，也没有什么比说话更孤独。

在《安妮·霍尔》中，我们能明显地看出，男女主人公尽管在对话，却使用着完全不同的两种语言——他们说的都是英语，但他们永远不会明白对方在说什么，直到他们真正相爱的那一天。

片中男人注重自己感情上受到的打击，总是消极、分析、自高自大，而女人则更加抽象和浪漫，她在读诗。

这一对组合常常引起别人错觉，认为男人比女人更加务实，他们喋喋不休和自说自话，很好地引导也很成功地误导绝大多数观众。

《魔力月光》中的柯林·菲斯，他的喃喃自语则是为了表达拒绝。

片中他被设计为一位相信理性和经验的魔术师，偶然结识了“灵媒”艾玛·斯通，处心积虑想要揭穿她的诡计，但是找不到任何破绽，只好承认世上有灵媒。

这过程中他始终用坚决的自言自语抗拒相信他眼睛所见的是真的，可是，在他姨妈住院抢救之际，当他低头祷告，却意识到这一切是多么荒唐， 他回去戳穿“灵媒”的诡计，发现了他们之间彼此的爱情，于是他用更加自我矛盾的自说自话本能地抵抗这爱情，如同他作为无神论者本能抗拒神秘一样。

可是当艾玛·斯通接受了富家子的求婚，他才突然意识到这个世界是有神秘的，他需要这份神秘，他需要爱情。

这部影片则代表了伍迪·艾伦喃喃自语的另一个主题：骄傲。

无论是《魔力月光》里的柯林·菲斯，还是《蓝色茉莉》里的Jasmine，都出于人生境遇发生转折之际，他们同样拼命地用疯狂的自言自语拒绝接受改变，让我们饱览了人类的骄傲如何在各种文化情形中灵活灵现地彰显人的可怜、可憎和戏剧性。

我对伍迪 艾伦一直会有期待——只要他还活着一天，我就有理由相信他的下一部作品才是他最好的那一部。

《魔力月光》没让我失望：影片中透露着老爷子一贯的别扭、话痨、尖酸刻薄、冷嘲热讽，屡屡让人捧腹大笑。

但同时，我好像看到这个和存在主义抗争了一辈子的小老头终于找到了一个和自己妥协的方式：在影片结尾，老伍迪选择了一个皆大欢喜的圆满收场，尽管有人不甘心这个满嘴调侃死神的老头怎么开始柔软了起来，但我仿佛能够看到老爷子在镜头后面耸耸肩，撇撇嘴，八字眉垂下来，“你怎么知道我妥协了？

你根本没懂我说的是啥！

”老伍迪是有魔力的，他让科林 费斯和艾玛 斯通这对完全不搭调的情侣档产生了别样的化学反应。

“达西先生”变身为一个70年代的英国魔术师斯坦利，他擅长扮成中国人的样子表演魔术，让大象凭空消失、把美女切成两半这种魔术。

他不信上帝，从来不信，而且觉得每天双手交叉默默祈祷的人实在可笑，他小的时候，连最善良的神父都会吹着胡子说他是这个社区里唯一一个会下地狱的男孩。

他唯一坚信的事情只有死亡，在这个注定结局之前，生命的一切都是虚无。

艾玛 斯通饰演一个通灵的姑娘索菲，她娇艳迷人的外表在斯坦利看来都是行骗的手段之一。

抱着拆穿女骗子的目标，斯坦利让索菲走进他的生活。

当索菲一步步用实践证明她真的可以在幻象中看到别人的过去和未来的时候，斯坦利逐渐发现，当自己开始相信有另一个“看不见”的世界存在的时候，他可以活得多么自在和快乐。

被老伍迪附体的科林 费斯展现出一种奇异的魅力：他以自我为中心，彻头彻尾的悲观主义者，但傲娇可爱，口是心非。

“我向你表白绝对是你的荣幸。

为了下半辈子可以和一个天才生活在一起，你应该慎重考虑我的求婚。

”这是斯坦利面对这个世界的逻辑。

斯坦利有点像《安妮 霍尔》中的艾维（伍迪 艾伦自己扮演的那个角色），愤世嫉俗，但又带着点悲哀的可爱。

但他是科林 费斯，刻薄毒舌之外还带着天然的优雅风度，就像傲娇系数乘以十倍的达西先生，没有姑娘可以抗拒这种魅力。

艾玛 斯通很漂亮，不是斯嘉丽 约翰逊那种清纯的性感，也不是戴安 基顿的那种甜美的知性，顶多有点像米娅 法罗的纤细小巧，气质中带着一种淳朴和平凡，但却有一些神经质的小举动让人觉得她迷人。

索菲这种女性角色在老伍迪之前的片子中不多见，但背景光晕下的艾玛 斯通实在精致可人，难怪一贯理性的斯坦利也要为之动心了。

《魔力月光》探讨的似乎还是生活的本质问题。

如果说斯坦利身上有伍迪 艾伦自己的投射，那么应该是他坚信尼采存在主义哲学的那一面，“上帝已死”，人理应焦虑悲观。

宗教是什么？

幻象，谎言，心理安慰。

人到底应该活在自我安慰的虚假喜悦中？

还是终日在死亡逼近的焦虑中清醒地存在？

老伍迪又一次抛出了这样的问题。

我想西方评论界八成不会喜欢这部作品：宗教人士会责怪老伍迪把宗教实用化，把上帝当成了一个类似心理咨询师活着阿斯匹林般的存在，只是为了缓解人的精神压力，而非是真正拥有圣洁神力的宗教神明。

而知识分子也不会看好这部作品，老伍迪最终毕竟还是妥协了，他为斯坦利这个原本坚持无神论的悲观主义者终究在爱情面情让感性战胜了理性，获得了一个“俗人”的“幸福”。

去年那部《蓝色茉莉》其实是让人非常不舒服的一部影片：当我走出影院的时候，我感觉浑身发凉。

那部影片中好像没有一个人是值得被救赎的，人性没入了彻底的黑暗，现实鲜血淋漓，是一席被撕扯成千丝万缕的破袍，再也没法缝合。

而《魔力月光》，那么轻柔，那么优雅，和全片的色调一样，是温暖的，像法国南部的阳光。

我倒是很欣喜老伍迪找到了一种和生活和解的方式。

电影毕竟也是幻象，是平淡或者悲戚生活的一点调剂。

《魔力月光》不像《开罗紫玫瑰》一样：在结局打碎了女主角的迷梦，让现实上演。

在过去，老伍迪不会给自己的角色任何一点机会，带着幻想中的希望侥幸地生活下去。

但是现在他肯了。

也许他们真的有机会，在绝对的死亡来临之前，享受一下生命的美好，尽管这美好也许毫无意义，转瞬即逝，就像天文馆天空上倾泻下来的一缕月色，轻如烟雾，仿佛根本不存在，但却为一切增添那么一丝浪漫。

别为了终极的虚无而放弃过程的美好。

感谢老爷子这份美好的妥协。

对于78岁的伍迪， 我们还是不离不弃的。

夏日午后的露天影院，伍迪的影像与爵士乐是Mojito 最好的陪衬。

没有了伍迪，蓝色茉莉们的生活会变得更无聊。

进入21世纪，伍迪变成了中产阶级家庭最好的朋友。

心情好的时候伍迪给了我们《午夜巴塞罗那》，灵光乍现的时候伍迪给了我们《午夜巴黎》，思如泉涌时伍迪又给了我们《蓝色茉莉》。

如今这部《魔力月光》，伍迪显然心不在焉。

看老头子的电影，就如在英国的酒吧里点牛排，看运气。

电影与之前的巴黎，罗马系列一样，明信片风格，葡萄美酒地中海。

普罗旺斯的夕阳繁花自然不用说，20年代的服装道具精致程度不逊于去年的那部《盖茨比》，也不失法国女人特有的俏皮与简洁。

Sonia Grande 也是伍迪两部午夜系列的老搭档。

主题方面伍迪这次又搭上了尼采，那句We need our illusions to live， 被重复了多次以反差唯物主义至上的男主角。

Colin firth 扮演的男主角对上帝的存在，灵魂不灭等形而上的问题深表怀疑，直到有一天，他的老友，Simon McBurney设下圈套，让他的大脑杏仁核被Emma Stone 扮演的灵媒师所控制。

演员方面，Emma Stone 仍然改不了其科插打诨的风格，而Colin Firth根本就好像在重复以前曾经演过的100个角色。

此人似乎对笑过敏，前几个月在离家不远的地铁有人口认出他，本想找他自拍的路人，见到他一脸的苦大仇深，纷纷小步撤离。

故事情节不算太糟糕，自命不凡的科学家爱上了出身贫寒的小女子，情感战胜理性大众情趣。

问题出在Colin firth与Emma Stone之间的化学反应。

54 岁的Colin与25岁的Emma站在一起就比好酸碱反应，放在一起剩下的只有盐和水，无色无味无感觉。

Colin 那种英式风格的黑色幽默恐怕真是不适合Emma 这种加州阳光女孩。

这两个人不像情侣像父女。

不知道同为英国人的蜘蛛侠男友怎么看待。

Emma的闺蜜Lawrence好像最近也搭上了唧唧歪歪的酷玩岛人。

蛮烟瘴雨的英国男人究竟魅力何在？

每日电邮的专栏记者Tim Robey,评价说Colin Firth is unbearable, 我举双手赞成，让处女座的人演一个处女座似得角色，不给片酬成吗？

a man fell in love sucks .拜托你不要抱着尤克里里一遍遍唱着小情歌，在我吃饭游泳乃至发呆的时候都跟我告白，分娩出一个个关于蜜月旅行如何是好的新刍议好嘛！

哪怕你多金，人帅又有才。

男主矫情大叔，最后敌不过坦率直白，可爱给力的妹妹型小魔女索菲。

从绝对的理性，科学主义者活调教为扭捏少年。

太好玩了哈哈哈生活里就是有一些女孩子，她们真的拥有魔力，只用一双眼睛和笑容，就会变出让世界顶级魔术大师都无法破解看懂的戏法。