我在中国做电影

我在中国做电影出品：时光网类型:纪录片首播:2020-02-28(中国大陆)集数:5单集片长:15分钟左右更新时间：每周二、五10:00今天，剧小邦要给大家介绍一部由时光网出品的纪录片《我在中国做电影》。

听到这个片名，是否让你想起了《我在故宫修文物》？

虽然“电影”的豆瓣评分暂时逊色于“文物”，但是对于影迷或者影视从业者来说，这部同样反映工匠精神的纪录片可谓是必看的作品。

每一集短短的十多分钟，将带我们走进电影的幕后，认识美术、声音、特效、摄影、配音5个工种。

或许你熟悉成片的每个画面，但是“做电影”的背后还有很多不为人知的创作过程。

本篇影评介绍前面两集，截止发稿日（3月6日）已更新3集，大家可以到时光网及优爱腾等各大视频网站观看。

第1集 曹郁：光影统领者

要盘点2019年撤档的国产电影里，《八佰》绝对算得上大热门，猫眼上有25万多人标记了“想看”。

在这一集里，我们不仅有精彩的片段先睹为快，还有独家的“内幕”创作过程披露。

曹郁摄影的灵感来源于毕加索早期的作品，它们以蓝和绿为主。

再加上互补色黄色，有了一种柔和的效果，反衬剧情的惨烈。

“《八佰》很像我拍《南京！

南京！

》的螺旋上升版。

它既保留了像拍《南京！

南京！

》的时候那种激情和自由，同时它在技术上又复杂得多得多，它达到的效果更加的多样化。

”是不是对电影多了一分期待呢？

同时，我们对曹郁的才华也有所了解。

不管是写实的历史，还是虚构的故事，他都有自己的摄影表现手法。

李白笔下的“云想衣裳花想容”的杨玉环，在《妖猫传》里面应该给人怎么样的形象？

能成为古代四大美人之一，哪位女演员能够驾驭这个角色呢？

张榕容做到了。

更准确地说，是曹郁帮张榕容做到了。

我们印象深刻的这个“名场面”，曹郁是用蜡烛、LED灯带，使她的皮肤所有反射角都有光泽，再加上一种叫特图利的灯，可以打特别小的光，照射在眼睛上……多种工具合在一起，并且后期在电子调光台完成“动态”的亮度，才有了我们看到的百媚生。

曹郁认为摄影师“天分是有限的”，包括他自己从入行到屡获大奖，都不是天生的偶然。

中学开始，他被《末代皇帝》的摄影效果所震撼，他便借了一台录像机拍日常生活、自然风光；后来，他如愿考上电影学院的摄影系，而且还是第一名；大三大四的时候向往《美国电影摄影师》杂志，后来他就凭借《南京！

南京！

》登上那部杂志。

这一路上的成果，都和“热爱”二字密不可分，尤其是拍摄《可可西里》时，他感受到心灵被洗涤，认识到激情才是创作的第一动力，而非金钱和名誉。

(当然，后面凭借《可可西里》获得金马奖是他的意外收获。

)他认为，想在摄影上达到一个最理想的高峰是很难做到的，但只要努力尝试，保证每一部作品都在进步，就能够获得幸福感。

第2集 赵楠：声音魔法师这一集的开始展示的是拟音的创作过程。

工作人员一边看着画面，紧盯着情节发展，一边借助工具发出声音，看着还比较有意思。

你知道割喉的声音效果应该是怎样的吗？

你知道被人捅肺的声音效果应该是怎样的吗？

他们通过气球、水管、鱼鳔等工具努力去实现。

虽然他们的手法是假的，但能达到以假乱真的效果，像是魔术，幻术。

这么听起来，他们的工作很高大上，是一个很神奇的职业，但实际上，他们也是很孤独的。

“我从来不戴耳机听音乐，我们家也没有音响……我回家基本就是看电视剧，静音看字幕。

”“我的耳朵能够一分八用。

比如我的爱人走没走，都是靠听不是靠看；我通过你说话能判断你今天高不高兴；楼底下煮东西我能听得出来他是煮饺子还是煮面条……”不知道的还以为是现代真人版的顺风耳？

对于“没有耳机就浑身不自在”的现代人来说，他们的生活简直不可思议。

他们的工作也颇为神秘。

用她的话说，大部分人以为他们的工作就是下载素材就行了，但这远远不够。

“我经常夜里两三点了，就一个人在屋里，啥人也没有，啥声也没有，面对一千多个素材，一个一个地放。

”“一天你可能跟谁都没有对话，你就自己在那干……做《影》的时候干得都快废了，每天坐屋里，看着画面下着雨，挑着雨的素材，出门以后基本都是黑夜，特别压抑。

”

“（做《影》的时候）把全世界素材库的雨都买了，一点都不夸张；其次是录，只要看到下雨了，就出去录雨……”包括说起她在中影曾经一个多月没回家，“每天四个棚，轮番看，一遍一遍地改，关键还干不完，突然有一天我就在混录棚嚎啕大哭……”在接受采访时，靠在椅子上的她能够谈笑风生般地聊起做这行孤独的创作回忆，实在令人敬佩。

曾经她的朋友管她叫“楠哥”，确实是名不虚传，虽然她本人并不喜欢，但这应该是大家表达对她的尊重的方式吧。

她说她在领金像奖的时候，很自豪地向大家宣布，“女孩子一样可以成为好的录音师，可以非常好、非常棒。

”而在这一集里，她不仅为录音师里的女性代言，更是让录音师这一劳苦功高的职业被更多的人所了解。

这部叫“做”电影而非“拍”电影纪录片的意义在于，让我们知道除了那些凭借电影享誉国际的导演、演员，还有这些劳动成功具有隐蔽性的幕后工作者，或许他们的名字在片尾的位置靠后，但是没有他们的付出，一部好的作品是不可能诞生。

一部电影的成败，当然是剧本、导演、演员等方面决定大局，但为什么观众有时候会有说不上来的“不对劲”，或者有感到莫名的好感，往往就是摄影、声音等细节决定成败。

可能就在同期上映的电影里，本来旗鼓相当的两部影片，其中一部因为幕后工作者付出得更多而更胜一筹，因为他们的工匠精神画龙点睛。

最后，希望不管是影迷还是从业者，都去观看这部纪录片，为中国电影进步默默付出的工作者致敬。

以前看电影只是看个故事情节，不会把注意力放在电影的制作上。

看了曹郁的记录片之后才发现一部电影的制作是多么地不容易。

哪怕是一个镜头，一个画面都是要精心制作的。

光与影的运用也不仅仅是打个光那么简单，自然光、人工光的巧妙利用，光的流动等都是要一步步计划好的。

电影的制作还需要制作人具备基础的美术知识，学会科学地利用色彩，如互补色的利用。

当然一部电影的制作，不仅仅是摄影师的工作职责，它还需要演员、导演、后期等的协调与合作，他们互相之间达成一致才更有可能制作出一部好的电影。

当然在制作电影的过程中，真正热爱电影制作的人也在实践中慢慢进步，在制作电影的过程中收获快乐，发现新的世界，得到心灵的慰藉。

看了赵楠的纪录片之后才发现原来电影中的声音的制作过程是这么复杂，我们听到的下雨声可能是拟声师们从几千条音轨中挑出来的，可能是从他们收集了无数个雨天的声音中挑选出来的，我们听到的打斗声是由很多中不同的工具共同产生的……拟声师们的工作不仅仅是制作出与电影中的画面相符合的声音这么简单，他们还要具备一些专业知识及其他通识。

如他们需要知道多少赫兹的声音可能会使人产生害怕的情感，他们需要知道每个城市的特点是什么，并据此制作出每个城市的特点声音。

拟声师并不是毫无感情的电影声音制作工具，他们是感情的传达者，他们制作的每个声音都包含着自己内心的感情。

看了特效、叶锦添和阿杰的这三个视频之后更加体会到制作一部影片的不易。

从前我们总是说“五毛特效”，由于成本、技术等原因我们国家的特效确实没有国外的发达，但我们也在慢慢地进步，努力做出更逼真、更有效果的特效。

我们的电影中也巧妙地融入了中国特色，影片一件不起眼的衣服、一个不经意的礼仪动作也许都是中国文化的表达。

许多人认为配音演员很容易，但其实不是这样的，配音演员也是演员的一种，他们赋予角色以更强的生命力，信息的传达、感情的表露都可以靠配音演员来进行。

从前以为一部电影只要演员表演好和摄影师拍好就可以了，现在才明白一部好的影片是很多因素相辅相成的，不只是说一个方面出色了就是一部好的影片。

摄影、拟声、特效、配音、美术，还有它所包含的文化等各个因素缺一不可，而电影制作过程中的每一个工作者不是没有感情的电影制作机器，他们所懂得远比我们所想到的要多得多，他们对电影也是投入了自己的感情。

电影的制作过程很复杂，一部电影的制作不容易，一部好的有质感的电影更不容易，向真正热爱电影制作的人怀着满腔热情继续从事电影制作的行业的人员致敬，希望我们也能坚持从事自己所热爱的行业。

对于全世界的影迷来说，电影业迎来了至暗时刻。

原本定档三四月的好莱坞新片，撤了大半。

《新变种人》《鹿角》《速度与激情9》《007：无暇赴死》《比得兔2》《寂静之地2》……就连曾倔强表示北美档期不推迟的《花木兰》，也在名单之列。

受疫情影响，电影院的缺席似乎成了常态。

这也是咖爷觉得最遗憾的一件事。

你还记得上一次去电影院是什么感受吗？

看到烂片，或许气愤至极中途离场，捶胸顿足质问自己为何不用这票钱买杯奶茶；看到好片，或许呆坐原地良久，灯光亮时恍如隔世，不愿回神。

而正常情况下，我们都是在正片结束时就匆匆离开。

对于电影的喜怒哀乐，也会随着时间淡忘。

因为对我们来说，故事结束了，电影就结束了。

更不用说，把那一行行的演职员表，也当作是电影的一部分。

比如摄影，比如灯光，比如声音，比如特效，比如美术和服装……通常情况下，这些演职员表上快速滚动的名字是没有观众的。

而最近，有一部纪录片把这些容易被忽略的人，从幕后拉到了台前——《我在中国做电影》。

不得不说，这个名字真的相当像《我在中国修文物》。

同时呢，这个“做”字用得很有意思，许多人会问为啥不叫“我在中国拍电影”？

因为“做”包含的内容更多，除了拍，还有听、写、画……这些加起来，全都是“做”。

由时光网出品，米若羲担任导演，她本人也是时光网内容中心高级总监。

纪录片一共五集，每集14-18分钟不等，短小精悍，非常适合网生一代观看。

内容聚焦于，摄影、声音、特效、美术、配音这五大电影的幕后工种。

每集请来一位或一组当今中国电影行业内的标杆人物，来讲述关于他们的工作。

这类时长在20分钟左右、制作精良的纪录片这几年见得很多，《早餐中国》《人生一串》《如果国宝会说话》等，都做得相当有意思。

回归影像本身的题材，却不多见。

它的质量如何，看一下这个排场就知道了——

第一集：《光影统领者》，主人公曹郁。

第二集：《声音魔法师》，主人公赵楠。

第三集：《视觉追梦人》，主人公MORE VFX联合创始人魏明、《流浪地球》视效总监丁燕来、Digital Domain 数字王国视效总监周逸夫。

第四集：《寻找东方美》，主人公叶锦添。

第五集：《另一个演员》，主人公阿杰。

说实话，上面这些人名，除非是电影专业学生或是影视从业者，大部分人大概只听说过叶锦添和阿杰。

没听过也没关系，正好通过这部片子，一起倾听这部写给电影人的情书。

首先，第一集。

这集主人公是摄影师曹郁。

他毕业于北京电影学院摄影系。

2004年凭借《可可西里》获金马奖最佳摄影。

2009年凭借《南京！

南京！

》获圣塞巴斯蒂安国际电影节最佳摄影。

2017年凭借《摆渡人》获金像奖最佳摄影。

2019年凭借《妖猫传》或金鸡奖最佳摄影。

登上过著名的《美国电影摄影师》杂志。

这个履历可以说十分漂亮了。

有意思的是，很多人知道曹郁则是因为“姚晨丈夫”这个名头。

第一集短短的17分钟，曹郁实际上说了很多干货。

他首先提到的是，摄影师必须有对电影的极高敏感度，这样才能拍出符合作品气质和氛围的镜头和光效。

这里他用的例子是《妖猫传》的拍摄。

为了营造杨玉环“回眸一笑百媚生”中“百媚生”的神态，摄影可谓是绞尽脑汁。

先是点了几十根蜡烛放在演员脸部周围。

接着又用了LED的灯带，使贵妃的皮肤可以呈现出一种LED的光泽。

这样还不够，再加上一种名叫Dedolight（特图利）的灯打在眼睛里。

就这样，有灯笼的光、蜡烛的光、LED的光、Dedolight的光合在一起，产生了一种有层次的光效。

到这里还是不够，要“百媚生”必须要“流光溢彩”，光要流动起来。

于是曹郁亲自动手控制电子调光台，让光动起来。

所有这些加起来，才有了“百媚生”。

其次曹郁给我们提供的干货则是他从绘画里学到的摄影技巧。

由于《妖猫传》是一部奇幻片，所以他从爱德华·蒙克的画作里汲取灵感。

绘画到了蒙克的时期，已经是一种混合的光源。

他画作中阴影部分的蓝色给了曹盾很大的启发，所以《妖猫传》里我们能见到很多绿或者蓝的颜色。

曹郁还提到了之前因为撤档而闹得沸沸扬扬的《八佰》，并给出了一个很高的评价：“我对《八佰》很满意，它很像我的作品。

”

摄影上，由于《八佰》是纪实片，所以他参考的是毕加索早期的一组画，即他的“蓝色时期”。

所以《八佰》的主色调是蓝绿和黄色。

最后，他提到了贝托鲁奇的《末代皇帝》给他的影响。

《末代皇帝》的摄影师是斯拉罗，也正是在这部影片中，他知道了摄影机是可以像羽毛一样飞起来的。

第一集的部分，实际上可能是整部纪录片最有实用价值的一集，你不仅能够看到情怀，还能够看到一个优秀摄影师他所使用的方法论。

当然由于时长问题，也只能是管中窥豹。

不过呢，这不是摄影纪录片，能让我们感受到摄影巨大的魅力，和摄影师工作的重要性，就已经成功了。

第二集讲的是声音。

主人公赵楠，她负责过声音部分的作品有《影》《记忆大师》《重返20岁》《寻龙诀》《狄仁杰之通天帝国》等。

她也凭借《狄仁杰之通天帝国》获得过第30届香港金像奖的最佳音响效果奖。

赵楠在这14分钟内主要讲了三个方面的问题，当然也只是蜻蜓点水式的。

第一是声音在电影里的重要性。

很多时候，我们在看电影的时候其实总是会忽略声音，但声音又是使我们能够沉浸在电影中，享受那种虚假的真实的必不可少的一个部分。

比如怪兽的叫声让人恐惧，是因为里面有很多次低频在里面，次低频是让人最不舒服的一个频率。

再比如很多时候，我们不需要台词，只听声音就能够知道人物的喜怒哀乐。

第二是声音制作的过程。

首先是靠想象力，通过无声的画面去想象声音。

每一个画面都有属于自己的声音，重庆的KTV和铁轨声，老上海弄堂的自行车声。

其次是拟声，使用各种材质模拟出细致真实的声音。

比如《影》里杀人的声音，捅肺的声音，都需要现场模拟还原。

第三是国内声音行业的问题。

这里赵楠说了一句话：“现在拍电影跟催命一样。

”

电影还没拍呢，就已经定好了上映日期，然后各种催，于是时间压力特别大。

注意，从赵楠开始，国内电影行业的畸形和混乱现象开始得到了一定程度的揭露。

奥斯卡最佳外语片《罗马》，混音混了四个月；而中国绝大多数的电影声音制作最多就是二十几天，而且拍摄日期说变就变。

也是从赵楠开始，好莱坞成了一个对比的标杆。

比如声音，在国内是一个人负责，好莱坞是两种人才，一种是混音师，另一种是声音指导。

说白了，就是中国电影的快速发展，导致电影人才素质各方面比较平庸。

而好莱坞的人才培养，则保证了他们有一生的时间去磨练自己的技术，以达到一个顶层的标准。

这个问题在第三集特效将会又一次被重复提出。

实际上，除了上面三个问题，赵楠还说了关于女性和职业选择的问题。

大学时她被叫成“楠哥”，公司里小姑娘叫她“女战士”。

很多人听到赵楠的名字，会觉得她是一位“先生”，比如金马奖组委会曾把她误会成“赵楠先生”。

于是在她上台领奖后，她第一句话就是“女孩子也能成为一个非常好的录音师，可以非常好，非常棒”。

光是这一句话，就足以振奋不少女性观众，也让电影从业者们有所反思。

第三集是特效。

说到中国特效就绕不开两个词：五毛特效和《流浪地球》。

这一集可能是最能改变一些刻板印象的一集。

首先，特效不是几个人坐在电脑前玩电脑。

它是一个非常综合性的工作，包括画面创作、管理、创作、对画面的理解、对电影的认知。

这也是国内赶工似的人才培养无法达到一个很好效果的原因，综合性的人才是稀缺资源。

其次，特效特费钱。

大场地要交房租、养一两百人要发工资、正版软件要钱、电费一个月就是几万……接着，国内外特效发展过程和层次的不同。

美国是从传统的特效开始的，比如微缩模型，然后一步步发展到现代数字特效。

还是上面赵楠的那个问题，美国在特效方面有着深厚的积累。

而中国则没有这些经历，空中起高楼，于是断层就出现了。

最明显的例子就是虚拟人物这样的核心技术。

比如“灭霸”这个角色，我们还无法承接这样的镜头。

而像《阿丽塔：战斗天使》中阿丽塔这个角色用到的技术，可能拿到国内都没有人会用。

最后是特效制作过程的不易。

《邪不压正》里姜文会随时随地考特效人员北京建筑的高度；《流浪地球》需要一遍一遍又一遍地返工修改，就连雪屑都要一帧一帧检查以做到细致真实；《一出好戏》的黄渤要求相当高，每一个景都需要仔细制作……由此可见，特效不仅是个细致活儿，还要应对不同导演的苛刻要求。

最后，咖爷想来说说叶锦添这一集。

比起电影，更有意思的是叶锦添其人。

他负责过《卧虎藏龙》《赤壁》《夜宴》等大片，并凭借《卧虎藏龙》拿到奥斯卡最佳艺术指导，知名度在美术设计这一领域中无人可比。

作为一位艺术家，叶锦添在14分钟里展现了他的大师风范。

比如他觉得“美术是另外一个导演”、“通常都是我让导演头痛”……光是上面的两句话，我们就已经能够感受到他那种对于自己工作的热爱了。

作为一个香港出生、台湾工作、后与大陆导演合作的美术指导，叶锦添对于三地之间的区别有着强烈的感受。

香港是大量借鉴西方，台湾有一点中国的元素但还不够，回到大陆才逐渐找到了那种“东方美”。

比如在拍《大明宫词》的时候，他就已经感受到了大陆观众极高的接受度。

他甚至称之为是“文艺复兴”。

除了人生经历、工作经历，叶锦添还提及了张国荣的八卦：

啊，哥哥真是太可爱了……同时，叶锦添也谈到了美国和中国电影行业的差距问题：

叶锦添也对今天的中国电影作出了评价：现在是一个迷失的时代。

其实，这在配音演员阿杰的部分也提到了：模仿可以理解，但是最后一定要发挥自己的特点。

目前中国的电影市场，很多人还停留在模仿的阶段，却没能达到百花齐放。

《我在中国做电影》不仅拍出了摄影、声音、特效、美术、配音的种种魅力。

也让我们认识到了，中国顶尖的电影从业人员，对于电影的态度——曹郁的方法论、赵楠的女性态度、特效团队的情怀、叶锦添的大师风范、阿杰的传承精神。

可能作为一部深度阅读的作品，它远远不够。

但作为一个点燃激情的火花，它绝对是最适合的。

《我在中国做电影》中所反映出的中国电影的困境，是非常值得重视的。

当一个快速发展但不够扎实的时代过去之后。

我们需要用怎样一种态度去面对我们的电影？

本文作者 |枕云 @文化咖孵化工场成员本文由文化咖原创，未经授权不得转载投稿或合作事宜，请添加微信“文小咖”（ID：cultureca）

让我看到了真实的中国电影幕后工作人的情况，有无奈，有希望，有梦想，中国电影未来的走向当然是商业化和工业化，但是影视在流量的冲击下越来越乏味，观众对电影的要求和制作方的作品的要求是互相影响的，希望两者可以多一些良性的互相促进 时常因为觉得自己的鉴赏能力提升追不上制作者用心的程度（而且现今的鉴赏能力并没有在提升）而感到羞愧，虽说我并不懂艺术，但是确确实实能感受到它的力量 希望在短视频的流量红利浪潮过去之后，平台不再产出流水线式的傻瓜视频，更多用心制作内容的人可以受到关注，因为日常的视听内容在真真切切的影响着我的观感，无脑的内容在影响着我的思维，还是决定退网一段时间，怪自己的定力不够，很难不被互联网上的内容影响，这一年要多看书，经典的电影，纪录片，让自己的精神世界不再这么空虚

关于电影，我们可能了解的最多的是演员的演技，剧情的好坏，但电影的背后，还有更多我们看不到的东西。

—— 知其然知其所以然关于摄影，那么多厚重的东西，看了纪录片，感觉自己充实了不少。

不再那么虚无缥缈。

1.对于摄影其实有些共鸣的，只不过曹郁有能力，同时在执着，他的圈子也都是一类的人。

同样是普通人追梦，作为一个普通摄影爱好者，我学到很多。

在现实中，更多事情上，也许有阻碍，但希望我们内心能坚持初衷。

❤️2.关于拟声一直很佩服这种人，所有声音全靠想象。

真的是很有创意的工作。

但是，也了解到这是一份孤独的工作。

3.关于特效没那么简单，越来越相信艺术来源于生活，高于生活。

一步一步，不可缺少。

4.关于服装道具如果用心去准备，那得多么复杂的工序，多么深厚的知识背景，同时也是可以学习充实自己的过程。

5.关于配音百变音色，声音的魅力。

如果我能够学一点皮毛，哪怕是用丹田发声，保护好嗓子也行啊！

影迷看过来，给大家介绍一部轻松好看的纪录片——《我在中国做电影》

《我在中国做电影》是2020年2月底才上线的纪录片，片子只有5集，每集只有15分钟，用一顿饭的时间就能追完。

内容主要聚焦于美术、声音、特效、摄影、配音这5大电影幕后工种，简直是资深影迷的饕餮盛宴，每集请来一位或一组代表着当今中国电影产业最高水准的专业人士，让观众了解电影制作的故事。

其中还囊括了《妖猫传》、《影》、《南京南京》、《八佰》等各大电影的幕后纪实。

美术、声音、特效、摄影、配音，这几个专业名字听起来很乏味，它们的背后似乎都隐藏着一大堆晦涩的名词解释。

就连电影节颁奖，大家也都只关注影帝影后奖。

摄影奖、音效奖、美术奖这类奖项则基本没有热度，甚至被插播进广告。

电影结束时，他们的名字也被放在很后面，字幕还没滚完，观众就已经走完了。

那为什么他们如此不受人“待见”，可全球的电影节却还是要为他们保留一个奖项位置呢？

看完《我在中国做电影》就知道了。

《我在中国做电影》第一集，请来的是曾上过《美国电影摄影师》杂志的曹郁：

大部分人认识曹郁，是因为他的妻子姚晨，但其实曹郁本人，是一个非常厉害的电影摄影师。

曹郁毕业于北电摄影系，毕业的第四年，他就凭借一支广告获得了纽约广告节摄影奖的提名。

2004年凭借《可可西里》获金马奖最佳摄影；2009年凭借《南京！

南京！

》获圣塞巴斯蒂安国际电影节最佳摄影；2017年凭借《摆渡人》获金像奖最佳摄影奖；2019年凭借《妖猫传》获金鸡奖最佳摄影奖。

可谓战绩不菲。

很多人不知道的是，摄影和摄像并不是一回事，摄影师不仅要负责拍，还要负责电影里的光影控制。

也就是说，一部电影所呈现出来的画面质感，是导演和摄影师相互协作的成果。

就拿《妖猫传》来说，片中杨玉环回眸的这一幕，是影片的重中之重：

为了这个镜头，曹郁准备了好几十根蜡烛和各种不同的现代灯具。

蜡烛围绕着放在演员的身边，LED灯往演员脸上打出层次感，然后还找了一种叫作特图利的可以打出很小光源的灯，专门打在演员的眼睛上：

看这个无滤镜的幕后花絮图：

我们可以看出杨玉环脸部和肩膀上的光影轮廓，这不只是化妆的作用，更多的是灯光。

这样才拍出了杨玉环回眸一笑百媚生的感觉：

所以大家看到的这个“百媚生”，不只是演员演出来的，还有摄影师拍出来的。

《妖猫传》是一部奇幻片，所以曹郁用了很多现代灯具来做光影，营造唐朝盛世的梦幻感。

而拍《南京！

南京！

》呢，用的则就是单一的白光了：

这种朴素的白光恰好可以拍出一种雕塑感，所以观众才会感觉角色特别有力量。

教堂里的这场戏也是光影运用的极致体现：

所有人站满教堂的时候，只有窗户那边进来了几束代表着希望的白光。

这一刻充满了压抑、痛苦和希望。

如果没人举手，那意味着毁灭；如果有人举手，那意味着牺牲与伟大。

所以当教堂里的女性们一个接一个举起手时，手掌上的光影就成了重点：

尤其当光越来越强烈，强烈到能看见空气中的灰尘时，精神感就凸显出来了。

除了演员的演技，这些黑白光影、空气中的浮尘，其实都是我们的哭点，只是作为观众的我们，经常忽略了镜头的力量感而已。

摄影还不是一门单一的技术，按曹郁的话说，摄影就是一门艺术，绘画是他们的修养基础。

曹郁谈到，他第一次去和陈凯歌导演讨论《妖猫传》时，是带着一个登机箱去的，里面装满了画册。

然后曹郁给陈凯歌看了爱德华·蒙克的画，他想以此为视觉参考，来做《妖猫传》的背景色调。

所以在《妖猫传》中，我们看到了很多以蓝绿色为主色调的背景：

拍《八佰》时，曹郁参考的则是毕加索蓝绿时期的画作：

但《八佰》中加了很多黄色来做蓝绿色的反衬色调，大家看这个镜头就是蓝绿偏黄的：

这种柔和中透出来的残酷感，恰好符合《八佰》的气质。

曹郁还称《八佰》是他最满意的一个摄影作品，这个我们可以期待一下。

第二集讲的是音乐效果，请来的是负责过《影》、《记忆大师》、《重返20岁》、《寻龙诀》、《狄仁杰之通天帝国》等作品的赵楠女士。

她曾多次提名金鸡奖和金马奖的最佳音效奖及最佳录音奖，凭借《狄仁杰之通天帝国》获得金像奖的最佳音效奖。

与摄影不同，音效是一个非常孤独的职业，尤其在这个同期声越来越少的时代，音效师们基本都是独自坐在录音棚里工作的：

比如张艺谋的《影》，看过《影》的观众都知道，影片全程伴随着雨声。

为了做《影》的雨声，赵楠和同事把全世界有关雨声的素材都下载下来了。

不仅如此，他们还要自己录，哪一天看见下雨了，马上抱着设备跑出去录雨声。

赵楠表示做《影》的那段时间是最压抑的，因为上班听雨，下班了还要录雨，每天都阴沉沉的，整个人很down。

也有一些团队协作，许多我们听到的脚步声、踩水声、刺剑声，就是好几个人用奇形怪状的姿势趴在房间里合作出来的：

为此他们还要研究一些构造知识。

比如《影》里郑恺被刺的这幕：

他被刺完之后讲不出话来，不是因为声带受损，而是因为剑刺进肺部，造成血液反流，血进了肺，人一开口，血就会涌上来。

所以为了做这一剑的声效，团队还用鱼鳔做了一个仿真的肺。

在赵楠看来，声音是被动且恒定的，它是五官中影响人情绪很重要的一官，而且它对人的生理性影响不会被改变。

就拿怪兽的叫声来说，很多人害怕怪兽的叫声，不是因为它声音大，而是因为它声音中有次低频，次低频是最让人感到害怕的一个频率。

所以做声效靠的是感知与感情，而不是靠素材。

很多人以为大神能做出丰富厉害的声效，是因为他们电脑里存的素材多，但其实根本不是。

赵楠拿到片子的时候，做的第一件事是想象，她先看着无声的画面自行想象出大概五六种声音，然后再去找素材，找不到就去录或者制作。

如果只是像拼图一样，把现有素材往画面里嵌，那是做不出好音效的。

除了摄影和音效，《我在中国做电影》还讲了配音、美术、特效等方面的故事，有兴趣的可以去看正片，这里就不多讲了。

有人可能认为一集15分钟太短，讲不出深度，但对于一般影迷来说，这个时长其实正好，既不费心力，又可以掌握一些入门级小知识，提高一下观影水平。

太深度的话，那就是老炮专场了，对于一般观众来说会有点晦涩。

《我在中国做电影》让人感受最深的一个点就是：做好一份工作，除了兴趣之外，还必须耐得住寂寞。

认真、痴狂、专注、孤独、知足，一样不可少，有时候你甚至还得甘于承受一些职业伤害。

比如曹郁，不工作的时候，他就看大量的画作，研究其中的光影运用，这就是必须沉下来心来去积累的。

音乐也是他的灵感来源之一，有时候创造光影，音乐的起伏、氛围，都帮助他渐入佳境。

再比如赵楠，为了做好音效这份工作，赵楠养成了随地记声音的习惯。

她随便就可以说出重庆的高架桥上有哪几种声音，江边从白天到黑夜都有KTV在营业，还有高架桥上的汽笛声，和江面上的油轮声。

老上海的弄堂也很典型，一般是马桶的使用声，和小自行车的车铃声。

在家里，赵楠也利用听觉判断一切事物，比如老公何时出门，她还可以只靠听，就听出楼下的店面煮的是饺子还是面条。

长期的职业积累习惯使得听觉成为了赵楠五官中最敏锐的一官，但也以此带来一些伤害。

比如赵楠从不戴耳机听音乐，家里也没有任何播放器，她甚至下班回家看电视，都是关着声音看字幕的。

因为上班时间听了太多声音，下班再听的话她会睡不着。

经常夜里两三点，别人都睡着了以后，赵楠则是走进录音棚，把一千多个素材，一个接一个地放。

直到现在，赵楠都说不出自己到底爱不爱这个职业，只是他们那个年代的人，有了一份工作就天然感觉要做一辈子了。

这种说不出爱与不爱的朴实，反倒成就了一代匠人。

青石电影编辑部/老王

工整的人物专题片吧，不能叫纪录片。

看了看评论，打高分的都是因为情怀。

采访这些人，或者说把视角放在他们身上肯定是好事，是有价值的。

但节目，是个高中生水平。

名字起的非常好，我在中国做电影，感觉像是要洞察一个行业在当代的发展。

但实际上片子就是人物采访介绍。

为什么说这部片子低龄化，因为他缺少了最基础的横向和纵向的延伸，横向是指，这个工种和其他工种的关系，为什么不采访导演、制片人等对这个工种、这个人的看法，只是讲他的获奖经历，视角单一。

另一个横向是，为什么不与好莱坞宝莱坞韩国做对比，这个工种的从业人员数量，薪资体系，受尊重程度，分工方式有何不同，造成的结果是什么样子，别人的弯路我们会不会走？

纵向，只是讲了他们个人的从业经历，但没有讲这个行业在中国的发展历程，遇到的问题。

2、没有深挖行业的问题，没有从商业模式和市场模式的角度看这个工种，比如为什么那么累，为什么熬夜？

是工期短还是很多电影同时做？

别说篇幅不够，里面废话，重复的话非常多，看似干货多，其实水分大。

都在讲个人情怀，只是讲了几个小案例就让人觉得干货多。

总之资源很好（能拍到这些行业人物）；名字很好（当然也是学习了我在故宫修文物），这个结构很好用，（我在峡谷送人头；我在探探谈人生）；文案水平太差，也就是开端的策划差，纪录片专题片也是有策划的，专题片的目的是什么？

叙事手法是什么？

采访者出不出镜？

等等，都会让观感不同。

文案格局低，只是见到了自己，没有见天地，更没有见众生。

编导文案对行业其实还是不了解的，在这些行业人物面前没办法平等对话，也就是我们总说的，捧着聊的。

对了，编导和摄像的年纪应该不会超过28岁，叶锦添的采访，编导想要那种人在画左看向左边画外说话的倾诉感，但采访者站的位置不对，出现对话视线的问题，你一定要让采访对象直视你，否则他会一直用视线找你，眼神在飘。

大家都说，眼睛是心灵的窗户，那我便认为声音是眼睛的大门，聚焦电影声音这一工种是国家一级录音师、奥斯卡评委会成员赵楠老师。

她认为，从技术上来讲，现场捕捉的声音远不足支撑一部电影。

在《影》中，没有效果器、低音炮，而是尽最大力度还原声音的本真，对最原始声音进行捕捉再合成。

阴与阳、动与静，是赵楠给《影》声音的风格定位。

她根据定位寻找符合气质的声音元素，所有声音相互配合，只为让观众感受如此阴阳动静。

《影》是连下七天雨的故事，通篇两个小时被雨声铺满。

两国交战，不同雨声暗示着不同国家的基调，沛国的雨阴阴郁郁，敌国的雨暴躁刚烈。

在制作的过程中，赵楠捕捉了大量雨声素材。

她还跟随剧组，在拍摄环境下捕捉了许多自然混响，让声音的组合更加丰富自然，给人以真实震感的感觉。

比如剑穿铠甲的声音，这一个动作，起码七种声音合成。

首先穿断金属铠甲，再刺穿皮子，再进入肉、穿骨头缝、金属与骨头缝的摩擦声，爆破似的穿透出来，最后还有血流出来的声音。

是这样的声音加持，才铸就了壮阔与精致同在的《影》。

（源自百度）声音往往能烘托气氛，声音越多所含的细节越多，在不同的声音下也能透露出不同的心情，交代人物心情，铺垫故事情节……

众所周知，电影是公认的“第七艺术”。

在大银幕上，我们见证了一场场悲欢离合，也体会了无数的美好与感动。

但在银幕之外，我们对于电影拍摄、电影制作本身，却知之甚少。

最近，一部新出的国产高分片就开创先河。

它将镜头聚焦于幕后，为我们讲述中国电影那些“最不可告人”的秘密——我在中国做电影导演:米若羲主演:叶锦添/ 曹郁/ 赵楠/ 张杰/ 丁燕来/ 魏明/ 周逸夫首播:2020-02-28(中国大陆)集数：5单集片长：17分钟

这是国内首部聚焦中国电影幕后人物的微纪录片。

一共5集，每集不到20分钟，可以用短小精悍来形容。

在每一集里，从美术、声音、摄影、配音、特效五大核心领域，分别讲述一部电影的幕后制作过程。

第一集所讲述的，就是电影中的摄影。

陈凯歌曾说，一个剧组里，有两个角色可以被称为Director（导演），一个是导演，另外一个就是摄影指导。

摄影于一部电影有多重要，由此可见一斑。

作为国内顶级的摄影师，曹郁在片中分享了很多经验之谈。

他首先厘清了两个概念的区别——摄像与摄影。

后者比前者更难，因为摄影不仅仅要拍摄，还要把控整个光影与气氛的变化。

在电影《妖猫传》中，张榕容饰演的杨贵妃回眸一笑，是片中最经典的场景之一。

为了拍好这一幕，以曹郁为代表的的摄影团队在光影上下足了功夫。

首先，他们准备了几十根蜡烛，分别放在脸的左侧和下侧，用以制造一种非自然光的效果。

接下来又用上了led灯带，让皮肤从所有的反射角度看上去，都有一种偏现代的光泽感。

这样做还是不够，因为最重要的眼睛部分并不突出。

于是他们又用上了特图利灯，专门在眼睛部分进行打光，使人物显得有神。

你可能想不到，就是这几秒钟的一个镜头，在摄影时竟然动用了灯笼光、蜡烛光、led光、特图利灯光等多种道具，才产生了我们最终看到的光效。

“回眸一笑百媚生”的绝色，在此得以最完美的诠释。

与《妖猫传》的复杂程度不同，电影《南京！

南京！

》中采用的是传统的灯光。

用单光源把人物拍出雕塑感，才使得片中的角色更具力量。

尤其值得一提的是，这部电影中有场教堂里举手的戏。

曹郁对这场戏的理解是，汇集了众人的教堂就像一个海洋，而手就像帆，象征着希望，举起时有一种信念感。

在拍摄这一幕时，教堂的窗户是开着的，因为他算好了时间，在等待太阳光从那里照射进来。

当这束光真正出现时，可以清晰看见手掠过光线，甚至能看到空气中的灰尘。

摄影对于剧作寓意的烘托，被这一幕体现的淋漓尽致。

如果说摄影是一项需要与导演、演员互动配合的工作。

那么电影中的音效处理，就是一项自我、独立，甚至说孤独的工作。

从业几十年的赵楠，对此深有体会。

做电影音效，首先需要的就是想象力。

当你看见一个画面时，脑海里要瞬间反应出五六种声音。

在形成了一个思维的创作过程之后，才能去进行实际上的操作。

比如，当你看到重庆，会想到江边卡拉ok的声音，以及游轮的鸣笛。

看到老上海，就会联想到弄堂里的小自行车铃声等等。

音效制作看起来是一项轻松的工作，事实却并非如此。

在制作《影》的音效时，赵楠就经历过近乎崩溃的状态。

由于片中有大量的下雨戏，其带领的音效团队，几乎把全世界所有关于雨的音效素材库全买了。

但他们还是觉得不够，于是到后来只要看见现实中下雨了，就立马拿上设备出去录雨声。

在《影》的成片中，每一场下雨的戏份，少则三四十条音轨，多则五六十音轨，其复杂和困难程度可想而知。

郑恺饰演的沛良，在《影》中有一场从身后被刺的戏份。

要真实地模拟、还原兵刃刺穿身体的声音，是一件很困难的事。

赵楠和团队尝试了各种道具，效果都不理想。

最终，他们模仿鱼鳔做了一个肺，在刺破的瞬间能发出相当逼真的声音，才达到以假乱真的效果。

用赵楠的话说，虽然手法是假的，但情感是真的。

真与假两相结合，才成就了电影中关于声音的幻术。

和音效制作同样孤独的，是电影的视效制作。

在过去，国产电影的视效制作曾经不受重视，被认为是修修威亚、穿帮这么简单。

“五毛特效”的骂名，也被这个部门背负了多年。

但只有业内人士才知道，其实国产电影特效的产生与发展并非一帆风顺。

一切还得从特效制作的产生开始说起。

特效制作诞生于美国，最早的传统特效包括微缩模型、光影、剪切分层等等。

随着电脑和技术的数字化出现，传统的模型逐渐转移到三维软件，通过合成的办法去实现和渲染。

可以看出，美国经历了从传统特效到数字特效的全流程，无论在理念和技术上都是一步步经历过来的。

但中国电影没有经历这些过程，所以才会在技术、灯光渲染、特效制作人员的艺术修为上存在断层。

电影特效技术发展至今，国内特效公司在场景制作、硬体类的角色上，已经基本接近好莱坞的水平。

但是在一些核心技术，比如虚拟人的制作上，仍然与好莱坞存在差距。

即便如此，我们也有着自己的优势。

比如，在一些涉及中国历史和中国文化的特效场景中，国内的制作水平就要优于外国的团队。

最为典型的例子，就是《邪不压正》。

在制作《邪不压正》中场景之前，特效团队共收集了一万两千多张老北京的照片。

到了实操时，光是北京的四合院特效模型，就做了六千多栋，树做了一万多棵。

片中有一个镜头，是巧红张开双手，在牌楼顶上走动。

这个镜头有一个360度的旋转，基本把整个北京拍全了。

而观众在此看到的每一个细节和角落，都是特效人员在幕后加班加点、奋战无数个日夜的结果。

还有去年春节档票房冠军《流浪地球》，也是一个将特效做到极致的典范。

全片首场大的灾难戏，是一个有着坍塌效果的镜头。

在这个画面里出现的每一处山形，都要先在电脑上雕琢出来，把所有的光影渲完。

最后，再根据光影和山形，去做碎石的碰撞效果以及烟体的解算，这是一个相当费时费力的过程。

片中还有一个长达50多秒的长镜头，从点及面，由地球升上太空。

为了达到最理想的效果，这一幕光是做相机的运动效果，就调了五六十版，复杂和困难程度可想而知。

当然，也正是由于特效团队这样的努力，才使得这部电影成为了中国科幻片的里程碑。

除了上述三集外，《我在中国做电影》还讲述了配音、美术等重要的幕后环节，采访了叶锦添、阿杰、丁燕来、魏明、周逸夫等顶级制作人。

于普通人而言，它是首部揭秘电影幕后制作的良心好片，讲述了不同工种的创作心得，真实呈现电影工作者的幕后状态。

于影迷而言，它又像是一堂生动的电影课，传授关于电影创作的知识干货。

当然，在我看来，它更像是一封写给国产电影的情书。

以最真实质朴的笔触，献给每一位国产电影的幕后工作者。

追溯国产电影的过去，这是一段曾艳惊世界，但是也曾饱受争议的历史。

近年来，无论是《流浪地球》这样的里程碑式作品，还是《哪吒之魔童降世》这样的现象级爆款，都让我们看到了国产电影在不同题材、不同类型上的进步与突破。

而《我在中国做电影》的出现，更是向我们展现了银幕背后的中国电影人，在各个岗位上的坚守与热爱，也让我们看到了国产电影向上生长的力量。

向每一位国产电影的幕后工作者致敬，也祝愿国产电影能够越来越好。

*本文作者：张不才

“我在哪里做什么”的系列应该做下去，以增进人们对于某些特定行业的了解，而不仅仅只是“不就是什么什么”。

任何一个小众的领域，都有其极强的专业性和复杂性。

电影，就是一个很好的入口。

五期分别是摄影、拟声、视效、艺指、配音，虽浅尝辄止，但以目前的情况来看，能达到普及的意义已经是非常好了。

第二期拟声，赵楠谈到工作的独立性，那种独自一人包裹在录音间的独特体验，值得去了解与感受。

谈到中国社会及行业的变化，也有许多无奈，尤其是关于“术业有专攻”的表达，戳中每一个技术与艺术交融性行业创作者的内心，中国是发展快，中国人干活也快，但中国与美国，“差距在高端”。

到了第三期视效，中国电影行业及电影人与世界顶级电影大国的实力差距，就更悬殊了。

在视效领域，更能让人强烈地感受到电影的工业感，这一行具有极强的技术性。

今天，中国最好的视效工作者，对于美国的视效工具，即便能拿来，也根本不会用，如同几十年前，人有原子弹而我们却没有，什么时候我们能研究出同样的视效工具，并且熟练使用，才算是在这一领域，有了自主权，拥有了保卫自己作品的能力。

中国电影不成熟，包括市场不成熟、观众不成熟、技术不成熟。

就像这些年一直提及的，钱过分花在演员身上的问题，造星当然很重要，演员与角色是令观众瞩目与记忆的核心，明星制度也是美国创作出来的，但是美国已经走到下一步了，已经实现了全产业的成熟，而我们还仅仅局限在演员，又落后一百年。

视效是电影整体产业能力的一种极致体现，它更为赤裸、更为直观，比声音和摄影等更容易让普罗大众感知到，所以好了就真是好，差了也真是很差，容易被误解与吐槽。

可其实，真正的问题并不在于单一领域。

第四期叶锦添，可谓此系列的高潮，艺术指导体现了一个人“对历史、对人情世故、生活细节的认识”，这句话说得真好，这也是一个人、一个行业、一个国家与文化的不可替代性所在。

能感觉到叶锦添对于跨世纪时间段的认可与怀念，这个世界会更好吗，不会，但起码，每个人先做好自己手上的事吧。

电影工种繁多，我在中国做电影系列，要再拍下去哦。