局部第一季

像听美术史一样听课，做笔记。

【第一期 千里江山图】中国山水画的发端比欧洲人所谓风景画早了上千年。

隋的展子虔（北周末隋初《游春图》），唐的李思训、李昭道父子。

台北故宫有李思训的《江山楼阁图》，虽然也可能是后人临摹的，但目前说就这么一张。

他还画过另外一幅画，是以大孤山小孤山作题材，苏东坡曾经拿李思训的画做过一首词。

现在只剩苏词，不剩李画了。

唐以后，短短的五代，出了董源（南唐，《潇湘图卷》）、巨然（南唐，《溪山兰若图》）、荆浩（后梁，《匡庐图》）、关仝，再过六百年，董其昌落笔提款，动不动就拿这几个前辈讲道理。

到了北宋的刘（刘松年）、李（李唐，北宋，《江山小景》）、马（马远，宋，《踏歌图》）、夏（夏圭，北宋，《溪山清远图》），山水画的气格越来越大，路数也越来越多。

【中国山水画的一场意外】这一期讲宋徽宗年代王希孟二十米长的手卷《千里江山图》。

隋唐五代，宋元明清，许多大师都有专门的研究，专门的本子，但是很少看见专门谈论王希孟的著作。

民国的一位叶恭绰（1881-1968）似乎写过一个画论，里头专门有一段文字写得非常精彩，是关于《千里江山图》的。

这幅画现在还在故宫。

王希孟在画的时候只有十八岁。

先看手卷终端的一篇题识：政和三年闰四月一日赐希孟年十八岁，昔在画学为生徒，召入禁中文书库数以画献，未甚工。

上知其性可教，遂诲谕之，亲授其法。

不踰半岁，乃以此图进，上嘉之，因以赐臣……【另一位少年天才委拉士开兹】委拉士开兹20岁被皇宫召进去做宫廷画家，给菲利普四世画了一辈子的像，差不多到了60岁才得到了公众主管的位置。

他在晚年著名的大画《宫娥》当中，特地穿上这件有爵位的衣服，腰里面别了一串钥匙，很郑重地把自己画出来。

【对“孩子”的概念古代和现在完全不同】尼尔·波兹曼（美）《童年的消失》今天，我们在一切领域只划定成人和儿童的区分。

而在农村，有些孩子叫父亲就直接叫名字，这在美国更普遍，跟兄弟一样。

【艺术史上的杰作多是年轻人做的】在一些工艺要求特别精密的手艺中，只招十四岁以下的小徒弟，过了十四岁心不静、不纯了。

过了十八岁，孩子就转向智力。

法国的兰波十九岁就不写诗了；莫扎特、圣桑，身体还没发育就已经开始作曲；米开朗琪罗雕刻《圣母和耶稣》时23岁，雕刻《大卫》时26岁；德拉克罗瓦23岁画《但丁小舟》；毕加索最迷人的玫瑰色时期也就是20岁上下。

绘画是手艺，手艺第一，手艺之上，眼光第一。

眼光分两层，一是观察之眼，一是一边画一边判断自己的画，是经验范畴。

观察之眼不可学不可教，也就是天份。

【十八岁好比崭新的电影】十八岁的感知是全息的。

整体地看隋唐的绘画（李昭道，唐，《明皇幸蜀图》）加上东晋顾恺之（《洛神赋图》）画的山水画，是中国山水画的胚胎和萌芽，是童年期。

早期文艺复兴（桑德罗·波提切利《春》）的意思非常像隋唐的画，一股子少年人的稚气、秀气、灵气和英气。

五代北宋的山水画（李成，五代宋初，《晴峦萧寺图》）格局扩大，气势雄浑（董源，五代南唐，《龙宿郊民图》），用墨慢慢老熟，但是宫廷仍然热衷青绿山水画。

当时的青绿山水也是一种歌功颂德，是主旋律题材。

《千里江山图》的野心远远超过隋唐的展子虔和李思训，王希孟沿袭的全景观是五代北宋开拓的图式，犹有过之。

《千里江山图》开阔得非常具体，每个局部都是一幅画。

通常成年的老熟的大师喜欢做减法，也即取舍和概括；十八岁的王希孟忙着做加法，通篇贵气，清秀逼人。

十八岁干事其实是不自知的，好也好在不自知。

【《清明上河图》vs《千里江山图》】《清明上河图》是世事繁华的史诗，《千里江山图》是锦绣河山的颂唱。

元代王振鹏又有《江山揽胜图》，论画品、气格，到底远不及《千里江山图》。

明清文人画确立了山水画中的老人符号，晚清民初的黄宾虹（《溪山草堂》）、齐白石、张大千又坐实了这类符号的单一想象。

《千里江山图》中则是十八岁的美少年，长几岁、小几岁，都不会有这幅画。

他好像知道，过几年就死了。

（记于2020.2.5）【第二期 死亡的胜利】【无知的好处】意大利比萨斜塔旁边有个圣墓园。

15世纪的戈佐里，佛罗伦萨美第奇宫小告解室《博士来拜》，是整个文艺复兴壁画的一个符号。

木心：“元气就是孩子气。

”【陈丹青发现壁画新大陆】14世纪，博纳米科·布法马可《死亡的胜利》《地狱》，活跃于乔托晚期（对应中国明早期，对照文人画，文征明《携琴访友图》，沈周《三棵梓树图轴》，唐寅《松溪访隐图》）西方艺术史有两三万年，绘画史有两三千年，但是西方绘画史回溯到文艺复兴，也就是13世纪开始讲。

（相当于我们讲到魏晋唐宋这般古老）【油画不是欧洲最伟大的画】欧洲最好看的是湿壁画（原意是“新鲜”，先将研磨好的干粉颜料掺入清水再将颜料涂在刚抹在墙壁表面的湿灰泥上，干燥之后，图案便永久保存于墙壁表面）对应于中国魏晋唐宋的工笔重彩，但是工笔重彩画传世太少；湿壁画在意大利太多了。

湿壁画：《报佳音》，弗拉·安杰利科，圣马克修道院；《圣像》，圣彼德·保罗教堂；《最后的审判》，西斯廷教堂。

意大利：乔托，安吉利科，马萨乔，弗朗切斯卡，利皮，戈佐里，基尔兰达约（拉斐尔的老师）。

到15世纪中叶，文艺复兴盛期出了文艺复兴三杰。

布法马可的画是轰炸后的碎片修复的。

二战中达芬奇《最后的晚餐》壁画屹立于战火，没有损毁。

《死亡的胜利》上面画着棺材、死人堆，画着贵族的男女在游冶、在宴饮、在树林中，上端是天使。

布法马可画完几十年，欧洲发生黑死病，过后庆生时在画旁狂欢。

薄伽丘《十日谈》几次提到布法马可，说他是调皮鬼。

《地狱》画着油锅、毒蛇、巨兽在吞吃下地狱的人，还有大群的圣徒、判官、军队，杀头和将要杀头的，妇女纠结成一团十分恐惧。

【早期艺术的独特魅力】斯宾格勒《西方的没落》：各文明各种文化都有春夏秋冬，生老病死，每个画家、每个画派也都有自己的早期、中期、盛期、晚期然后没落死亡。

早期作品要面对两个历史任务或者说历史机会。

一个是新的主题。

素材一样，但主题不一样，尤其是形式不一样。

所以早期作品再幼稚，它有原创力。

一个是新的工具。

湿壁画到乔托这儿有个新阶段。

新主题新工具互为因果。

到布法马可这儿湿壁画非常壮观。

早期作品都很简单但是生猛，都很幼稚但是天真，都难免粗糙但是精力饱满，即“元气淋漓”。

中国敦煌壁画，唐宋的敦煌壁画最好看、成就最高，如果要论元气淋漓、动人、想象力、生猛，我们会喜欢北魏的壁画。

——龙门石窟（唐）与云冈石窟（北魏）艺术最要紧的是直觉、本能、最新鲜的感受力、可贵的无知。

贡布里希：美感是需要导引和学习的。

【中欧文化的巨大差异】尸体、棺材、屠杀，西方各种艺术一再出现的主题。

罗兰巴特：尸体作为尸体是活生生的。

中国的传统是《千里江山图》而不是《死亡的胜利》。

（记于2020.7.18）

最近在看陈丹青的《局部》，网络视频，共16集，目前第一季。

不好说这是个什么类型的节目，脱口秀似乎也不确切，作为“秀”，他的表达方式显然有差异；叫文化讲座又没那么系统和正式，漫谈式的格局，又总是从一个话题展开到另一个话题。

但就是这样一个不好定义的非类型化节目，却意外地具备了很大的吸引力。

对于公众人物，不论了解多少，我们通常总会有自己一个或直观或理性的认知，但对陈丹青，我心中却一直怀有一种不确定感，因此也无法有自己的评判。

他的社会知名度与其说来自作品，不如说更多来自他的公共行为，比如早年间尽人皆知的辞职风波，而一以贯之的老愤青做派更简直可以说是他的招牌了。

我在美院上学的时候他还在校，在东三环那个著名美术院校小小的原址里，你时常会邂逅一个穿黑色立领学生装的人迎面而来，圆眼镜后面一双愤世嫉俗目不斜视的牛眼，步伐总象是去赶着干一件什么要紧事似的，此人就是陈丹青。

从他身旁经过，你能感觉到一小股煞气和焦虑，这是属于他的气场。

画作见过几幅，在校内外各种大小展览上，没什么特别的印象，大约鉴赏力还是不够，也只会在看到署名时恍叹一声而已。

校内讲座听过一次，规模很小，没有明确主题，具体内容记不太清了，基本还是批判现行艺术教育制度大骂英语考试之类的，有两件事印象深刻：抽烟与骂娘，但南方口音的粗口，说实话有点儿怪怪的。

很惭愧，作为一名美术生，我并未对陈丹青的画有过深入了解，文学作品也是少有阅读，看得最多的恐怕还是网上流传的各种视频，讲座访谈之类的，还有一个跟韩寒的对谈印象比较深，他似乎有点儿把自己当成鲁迅了。

还是说回局部吧。

第一讲是王希孟的《千里江山图》，我当时一下觉得震惊了，瞬间竟有电光火石之感。

时空倒转穿越回某省某市某校某系的一间小黑屋里，三十多个人围坐在一起，随着幻灯机切换的咔哒声，墙壁上呈现出无比真切夺目的流光溢彩，那是中国美术史的作品鉴赏课，而让我最深深记住的，就是这个名字，王希孟。

“此画创作时作者仅18岁，也是唯一传世的作品。。

去世时年仅23岁。。

”，眼前一片青绿山水明媚，学习委员的声音都因此变得充满磁性无比动听，我瞬间感动了，不知是为作品还是生平，也许兼而有之，十几二十岁的年纪，最容易为这种传奇打动。

而到如今我已两倍于王希孟的年纪，却依然没有做成过一件也许在18岁就该做成的事，在漫长无为的岁月中，我是从什么时候开始把王希孟淡忘的呢？

貌似在讲画意旨又象不在画，他后来又讲了我喜欢的梵高，讲了我认识却不了解的《流民图》，讲了一直被我误解的杜尚，还讲了更多我从未听闻的画家和作品：徐洋、瓦拉东、安吉利科、民国女画家……看似随意的选题实则煞费苦心，以冷僻的画家或名画家的冷僻作品切入，牵扯出无数相关信息，这是他的眼界与学识；以他的视角和取舍帮你在某处开一个小孔，带着你从这些小孔中一窥艺术世界的万千精彩，这是他的趣味与手段。

“他总是越过故事主角的肩头，张望远处正在走动的人。

”这大约是他自己的方式，也是“局部”的释义。

节目平实的节奏彰显着巨大的用心：一幅幅作品精美逼真的呈现，适度的现代科技的融入，最加分的是音乐，严丝合扣，张亚东不只是个人名，那是品质的保障。

透过陈丹青干瘪得近乎枯燥的语调，你仍然可以感觉到他的悲悯与慷慨。

这实质上是一档门槛较低的大众美育普及节目，而真善美在当下的社会已如蓝天般稀缺，恶趣味，却如雾霾般长期驱之不散。

我也终于明白，不管是原来的老愤青还是如今好脾气（装的也罢）的娓娓道来，陈丹青也只是在做他自己而已，节目本身已如良师益友，与其妄加评判不如多看几遍。

1⃣️0⃣️ 《民国女画家》陈丹青先生说起民国女画家的时候，嘴角带着一抹温情的微笑，然后缓缓地、缓缓地说着话，话语如同暖阳之光，不同于之前的冷寂静谧，它从窗外洋洋洒洒、正大光明地浸入我们的躯体与思想。

原创|小孙字典没输字民国时代可以说是女性崛起的年代，从林徽因、宋氏三姐妹、陆小曼和杨绛等等，这些女人从外貌亦或是智慧都独具韵味，这些女性追求平等、渴望成功的欲望很强烈。

我们也能感悟到她们的倔强，感悟到她们如何义无反顾地创造生命，仿佛为当初战争年代的灰暗里加添了希望。

原创|小孙字典没输字这次提到两位中国女画家，一位是上海女子关紫兰先生，明艳的长相养出来一团静气，这团静气在画笔中也得以晕染开来，下笔颇有胆气，画笔纵横涂抹表现出娴静艳丽的欢愉气息。

而关紫兰的后半生大隐隐于市却也不掩她侠情柔骨的另一面，她施以援手资助恩师的孩子上学，鼎力相助恩师的家人归国，那层美丽的外表下流淌着人类的高尚品德。

人至暮年的她成了穿行上海弄堂间的妇人，偶尔爱去铜仁路喝咖啡，每月会去理发店修饰自己，嘱咐子女在她去世后洒骨灰到西湖，这样可以每年到西湖旅游，正是这样淡泊的态度成全她与世界一次坦诚的相知相惜。

原创|小孙字典没输字曾经名噪一时的关紫兰先生这一生也给我们启示，女人到了一定的年纪，即使是独一无二的也需向统一退让，即使是自由的也需向规则妥协，即使有着孤独的魂魄也需亲近群体，这才是能延续自己的生命。

原创|小孙字典没输字另一位民国女性画家丘堤先生，她不同留学日本的关紫兰先生那东洋路数，而是典型的法国路数，受到法国留学的丈夫影响，她掌握了温和的“立体主义”架构，画作有一种素简的气息，旧日的温良恭俭入了画魂，笔者偏爱她的《栀子花》，浓淡恰到好处，不温不火的风格使得物体有一种通透感。

看着《静物之二》光线洒在物体上面，让我们卸下生活的铠甲为《静物之二》里的物件和阳光停下来，感受到了一股佛的慈心。

原创|小孙字典没输字这期视频是最喜欢的，她们带着积淀时光的风雅碎步，轻轻叩响笔者的心门，相信这期视频会给你沉淀浮躁的内心，让你看到另一端日子的艰难与温情。

1⃣️1⃣️《徐杨的功德》世人皆知《清明上河图》，当我们的目光被它吸引的时候，再去看还有一副画也存在着重大的意义，这就是徐杨所绘的《乾隆南巡图》，每一个笔触都铿锵有力，那些风光、壮观的画面，不过因为是宫廷画师徐杨们在我们看不见的时候，流下了想象不到的汗水。

原创|小孙字典没输字这副画全凭画家的高超记忆力和精湛技术，描绘乾隆十六年乾隆皇帝第一次南巡的情景，让当时的“人间天堂，盛世繁华”的苏州城盛况出现在世人眼里，这是一件非常有历史价值的作品，真实反应当时社会风貌的纪实风格画卷。

中国拥有千年悠久的历史文化，我们作为炎黄子孙在历史的长河中寻找到一份情感的寄托，这样的画卷给后世遗留下了令人惊叹的历史。

嘿！

从室内到户外，换地盘了！

哈哈哈！

豁然开朗！

1⃣️2⃣️《讯息与景别》话说陈丹青老师提到画家卡帕奇奥眼睛不安分的时候，笔者不由得联想到疫情前那个无比快乐看着各路无名帅哥的自己，不安分的眼神也是捕捉美的眼睛，画下神明赐予世界的丑陋与美丽，即使是猖獗的丑陋，经过画家的神来之笔在观众眼中也只有满纸诉无尽的美丽，如火如荼地怒放，跃然纸上的智慧与美丽让后人的眼眸触及心灵并且重读信仰。

原创|小孙字典没输字卡帕齐奥的透视法，永远设定观众在现场，从观众的位置看出去，远远望去有很多人游荡。

而说到透视法，中国的长卷画与散点透视、移步换景相关，其“旷观”视角在古代好比纪录片的写实角度，然而这样“旷观”的角度就此止步于徐扬和王希孟，这样的美术史秘密就永远遗失了，去世的艺术家就此永远沉默了。

原创|小孙字典没输字不知为啥陈丹青先生在乌镇老宅前莫名流露出一种羞涩的感觉，乌镇也是很喜爱的古镇，尤其是晚上的乌镇夜色很迷人，暖黄色的灯光，那种暖色让人驻足留恋，早上那么多人瞬间消隐在低垂的夜景里，乌镇，按照旷观角度东栅的原生态文化底蕴、西栅的繁华喧嚣，如果是卡帕齐奥的透视法那就是亦或是泛舟在迷离的水乡上，遇颇有雅兴的船家即兴哼唱，亦或是找家有热气腾腾的小饭馆儿，惬意的吃着美味佳肴（记得光盘！

），亦或是石桥上看着灯火辉煌的建筑。

原创|小孙字典没输字以眼画美景，以笔写美景，以心记美景，这个场景从未离开过。

这一年，一门心思想成为代表性画家的杜尚参加了立体派的展览，潜心创造了著名的油画《下楼的裸女》，其实这幅画的动感非常有韵律感，只是对于评委而言这个作品就完全是不符合他们的审美，他们要求杜尚更改作品，杜尚没想到自诩倡导自由的先锋派竟然也 说是立体主义的极端表现。

原创/小孙字典没输字幸好杜尚没有人云亦云，他凭着自己独立思考的能力，思想和情感没有受到群体的感染，变得颓唐和放弃。

之后他凭着《泉》和独白成为了当代艺术的传奇，他又彻底颠覆了传统，神秘的蒙娜丽莎加了胡子后变成《L.H.O.O.Q》。

原创/小孙字典没输字杜尚抱着玩的态度去工作和享受人生，他一边创作艺术，一边沉醉下棋，顺便结识了一批狂热的国际象棋爱好者，国际象棋夺走了他全部的注意力，甚至一度对画画的兴趣也淡漠许多。

也许在他下棋博弈的时候获得了难得的宁静，完全没有对艺术品的嘈杂评论。

原创/小孙字典没输字杜尚在颠覆性的艺术行为中宣泄了他的人生态度，抨击了传统的西方艺术内涵，也颠覆了观众对艺术的认知。

他的一生也像自己的艺术充满着荒诞的黑色与有趣的灰色。

朋友因我之前吐槽一本关于影视欣赏的教科书而推荐了陈丹青讲述的《局部》，是2015年梁文道策划制作的视频脱口秀节目“看理想”的一个部分。

《局部》共16集，每集大概20分钟，主要讲绘画艺术的欣赏，也聊到其他艺术形式。

陈丹青没有按正统美术史讲法（时间，流派，代表画家和作品），而是以点发散，关注的是大历史里的小细节（比如他会挑梵高一幅画不下去的练笔画来展开好几个话题，用蒋兆和《流民图》来聊不同的文化传统对同类作品的评价差异），和这些小细节带给他本人的审美感动，所以我觉得节目名字“局部”太贴切了。

我是艺术尤其绘画的门外汉，小时候学校里美术课勉强及格那种，所以无法评论他观点的正确性，只有被科普的份，但有几点却触动了我。

一、元气满满。

这是陈丹青评价王希孟“千里江山图”时的话，后来他又在多处使用，比如瓦拉东作品，梵高早期习作，以及古希腊雕塑等。

他解释何为“元气”使用了木心的说法“孩子气”，也就是孩子似的不管不顾，青春的朝气、勇敢，以及原始野性之美。

这种美怎样从画里看出来我真不知道，但日常中倒是喜欢那些还葆有这些特质的人，大概“元气”这种东西都是先天带来，随着世俗成熟慢慢都会被消耗掉，所以犹为稀缺可贵。

有“元气”的人不一定周全，但一定真诚；不一定稳妥，但一定奋进。

这种真实而朝阳的人，有趣。

二、讯息与景别。

这是其中某集的标题，在这集里陈丹青花了很大篇幅讲电影的镜头和场景调动，来对比解读绘画里的群像以及场景安排。

相信朋友是因为这集而推荐我看的。

我固然被里面的技术解读震撼，但却想到红楼梦里刘姥姥二进大观园时贾母让惜春把大观园画出来，姑娘们聚在一起商量给惜春多长假期，其中宝钗的一大段道理真是把场景安排的难度说了个透“非离了肚子里头有些丘壑的，如何成画？

”（原文好长一段，有兴趣的参看四十二回的最后几页）。

现实里胸中有丘壑的人，也是能看到别人看不到的讯息，用于构建自己的画卷，绚烂或淡泊的随画卷生活。

这种看世界的视角独特而大气的人，有趣。

三、打开的作品（openwork）。

这是陈丹青讲到自印象派开始，绘画的成品变得没有明确的定义，是否画完，没有公认的依据，而全凭画家自己判断。

所以称其为打开的，是针对印象派之前的画，有明确的完成标准，是个封闭系统。

开放性带来的好处是绘画自由了，“一幅画可以永远画下去”。

画家们最头疼的就变成了不知道啥时候算画完了，陈丹青也终于明白了吴作人给他们上课时说的“应当知道什么时候停下来，要知道画，也要知道不画”。

我瞬间想到了“知止”。

《大学》第二句“知止而后有定，定而后能静，静而后能安，安而后能虑，虑而后能得”。

南怀瑾曾解读过 “知止”的一层含义是认清自己征服自己，深以为然。

人能做到的总比自己以为的多，而比自己想要的少，所以各种迷茫和焦虑。

但总有些人，不疾不徐，走在自己的时间点，一会儿慢，一会儿快，但清醒而坚定，因为知道要去何方。

这种“知，止，定”的人，同样有趣。

王尔德有句话“人不应该分为好人坏人，应该分为有趣和无趣”，既然无法判断好坏，那努力做个有趣的人总是件有趣的事吧。

拿着剧中局部的词句发散出我自己觉得有趣的想法，也算对《局部》的致敬。

千里江山图十八岁少年王希孟 艺术与年龄无关，少年的雄心与朝气赋予作品生气勃勃。

年少的未知，探索中的创造力，在创作中做加法，无限的表达和欣喜的尝试，发现大惊喜大惊讶，成就经典。

保留珍贵的孩子气。

死亡的胜利欧洲湿壁画 魏晋唐宋的工笔重彩画 早期作品的元气淋漓，原创力。

早期作品面对的两个历史任务，新主题新工具。

13-14世纪意大利画家：乔托、安杰利科、马萨乔、弗朗切斯卡、利皮、戈佐里《博士来拜》、拉斐尔老师基尔兰达约、布法马可《死亡的胜利》《地狱》 尸体、棺材、屠杀是西方艺术一再出现的主题。

卡拉瓦乔《埋葬耶稣》，大卫《马拉之死》北魏云岗石窟：作品的单纯、雄大气魄 唐代龙门石窟 可是艺术顶顶要紧的，不是知识，不是熟练，不是咱们现在说的所谓文化教养，而是直觉，而是本能，而是那种最最新鲜的感受力，甚至是一种可贵的无知。

艺术史有两三万面，绘画史包括古希腊罗马有两千年。

西方绘画史通常从文艺复兴开始。

人们总是关注成熟鼎盛时期的作品，固然这些作品的完整性技巧性艺术性高超，但早期作品的原创力、生气和表现力更加宏大而震撼。

最初的创造和探索是珍贵的，突破性的。

一路走来，从初创到成熟，是艺术家不断尝试、更新、融合的结果。

人民的胜利蒋兆和《流民图》 毕加索《格尔尼卡》 徐悲鸿 王式廓《血衣》描绘苦难是艺术永恒的主题，苦难往往比幸福更能打动人。

作品中的真挚、血泪，感染着每一个欣赏作品的人。

沉重的笔触，细腻的质感，饱满的感情，各种姿态各种情绪中的人群。

每一个人都会面临生活中的磨难，在痛苦中挣扎、煎熬着，只要精神独立，心灵沉着，我们就不是精神的流民。

初习的作品梵高1853-1890 荷兰时期：下层人民素描 憨，大巧若拙。

法国时期：油画。

后印象派三大画家：塞尚、高更、梵高关注所有画家所有时期的画，会发现不同的惊喜。

早期的作品稚嫩的笔触，不需要高深的技巧，复杂的构思，一笔一笔憨傻地画出来，表现出人和事物本来的特征。

创作的生命力，艺术的作品，在创作者执着的探索和尝试中，以最原始生猛的模样呈现出来。

忆起《月亮和六便士》中斯特里克兰的疯狂和执着，无人理解的对梦想的炙热，完成了自我和艺术的融合。

巴黎的青年塞纳河畔北岸卢浮宫，南岸奥塞美术馆。

最佳状态就是在作品原来的氛围的环绕中看到这副画。

每一种艺术都有它诞生的时刻，都有它生长、生成的那么一个阶段性的灵光，你可以叫那个是文化土壤，你也可以叫那个是时代的气氛，但是这个灵光一闪过后，一去不复返。

印象派：画自己的生活。

早期：马奈、塞尚、德加 后期期：莫奈、雷诺阿、巴齐耶。

梵高 巴齐耶29岁死于普法战争。

他是一个早熟的天才，很年轻就具有马奈和德加那样坚实的造型，同时又有雷诺阿和莫奈那样把握丰富色彩和微妙光影的能力，还有画场面性群像的能力，看上去不费劲、不着痕迹。

《画室》它就像一个早晨，像一个日子，像我们所有人都有过的一个青春的记忆。

《家庭团聚》《夏日》马奈潇洒和丰润，毕沙罗朴厚，德加神经质、穿透力和敏感度、杰出的造型能力，莫奈变化无穷，虽然已经有革命性的变化，仍然在前期浪漫主义的影响下，相对风格化，各有各激情的出口。

只有巴齐耶比较理性中性，兼有科学和诗意。

艺术和其诞生的环境是融为一体的，一旦离开最初的环境，艺术品的文化气息就会被破坏。

灵感总是在生活中的某个微妙时刻迸发出来，能够将其记录下来是一种运气。

青春，灵感，和那些美妙的时刻终将一去不复返。

我们在这些绘画作品中感受一点温情和希望，仿佛抓住了稍纵即逝的美好时光和那黄昏时刻的最后一缕阳光。

谁养艺术家十九世纪之前的绘画基本是订件。

委拉士开兹《侏儒系列》 伦勃朗《夜巡》 工业革命之后，需求变了，绘画的风格主题也就变了，艺术的功能变了。

到了十九世纪中期，不再是订件，而是独立的自由职业艺术家，自己决定绘画的内容和形式。

未完成的画画家：巫师—奴隶—画匠—宫廷画家/同业协会画家—自由职业画家。

宗教画、历史画、风景画、风俗画、肖像画、文人画从订件时代到自由画家，艺术家的创作天分和灵感得到解放。

从满足需求，到对绘画的自我追求，是个人意志的一种解放。

人们在变得越来越自由的过程中，展现出不同的风格，表达出独特的自我，呈现出丰富的作品和创造力。

同样，在自由的年代也无法出现委拉士开兹和提香那样的宫廷画家和其饱满精美的美术作品，也不会有教堂回廊上拉斐尔和戈佐里宏大的湿壁画。

不同的时代造就了不同的艺术，不同的艺术也表现出不同的时代特征。

绘画的放纵巴比松画派：柯罗、米勒 马奈《莫里索肖像》莫奈《日出.印象》 艺术趣味确立起来改变蛮难得，十七八世纪的普桑、达维特、安格尔已经使当时的绘画画到非常精细，无以复加，所以公众看不惯印象派的画。

绘画的规矩一旦破了，一个问题出现了，一幅画怎样才算画完。

毕沙罗注意到物象的无穷的变化，颜料一遍遍覆盖，他给了美术史一个命题，一幅画可以无穷无尽地画下去。

毕沙罗是塞尚的老师，在蓬杜瓦斯的作品。

塞尚有一个古典的理想，要回到普桑的均衡，可实现到他的画上是他注意物体的边缘，当中经常不画。

打开的作品，你可以在塞尚的每幅画中看到他画到一半的样子。

二十世纪的现代主义大师们从塞尚未完成的、拆散的各个绘画的角落，个人取一端，就慢慢出现了立体派，乃至影响到后来的抽象画。

一幅画可以不画完，可以无穷无尽地画下去。

艺术的形式多种多样，欣赏艺术的眼光也应当是包容的丰富的。

不管是普桑和安格尔精细到无以复加的作品，还是马奈和塞尚打开的作品，或是马蒂斯和毕加索的立体主义，都是经典的作品。

未完成的作品中包含着开放性和无穷无尽的意味，没有结束，可以反复琢磨，将此后每个时刻的灵感都融入到最初的绘画中。

从不同的角度观察、欣赏和创作，无论艺术或生活。

非正式魅力宋末元初 赵孟頫、钱选 卢西安.弗洛伊德：具像画家 希腊人、罗马人、文艺复兴人都有一个规则在那画画，可是到了梵高开始，每个人必须做自己的太阳。

一幅画框起来，挂上墙就死了。

——毕加索文人画家确立的绘画态度：绘画中的一切都是假的，画这副画的心情要比这副画重要，无所谓画完不画完。

这样的态度和意识欧洲到十九世纪印象派时期才醒过来。

音乐的印象派：德彪西 波德莱尔、马拉美：调理字和词中国古代当官的画家。

他不是为了卖，更不是为了订件，而是为了消遣，一种寄托，是一种自我给予的更雅的身份，在交际中有重要作用。

中国画的所谓传神，所谓尽其妙也。

文人画水墨画的核心价值观就是神啊妙啊，无所谓画完不画完。

隶泛指书法，书画同源。

天才的未完成的作品是一种神韵与意味无穷。

艺术是对自我的表达，不是为了完成，恰到好处之时停下来，才能物尽传神。

中国画的写意传神，西洋画从早期的精美完整发展到印象派和现代主义的变幻无穷，是人们对自我表达的解放。

艺术不必追求完美，而是恰到好处。

局部的摘录与思考1 18岁的江山世界名作很多出自天才少年黄希孟画万里江山图18岁，少几岁，长几岁，都画不出来中国的万里江山也曾是个少年，何时变成了老者2死亡的胜利木心：所谓元气就是孩子气直觉 本能 无知 才是艺术最可贵的罗兰巴特：尸体作为尸体，是活生生的直面死亡，才能直面生活这也许就是死亡的胜利3人民的胜利孟德斯鸠：人在苦难中才最像一个人抗日胜利70年了，还一直在画胜利，却很少画苦难流民图画的是苦难，也历经了苦难，他的作者蒋兆和先生同样遭遇，他也成为了流民陈丹青：他有历史问题，还是历史有大问题胜利70年了，中国人仍在经历苦难，处处皆有流民图4憨的梵高憨不是笨更不是傻，是真正的聪明如果没有星空没有向日葵，也许永远没有陈老师喜欢的这张梵高最憨的习作中国孩子画画的技巧比大师都好，大师却画的比孩子还憨5巴黎的青年一切的开始是最美好的，在最美好的时候结束呢，也许是更美的欧洲很多艺术家死于年轻时参军，巴齐耶再饱满的艺术天分敌不过一颗子弹，而中国这样的艺术家却很少一个没有激情的艺术家，是死的。

6谁养艺术家无知的人渴望答案，丰富的人寻求问题美国率先拥抱印象派，也许精神贫瘠的美国富人更懂生活清贫的欧洲画家画家不是画家，是巫师 奴隶 工匠 到自由人的过程杜尚：一副有名的作品，在于人们谈论她的次数印象派，像未完成的画，也许不是画未完成，只是人们的审美还未完成7绘画的放纵印象派的印象-简明粗放，是写生赶时间赶出来的毕加索：我不是在画一个女人，是在画一幅画古典派瞧不起印象派，印象派瞧不起野兽派一幅画怎样才算画完？

一幅画也可以永远地画下去毕加索：一幅画配上框挂墙上，就死了8非正式魅力吴作人：要知道画，也要知道不画文艺复兴画了几百年，终于达到了中国文人画千年前的境界，随心所欲的画画画的意义不在于画，而在于画。

但这一切在你成为梵高塞尚前，都不成立9欧洲女画家女人画的女人体，没有情欲，只有欣赏但她的男人体却摆脱不了情欲，所以男画家是否应该被谅解瓦拉东：我希望的不是被人知道，而是被重新认识10民国女画家女权，意识到这个问题，就是一种示弱历史上，投降的女性远没有男人多，而艺术就是一种不屈服民国的女画家49年后就不画了，她们是屈服了吗，还是不屈服？

11徐扬长卷中国古代的长卷，移动观看，散点焦距，可能是最早的电影清的萎靡也是一种艺术以前只有皇帝南巡，而百姓只在画里；如今南巡的是年轻人，而皇帝只在画里了12讯息与景别看，是人第一个权利，和最后一个权利景别即讯息如何观看，也就是观点作品，是画家的对世界的观看方式，而你如何看作品，也有你的观看方式电影的发明，可能不是因为技术的进步，而是人观看的进步带来的13 俄罗斯之冤没有彼得大帝，就没有西化，就没有苏里科夫的油画，就没有对彼得大帝的嘲讽苏俄艺术作品下大场面下的小人物栩栩如生，东方大国的大场面里的小人物，只是符号当我们在谈论灵魂的时候，都承认肉体很诚实有些固执和傲慢已经过时了，但我们有权去选择这种品德。

14教堂的画安吉利珂你遇到他的画，像第一次看见绘画英文里，禅房和牢房据说是一个词宗教会没落，宗教画不会分不清画里的神性人性，就像分不清他的虔诚还是智慧画画，就是一场修行中国人 当了官喜欢画画，欧洲人 不当官想去画画15巨人的战役历史的塑像是彩色的，我们现在看到的却是另一件新东西，灰白的静穆马克思：希腊是人类的孩提时期此前人类不会雕塑，此后也再无法超越德国摧毁了整个欧洲，却把古希腊的残骸搬回国重建了起来五大文明古国伟大，伟大在哪？

在他们彼此不知道，没见过。

但四大古国做的是坟墓的艺术，只有希腊做人的艺术，他们把人和神的比例做得最好——木心而现代观众在希腊雕塑前，是人与人的比例，还是人与神的比例？

——陈丹青16非绘画艺术所谓前卫，就是太早，历史看不懂有没可能，其实是未来错爱了历史杜尚：你拒绝一件事，和接受一件事，是同一件事艺术家的态度，比他的艺术更重要

这一系列我看得非常过瘾，不是那种麻辣点评的一时解气痛快，我就在想到底是什么东西让我觉得这么好。

陈丹青没有掉书袋讲知识，所以不枯燥。

那他讲什么呢？

讲人，讲活生生的人，七情六欲吃喝拉撒，讲得极有代入感，让你进到当时的场景去看去想。

就像陈丹青自己讲的：他是一个喜欢问问题的人，但不在乎答案。

比如印象派为什么当时不被待见？

一个原因是当时的人们觉得那样的画没完成。

那到底怎么样一幅画才算完成？

这个问题问得太厉害了，我当时差点从座位上跳起来。

我勉强算受过一段时间的绘画训练，刚开始画丙烯，老师总说我没完成，可我明明觉得已经都到位了。

后来画过一段时间，眼睛看到的东西多了想法多了，就会没完没了地改，甚至成为一副过度完成的作品。

我就会想什么时候罢手怎么样叫结束？

因为觉得一直可以改下去一直都没完成，所以通通没有装画框。

陈丹青拿毕加索的话说：这些画还是活的，一旦装画框就死掉了。

看到这一段的时候我简直兴奋地发抖。

啊，把我无意识里的东西都讲出来了，百分之百击中痛点。

陈丹青厉害的地方之一，是语言有时候非常到位，非常会问问题。

不知道是不是受了木心的启发，寥寥几句，精彩绝伦，好到你想打他。

每集像是有主题，可陈丹青又常常讲着跑题，看似讲的是些细节和八卦，但他们却四两拨千斤地再现了绘画史。

印象派那么多大名鼎鼎的画家，他偏偏讲那个从模特转型画家的女画家瓦拉东，画女裸体也画男裸体；他讲印象派可以到户外画自然光是因为针管颜料的发明；他讲印象派画家和印象派音乐家一起玩耍，配乐放了德彪西……你会发现19世纪从工业技术、性别观念到文化解构经历着全方位的革命，所见的横空出世都是水到渠成，见细节更见整体。

陈丹青的解读是整体的，格局很大，又落脚小，看上去不拘一格。

这些都是表面上的好，可以形容出来。

但真正的好是他的思维方式，所有的观点都是思维方式的体现。

节目里他举的很多例子是去服务他观点的，和事实可能存在误差。

但这不重要。

对这里提到的知识不必过于认真，打基础肯定要自己抱大部头去啃去吃苦。

思维方式的获得养成比纯粹的知识要难多了。

一般人，学不像。

有空多想想。

1、国画没有光源之说，2、国人对痛苦记忆，多选择闭口不提，比如蒋兆和的画（他眼神真好看）3、梵高的憨劲儿有意思4、陈丹青说话有意思，即使讨厌都是一样的语调5、国画多为多点透视、西方多为单点透视6、好喜欢巴齐耶的画，纯净美好7、男画裸女带有欲望，跟女画家笔下的画作区别很大 8、大家都看到了，而最先表达出来的，便是艺术的进步9、对贝托鲁奇电影画面的解析，让视觉享受递进一层10、湿壁画是个新认知的种类11、有些作品看着会走神，有些作品看着会惊叹，还有一些作品，看着会静穆12、所有雄强的艺术、饱满的艺术、聚精会神的艺术，从来就是不知道他方，不管他方的。

我们活在现在，现代人不免比较，我们活在一个比较的年代13、古埃及、巴比伦、还有兵马俑，是坟墓的艺术，只有古希腊是人的艺术14、放弃画画的杜尚简直是个传奇15、我们活在一个不是绘画的时代

第十画：民国女画家二十世纪初，女权文化萌芽，出现了几位女性艺术的先驱。

例：行为艺术家阿布拉莫维奇（与乌莱）：《情人·长城》→《艺术家在场》中国古代女画家：赵孟頫的太太管道升、文征明的玄孙、秦淮名妓马守真顾眉…民国女画家：关紫兰：画中有闺中女气，但下笔的胆气毫不造作，画风受东洋影响。

丘堤：法国路数，相对温和的立体主义架构，静物画出手简静，带着一种素心，画中可见“物性”，不修饰不渲染，恰如其分，不温不火。

第九画：瓦拉东母子巴黎画派：二十世纪初十九世纪末，印象派影响之后的巴黎画派画家，有偏于野兽派的，有偏于立体派的，也有自成一派的，风格百花齐放。

例：德朗：横跨野兽派与立体主义；马尔凯：集印象派之大成。

瓦拉东：她的时代还没有女性艺术一说，她的风格十分本色和野性。

当时男性画家笔下的女裸体常被定义为泛爱的欲念的符号。

她提供了一个罕见的视角：从女性的角度描绘女裸体——没有尴尬也没有暧昧，只是在私密的场合观察另一个女人。

瓦拉东也画男裸体——带着某种儿女对父兄、母亲对儿孙的亲昵的目光，但就其爱上儿子的朋友一事，画中是否有欲念还不能妄断。

她的静物画也很优秀，没有风格的自觉和野心干扰，她的创作都十分单纯。

郁特里罗（瓦拉东之子）：他画遍了蒙马特高地，画中白墙的丰富色彩也影响了吴冠中。

第八画：非正式的魅力“绘画何时停手，是否有规则？

”：毕加索为收藏夹斯坦画的肖像画了一百多遍。

佛洛伊德，二战之后有名的具象画家，他画画的覆盖程度、量感、覆盖程度是毕沙罗的几十倍。

但他却说过一句话：“每幅画接近完成时，我最不能确定的就是什么时候应该罢手。

”毕加索说：“希腊人、罗马人、文艺复兴人，都顶着规则在画画。

而从梵高开始，每个人都必须做自己的太阳。

”吴作人：“你们要知道什么时候停下来，要知道什么时候画，也要知道什么时候不画。

”十九世纪末期二十世纪初期：印象派同期后期欧洲其他艺术领域打破规则的“自由”表现：雕塑：布尔德尔、马约尔，关注石头泥土木头本身的质感；音乐：圣桑、德彪西开始玩音色和音符；文学：波德莱尔、马拉美醉心于调理字与词。

中国画：中国的工笔画和西洋画一样，都有一个完整的规则。

而文人画（士夫画）则不同，逸笔草草，恰到好处。

他们是拿着朝廷俸禄的文人，把一种新的态度和闲情带入了绘画。

书法：中国历史上非正式的书法作品反而高于正式的书法作品。

这和欧洲是很不一样的。

第七画：绘画的放纵“未完成”的艺术：舒伯特《未完成交响乐》，梵高《海边的渔夫》巴比松画派：柯罗户外作画，同一个景别画两张，一张写生，一张带回去慢慢画。

这已经是印象派的铺垫了。

印象派：管状颜料出现了，户外作画开始流行，笔触和颜色自由了，绘画被放开了，艺术家懂得和媒材玩了。

“一幅画怎么才算画完”是印象派提出的颠覆性的话题，在当时引起很大争议。

柯罗看不惯印象派，梵高也看不惯野兽派。

可见艺术趣味的改变需要好几代人的努力。

然而什么才叫“画完”呢，毕沙罗和塞尚常一起作画。

毕沙罗喜欢不断堆砌颜料追求完成感，而塞尚的每幅画看上去都可以再继续画下去。

塞尚在作画的过程里找到了自己的方法，追求普桑的“均衡”，因此非常注意边缘。

他不在乎自己的画有没有画完，永远处于打开的状态，展现出了绘画的过程。

他的理念之后也渐渐影响了立体派、抽象派。

十九世纪是一个转折，人们发现了“一幅画可以不画完”，以及“一幅画可以无穷无尽地画下去”。

第六画：谁养艺术家画的完成度：蒙娜丽莎是一张过度完成的画。

哈尔斯的《微笑的男孩》虽然潦草但是具有完成度。

艺术的角色：十九世纪前艺术是服务行业，是作为高级装饰物存在的。

艺术家画的也都是订件。

例如达维特为拿破仑画加冕礼。

浪漫派的阶段艺术家的角色改变了，艺术的功能也改变了。

十九世纪中叶，印象派的画家开始做历史陌生的事情，他们开始关注自我的意志。

继而出现了艺术家“self-employ”的形式。

新兴的资产阶级也在艺术的供求关系中产生变化，他们可以作为经纪人参与艺术买卖。

第五画：巴黎的青年作品与环境：赋予一个作品与之匹配的展示空间是很有必要的。

就像莫高窟的壁画脱离了洞窟的语境就会失去几分原有的味道；教堂的壁画脱离了原有环境画面的意思就会打折扣。

一幅作品与它原生的环境相辅相成造就了一种独有的文化气息。

例：大都会艺术博物馆根据展品的文化背景布展。

维多利亚和阿尔伯特博物馆展示的中国绘画，因为布展空间与中国画不相衬，他们调整了灯光，让环境极暗、光线聚集在画面上，使得画“孤立”、与周围隔绝，观众也就被引导着忽视环境去直面画作本身。

印象派早期：巴齐耶最有名的是《巴齐耶的画室》，现存于奥赛美术馆，从中能看到印象派诞生的时刻。

巴齐耶参军后29岁就去世了。

他是一个早熟的天才，不仅擅长造型和光影，而且善于组织场面、画群像。

他在19世纪同性恋文化备受打压的情况下画了许多青年男性肖像，非常坦然。

他的画明亮、均衡、温和，非常健康。

第四画：初习的作品梵高早期：18811883有一种画好在“憨”。

米勒1875年逝世，梵高在他去世六年左右开始临摹他的画作。

他早期在荷兰也画了许多下层劳动人民。

摄影家桑德的人物摄影作品也有这种“憨”的感觉。

珂勒惠支，表现主义画家，和蒋兆和一样，都有着卓越的技巧，画悲天悯人的主题。

但他们都属于“巧手”，而梵高与他们都不相同。

第三画：人民的胜利蒋兆和：“悲天悯人”的人道主义画家，主题常常是可怜的受苦之人，著名的作品有战争时期1943年的《流民图》，其中人物描绘、历史意义、道德重量都首屈一指。

第二画：死亡的胜利意大利壁画：戈佐里是十五世纪非常著名的壁画家。

然而意大利比萨斜塔旁的圣墓园中，还有两幅布法马可在文艺复兴时期的作品《死亡的胜利》、《地域》，他活跃在13世纪乔托晚期。

油画方便传播，而欧洲最好的是湿壁画。

湿壁画是将研磨好的干粉颜料掺入清水再将颜料涂抹在刚抹在墙壁表面的湿灰泥上，干燥之后，图案便永久保存于墙壁表面。

现在许多教堂里都有留存。

十三十四世纪，意大利已经出了一连串画家。

十五世纪文艺复兴盛期出了文艺复兴三杰。

二战将达芬奇最后的晚餐的教堂炸毁了，而壁画却有幸没有毁损。

早期艺术的魅力：幼稚天真但精力饱满、元气淋漓。

各种文化、各种文明都有生老病死的过程，但根基都在早期作品。

早期艺术具有原创力；工具的创新也在早期；新主题和新工具又互为因果。

例：布法马可《死亡的胜利》、《地狱》-文艺复兴早期壁画北魏壁画-中国早期壁画【龙门石窟（武则天时代）与云冈石窟（北魏时期）的比较】贡布里希：美感需要导引和学习。

而艺术最重要的是直觉、是最新鲜的感受力、是可贵的无知。

第一画：千里江山图国画历史：中国山水画的发端比欧洲人所谓的风景画早了近千年：隋：展子虔唐：李思训、李昭道父子，传世的只有李思训的《江山楼阁图》，现存于台北故宫五代：董源、巨然、荆浩、关仝北宋：刘、李、马、夏，山水画气格越来越大，路数越来越多，但青绿山水画这样歌功颂德的形式仍是主流。

年轻的画家：《千里江山图》20米长手卷，作者王希孟18岁为宫廷所作，现存于故宫。

委拉斯凯兹也是少年进宫，二十岁做宫廷画家，六十岁才得到爵位，因此在《宫娥》中郑重地把自己的形象地位画了出来。

米开朗基罗雕刻圣母耶稣时23岁，雕刻大卫时候26岁；德拉克罗瓦23岁画《但丁小舟》；毕加索玫瑰色时期也在20岁左右。

绘画靠手艺，眼光。

眼光包括观察之眼和经验之眼。

观察之眼是不可教的，这就是所谓天才的天赋所在。

年轻时的艺术家充满好奇心，感知功能是全息的。

《千里江山图》：王希孟沿袭的全景观是北宋开拓的图式，犹有过之。

《千里江山图》的“开阔”非常具体，每个局部都是自称格局的一幅画。

成年的、老熟的大师喜欢做减法，也就是取舍和概括。

而英年的王希孟则忙着做加法。

北宋末年：张择端也属皇家画院，画出了著名的《清明上河图》。

一幅是世俗繁华的史诗，一幅是锦绣河山的颂唱。

这两幅巨作都成于北宋末年，看不出亡国之兆。

不久金人入侵。

补充：元代王振鹏又有《江山揽胜图》，但画品气格都远不及《千里江山图》。