便利店男友

絮絮叨叨的伍迪艾伦又带来了新的作品。

数码时代已经发展到今天，但伍迪艾伦到这一部作品才舍弃胶片改用数字摄像机拍摄。

讲真，为什么不坚持一直用胶片呢.....吴迪的电影越来越像读一篇不被时代所波及的小说，小说的男女主角永远超离于尘世，大胆的讨论着性，爱情，人生，犹太身份，哲学等等话题。

而小说里面的故事总会天意弄人，让角色们在伍迪艾伦构造的世界中纠结着挣扎着叹息着无奈着。

这如伍迪艾伦一生所困惑着他的很多哲学问题。

面对死亡，面对爱情，面对生活，面对宗教，面对他这位老人家恐怕到死都不能解开的谜团。

而我们看吴迪的电影，仿佛很久以前就买好了终生vip卡。

每两三年定期更新，不管评论如何，爱吴迪电影风格的人，都会如期观看他的电影。

或许有有些电影让人眼前一亮拍手称赞，比如《午夜巴黎》，比如《蓝色茉莉》。

或许有些电影也会让你小失望，比如《魔力月光》，比如现在这部《咖啡公社》。

虽然没有让人看了为之精彩的点，放在电影浩瀚的大洋里，这部《咖啡公社》根本排不上号，但就像我之前所说的，无论电影档次如何，伍迪艾伦的金字招牌，对于他的铁粉都会照单全收。

因为电影里面絮絮叨叨的角色们讨论出来的道理，总会有引起你思考的段落。

很多人说这部《咖啡公社》有点炒冷饭的意思，或许伍迪艾伦所要讨论的问题，早在《安妮霍尔》，《翰娜姐妹》，《罪与罚》，《爱情结构狂》等等老片子中已经展开讨论过了。

从而这部甚至这些年的电影，大家都感觉到了伍迪艾伦的力不从心。

但总的来说，《咖啡公社》还是比一般性的商业电影好上太多倍。

只是习惯了伍迪艾伦电影的人，多少看了这部电影有些许视觉疲劳。

毕竟来来去去就都是这些伍迪艾伦式的哲学问题。

但试问，独特的风格，不就是造就一个伟大让人铭记艺术家的基础吗？！

咖啡公社是艾伦第一次用数字格式拍摄电影，因此画质异常的清晰，这种清晰甚至可以模糊现实和电影之间的界限。

不过清晰的画质并没有让艾伦的风格变样，他依然是那个在简单的叙事中俏皮地点明生活本来面目的有趣的人。

曾有影评人说，“艾伦的风格是归于电影中的睿智，他的智慧不仅仅是看透生活本质的俏皮，他从不尖酸刻薄地卖弄聪明，而是一种阅经沧桑、洞察世事的达观。

”故事的背景是20世纪30年代的美国，穿梭于好莱坞和纽约的叙事，不仅完美复刻了那个年代美国的人文风情，也在不经意间描绘了异族犹太人的生活状态，那种不同于以往stereotype的鲜活状态。

故事的情节很简单，对未来一无所知的懵懂犹太青年Bob来到好莱坞投奔舅舅Phil, 一个功成名就的经纪人。

在舅舅的引荐下认识了他的秘书Vonnie, 活泼健谈的Vonnie让Bob迅速陷入爱河。

但Bob并不知晓Vonnie就是他舅舅的情人，而他的舅舅也一直在是否要和发妻离婚这件事上犹豫不决。

因为无法同发妻离婚而同自己分手让Vonnie伤心欲绝，Bob的陪伴让二人走到一起。

而当Phil下定决心同妻子离婚的时候，Vonnie却毫不犹豫的离开了Bob。

多年之后，Bob把家乡一家俱乐部经营得风生水起时再遇Vonnie，虽然情愫仍在，但早已物是人非，一切都仅在回忆中留下不可追的印记。

虽然结局异常平淡，毫无反转，但正是在这平淡中，让人对名利、爱情都有全新的认知和感触。

“最后我们都变成了当初讨厌的那种人，可是我们好像还是相爱的，可是我们再也没机会在一起了，但是没关系我们都有很多钱。

”有人把这部片称为低配版的The Great Gatsby，既有情怀，也不乏岁月得失。

但我仍能在更加平淡的回忆中，体味到人生中诸多的美好和虚无，感受到爱情中的诸多遗憾和无可奈何。

再遇Vonnie，和Gatsby重逢旧爱一样，二人脸上的表情远非五味杂陈四字可以概括。

初遇时，无论是Vonnie还是Bobby，都是懵懂的、生涩的、未被世事污染的年轻人，那种拥有海誓山盟这种独一无二的权利的年轻人。

而后无论是以舅妈面目出现的Vonnie, 还是浸淫商场多年俨然成功人士的Bob，脸上都挂着不一样的神色。

当二人再度私会，都扯下名利场上的面具，直面当年的故事。

但世事巨变，每个人都不得不带上面具继续生活。

片中的配乐以欢快的爵士为主，就连凶杀案发生时的配乐也是爵士，渗透出一种惨淡的荒谬与无力。

在声色犬马、名利至上的年代里，每个小人物似蝼蚁，其生死无人关切。

我也非常喜欢片子匠心潜藏的美术和举轻若重的摄影，昏黄若金的色彩和多次使用中轴线平衡构图再借由镜头传递空间感的运镜非常带感。

片中的一句非常经典的台词“dreams are dreams”反复出现多遍。

Vonnie多次说 到的这句话，或许可以理解为“人生如梦”，但“梦想也仅是梦想而已”这样的理解或许更加契合本剧的内核。

当Bob的妻子Veronica怀疑丈夫出轨时，Bob也对她说了这句话，和之前Vonnie的言辞构成呼应，这微妙的细节不禁让人感受到人生的荒诞和无意义。

Allen并未刻意的玩回忆杀煽情，只是淡淡的在遗憾中结束了电影。

或许就是这样，很多人生的结尾都是淡淡的遗憾和惘然的交织。

虽然说这部并没有撼动《赛末点》在我心中的地位，但也成功排上“我最爱的伍迪电影TOP3”了。

也许唯一想要吐槽的还是暮色女一成不变的演技和面瘫脸。

意外的发现是Ben的扮演者就是纸牌屋第一季里的Rousseau，一个迷人的反面角色。

情人说，我们还是不要见面了，梦只是梦。

妻子说，我梦见你在好莱坞背叛了我。

丈夫说，梦只是梦。

只是，最后，新年热闹庆祝氛围下，同样空洞的眼神，也许这才是真正真实的东西。

谁还能说，梦只是梦呢。

梦里，是最真实的。

伍迪艾伦，永远不让我失望，他不讲什么人生道理，只是精准地描述出人生的状态。

老伍迪是出名的视奖如粪，不但从未出席奥斯卡，电影节也是只参展不竞赛。

于是戛纳对他的跪舔程度创下史上之最，三次以其影片开幕。

被捧上天的伍迪更加肆无忌惮、有恃无恐，新片周三上午十点在戛纳媒体场放映，一小时后就全法公映了，根本不等晚上的开幕式。

不知福茂老爷作何感想。

好了，长话短说，这是一篇对Café Society的碎片化解读。

文中我会坚持使用原文片名，原因？

看下去就知道了！

1. 糟糕的译名：《咖啡公社》？

《名流社会》！

影片现用最广的译名是《咖啡公社》，但café society在美国的语境下是战后爱显的社会名流。

源出十九世纪的法国，指在咖啡馆和夜总会中搞派对的名人。

与盖茨比那样在家玩的有钱人不同，这些人专门去公众场合社交，唯恐人家看不见，所以其中有大量娱乐圈人士。

看片前我说可能导演会对society的双关进行妙用，所以译成《咖啡公社》或许也可以，但看完后确定跟「公社」没有半毛钱关系。

国内还是有几个良心媒体译成了《咖啡馆社交圈》，比较准确。

如果非要四个字，《上流社会》或者《名流社会》应该更能达意。

旧时的名流社交2. 家庭与跨年夜：《岁月流声》（Radio Days, 1987）戛纳开幕＋法国公映第一天后，评论者普遍拿Café Society与伍迪三十年前的旧作《岁月流声》相比。

这部在豆瓣上被恶俗地译作《无线电时代》的片子是伍迪对广播这种旧媒体的一种怀恋。

在他事业腾飞的六七十年代，无线电广播已不再是大众娱乐和信息获取的主要方式，所以该片也是对童年的怀恋。

片中对「广播明星」有所刻画，浮躁的造星体制并非Café Society中的视觉传媒所独有。

但之所以拿来跟新片作比较，大概还是因为《岁月流声》也是以一个家庭的喜怒哀乐为主线，甚至两部影片中的一些人物都有相似之处。

另一个相似点是主人公与家人一起跨年的场面，只是Café Society中的名流在夜总会或豪宅中歌舞升平，《岁月流声》中的人物则只有在收音机旁靠耳朵沾点儿他们的喜悦。

3. 伍迪·艾伦式黑帮：《百老汇上空的子》（Bullets over Broadway, 1994）如果一定要找伍迪前作来附会，主角长兄Ben这个角色时刻让我想起《百老汇上空的子弹》。

如果说塔伦蒂诺是把幽默暴力化、暴力风格化的话，老伍迪则是把暴力幽默化、幽默风格化。

布鲁克林长大的他对意大利、爱尔兰裔黑帮应该比较熟悉，当然「犹太黑帮」或许真有其事，并非全由他杜撰。

也许大苹果真是历来鱼龙混杂，与另一位纽约大师斯科塞斯的作品一样，片中的黑白两道并没有明显的分野。

但斯科塞斯总是喜欢把白道涂黑，而伍迪往往把黑道洗白，又或许只是喜剧的魔力作祟。

考瑞·斯托尔在《咖啡馆社交圈》中扮演Ben4. 身份认同与爱情：《安妮·霍尔》（Annie Hall, 1977）美国著名影评网站《独立通讯》的戛纳特派记者在看完媒体场后说，该片是导演近十多年来最「犹太」的片子。

实际上，与Café Society灵魂上最接近的伍迪作品应该是《安妮·霍尔》。

不过四十年前的安妮·霍尔对自己身为犹太人极为恐慌，完全是自恨的性质；四十年后的Bobby则有一个相对健康的身份认同，既不自恨也不介意以犹太人的刻板印象自嘲。

伍迪·艾伦童年不幸，父母不合、家庭不睦，自己也因为长相体格和信仰背景而常受人欺负。

精神分析学家一定会说，从《安妮·霍尔》到Café Society，导演自己也不断成长，不断与自己的过去和解。

爱情是这两部片子的另一个相通之处，只是《安妮·霍尔》中纽约－加州、爱情－名利这样的二元对立十分激烈，到了Café Society中就缓和许多。

这或许又是一种自我和解，但我相信更重要的还是耄耋老人的智慧看穿了人生的本质：世上哪有那么多黑黑白白，大多只是温水一杯。

「真爱」更是无稽之谈，悠远的眼神遥相惦念就很好。

Vonnie和Bobby在洛杉矶贝弗利山豪宅前5. 纽约！

纽约！

：《曼哈顿》（Manhattan, 1979）还记得《曼哈顿》的开头吗？

对，那就是伍迪·艾伦写给纽约的情书！

他从发梢到骨髓都极其「纽约」。

Café Society中跟Phil谈心的时候，Bobby谈到自己想要离开洛杉矶回纽约的时候说，离开纽约才知道自己是个彻头彻尾的纽约人，并说想念曼哈顿。

然而以他的家境，基本上跟曼哈顿是没有什么关系的，顶多也就是闲来逛逛。

当然了，所有超级都市的市中心，对于寻常人来说，都是用来逛逛的。

只是在异乡提起故乡，总还是拿最光鲜的一面出来说事儿。

再与《安妮·霍尔》相比，Café Society中的「纽约—洛城」对立也很弱了，几乎是在嬉笑中把一碗水端平了。

只是，不管在好莱坞混得多好——不用剧透我们就知道——Bobby和Woody都一定会回纽约的。

<图片7>6. 伍迪·艾伦式的不屑：戛纳以伍迪·艾伦风格胜柏林巧的是，今年柏林的开幕片、科恩兄弟的《凯撒万岁》也是讲好莱坞黄金时代。

各大电影节的开幕片对电影业进行一下超文本式反思，也挺好。

但科恩兄弟从问鼎戛纳的《巴顿·芬克》起，就是此类题材的老手，伍迪则不然。

《凯撒万岁》拍了很多大制片厂运作的实际过程，很热闹，意识形态倾向也极为明显。

Café Society则着重于人物的情感和社交生活，也很热闹，但对各种价值和意识都采取伍迪·艾伦式淡淡的不屑与嘲讽。

《午夜巴黎》和《无理之人》狠狠讽刺知识份子后，这次导演反而淡化了自己对知识界一贯的辛辣，但喜剧效果发挥得更好。

当然还有伍迪片中永不缺席的爵士乐。

于是开幕式上，戛纳又胜了一次。

7. 喜剧人生：「生活是部喜剧，只是剧作家是个虐待狂。

」小时候有段时间很迷伍迪·艾伦，看了片子还不够，把戏剧剧本和小说拿来解渴，总觉得还是短篇小说最棒。

再后来一次偶然的机会，看到了他六十年代的单人脱口秀（stand-up comedy）表演，惊呼这才是最棒的伍迪·艾伦。

今日让戛纳跪舔的名导，曾经是一个大学辍学生，靠在酒吧里讲笑话为生。

所以看他电影的时候要永远记得，这位大师首先是一个脱口秀艺人，其次是个作家。

那些话痨式的画外音（Café Society的画外音是他自己的声音！

）就是台上妙语连珠、台下笔上生花的并发症。

九十年代初接受《巴黎评论》采访的时候，伍迪·艾伦说自己必须坚持笑、坚持搞笑，才能面对生活、世界的痛苦和不可理喻。

这也是美式单人脱口秀一贯的功能，用艺术的荒诞替代存在的荒诞，我们才能艰难地存在下去。

Café Society中的Bobby说：「生活是部喜剧，只是剧作家是个虐待狂。

」所幸八十高龄的伍迪也没那么虐了，这也许会给人造成平庸的感觉，但生活就是这样，虐来虐去也只是拗情操。

伍迪·艾伦不会有透彻心扉、扣问生命、触及终极意义的深刻，所幸大家对他也不作这样的要求。

<图片8>8. 史蒂夫·卡瑞尔：喜剧脱口秀出身的顶级演员大家都在聊艾森伯格和斯图尔特，但与伍迪事业经历最相似的还是演Phil舅舅的卡瑞尔。

同样出身卑微的他，早年靠演儿童剧为生，后来在美国电视娱乐旗舰《周六夜现场》崭露头角。

2005年起才凭NBC盗自BBC的情景喜剧《办公室》走红美利坚。

《周六夜现场》那群喜剧演员都在抢着拍电影，或许有才华的艺人还是喜欢让略显高端的媒介来提高自己的艺术地位。

卡瑞尔是其中最成功的，他跟贾德·阿帕图、诺拉·艾夫隆这样级别的导演合作过，2012年的《希望温泉》中又给梅姨和汤米·李·琼斯配戏。

其正剧生涯的巅峰无疑是前年戛纳主竞赛片《狐狸猎手》和年初奥斯卡大热《大空头》——好吧，后者还是有些喜剧的。

Phil这个角色导演的首选是布鲁斯·威利斯，结果人家档期搭不上，伍迪就迅速请来《双生美莲达》（2004）中给自己演过小配角而如今事业如日中天的卡瑞尔。

其实我还是有些遗憾没能看到布鲁斯·威利斯演这个角色，但伍迪提携喜剧界后生的目的算是达到了。

只可惜卡瑞尔的母亲前些日子去世，他没能去戛纳的秀场继续混成国际脸。

生活是一场自虐又虐人的喜剧。

【作者为影评网刊「一帧一影」特约撰稿人】

我们细读电影 <图片9>

结尾赞——伴着热烈的新年庆祝气氛，以及慵懒欢快、又不无哀伤的背景音乐《友谊地久天长》，一个带着faraway 的 look，另一个eyes so dreamy…又一次感伤了爱情与生活Woody这次把自己映射在姐夫身上；而不是Jesse，没预想到。

摘了两个小句，笑出声：You don't have a traditional Jewish head, you're stupid! Socrates said an unexamined life is not worth living. But the examined one is no bargain.苏格拉底说，未经审视的人生不值得过。

然而，处处谨慎的人生又好到哪里去呢？

还有一句算良言，也算真谛，也算屁话：Timing is everything in life.

It's a superficial love story, split in a flamboyant Los Angeles and New York City. It's rather cliche, witty, and trivial. It's no masterpiece, but nothing wrong with that! Much resembles blue jasmine and irrational man, the old man plays with a small idea, tosses out cultural throwbacks and a bit of nostalgia to the golden age every now and then. Sometimes I get the hints sometimes I don't but I thoroughly enjoyed it. Occasionally you'd feel the gravity wrapped up in lines that seem to be so frivolous, but you know it's mr Allen dramatizing his story (effortlessly) as usual. Strong cast obviously. Thought Steve Carrel was really good but everyone else was solid as well.

把本片視為導演伍迪艾倫即將重回電視圈的一封「訣別書」，會比片中內容更有意思得多。

非指難看。

正好相反，《咖啡愛情》（Café Society）無疑是他這五年來最有趣的一部作品。

這是個纖細的故事，敘述兩個年輕人的年輕心靈逐漸被現實世界一分為二，肉體活在五光十色的名利場，靈魂深處卻殘留一塊樸素鄉愁，對家人也對愛人。

人生中有許多選擇一選就是一生，會後悔也會不服，但逃得了嗎？

聰明的猶太阿姨謂「不選也是種選擇」，但這智語反過來說便意味人不能不選擇，生活的磨輪只有前進的份。

所以我們學會了緬懷，想逃避自己眼前持續發生的選擇時刻，暫且假設自己若回到當初，可以過得更不一樣，可以得其所愛；於是，鄉愁恆生。

這是常情。

主人翁與他愛的女孩曾在好萊塢打滾，覺得自己可以大隱於市過著簡單生活，最後卻不然。

他們分手，回到各自的新生活，然後歲月流逝，他們在成家立業年近而立之時陷入了深深的緬懷，緬懷那段年少熱戀的時光。

某日，他們在故鄉重逢，一齊在小巷大橋夜遊，看似外遇卻不然，他們真正想重新體驗的是精神上的鄉愁。

他們並未出軌，因為他們知道分手並不會回到當初，然而這份覺悟正是被現實摩合了的證明。

最後，他們繼續回到各自的江湖，在職場歡場皆最巔峰的慶祝時刻，那份愁情卻禁不住在人群中叢生，倆人想念起在永遠到達不了的彼方的那個對方，是空間也是時間的彼方，這份鄉愁直到永遠。

然而，僅只如此？

恐怕不是。

其實還有另一個人在發愁，即導演伍迪艾倫。

說來諷刺是：1986年，伍迪艾倫接受另一個名導高達（Godard）的訪談時，倆人皆流露出對電視普及的恐懼，恐懼電視的小框會毀了許多人第一次看電影的經驗，對電影創作者造成了侵害－－「電影是種美學，而電視只是種家電」伍迪如是道。

誰能比一個NBC電視臺出道，為了綜藝效果與袋鼠打拳擊的奧斯卡獎得主兼當代國寶，更有資格說這話呢？

事隔三十年，老高達繼續與小伙子爭著電影實驗者的頭銜，老伍迪卻準備回電視了，電視人最大的對手也從銀幕變成與自己類似的螢幕，個人電腦與智慧手機的普及成了新的恐懼。

那麼，作為伍迪作為五十年來一年一片的紀錄終結，作為他即將返回電視臺的告別的《咖啡愛情》，成了一部所費鉅資，遠遠超過他個人多年來嚴守的回本預算一千五百萬美金，改以數倍以上的資金打造一個由比利佛山莊宴會場與布魯克林夜總會雙織而成的1930年代場景，意義就欲蓋彌彰了：《咖啡愛情》這部片本身就是伍迪艾倫自己的「鄉愁」，是他對黃金時代永恆的緬懷表白。

這則少年少女的愁思逸事在任何時代任何國度都很普遍，古典好萊塢的黃金年華卻僅有一次，布魯克林夜總會文化在紐約的全盛時代卻僅有一回；伍迪不惜耗費鉅資也不願修改劇本，全因世上任何地方都有大世界般的奢華場，任何時代都有大江湖似的眾生相，但最繁華的中國戲院只有一座，最傳奇的摩洛哥酒吧(El Morocco)只有一間。

所以，我們能這樣說：《咖啡愛情》是部論及鄉愁的電影。

而鄉愁最濃的卻非在戲內而是戲外，卻是導演伍迪艾倫對自己無從親體的兩個故鄉－－與電影與紐約的走馬緬懷。

於是乎，當我們看到男主角初入好萊塢懵懵懂懂中識得的那些新鮮人事，其實都是一個老導演對這些精神楷模一次次緬懷的視覺具現。

這個老導演對偶像們如斯推崇，推崇到甚至不敢如《午夜·巴黎》（Midnight in Paris）找臨演詮釋入鏡，只遠遠地透過對白將名導名人如數家珍；至於他的超級偶像馬克斯兄弟（Marx Brothers）與鲍勃·霍普（Bob Hope）意外沒有提及，我唯一可想的解釋是《大家都說我愛你》（Everybody Says I Love You）已經玩過了。

這個老導演對造就歷史的聖殿如斯推許，推許到甚至不願如《那個時代》（Radio Days）或《百老匯上空子彈》（Bullets Over Broadway）只以畫外提示輝煌，改而放任新寵攝影指導維多里歐史托拉洛（Vittorio Storaro）帶來伍迪電影在《大都會傳奇》（New York Stories）後後退空間最繁複的一次體驗，在泳池，片廠，酒廳與曼哈頓大橋間縱情游移焦距，在柔光與霓虹的交錯中任性調度著觀眾的視線，就是要觀眾遊覽這些聖地的偉業；事實上，這 調度實在太過聲張，聲張到我有點疑惑，伍迪為何如此放任維多里歐史托拉洛，讓他明顯拍了一組明顯想挑戰1970年代的攝影大師高登威廉斯（Gordon Willis）的曼哈頓大橋的定拍？

連鏡位完全一致，高登可是老伍迪唯一會叫老師的攝影師阿......

有網友謂：《咖啡愛情》又是一部伍迪每隔幾年就會拍一次的半自傳電影。

我不同意。

伍迪艾倫是世上最難與作者論分開的導演之一，他自製自編自導自演，更愛挖掘己身往事於片中，一如四十年前的《安妮霍爾》（Annie Hall）、三十年前的《星塵往事》（Stardust Memories）《那個時代》（Radio Days）《愛與罪》（Crimes and Misdemeanors）、二十年前的《解構哈利》（Deconstructing Harry）、十年前的《好萊塢大結局》（Hollywood Ending）與若干舞台劇本，以及他自白很想親演而不得為的《命中注定，遇見愛》（You Will Meet a Tall Dark Stranger），然而此片除了史迪夫馬丁飾演的王牌經紀人一角明顯影射了Jack Rollins（第一句台詞就是Jack當年挖伍迪的話）外，其他都跟伍迪的人生脫鉤。

伍迪出生時，布魯克林夜總會文化就已經走下坡，他也自言「童年往事只記得戲院，街頭與車禍」。

這故事需要的也並非一個伍迪半自傳電影傳統中聒噪的紐約人，而是一個深刻察覺自己在迷惘與決斷中反覆的歲月已經逝去的聰明人。

坎城影展開幕時，記者曾問伍迪惋不惋惜自己不能演主角，只能找傑森艾森伯格（Jesse Eisenberg）來演，他說：「不會。

我自己演不會比傑森更有層次。

」這話可有意思，莫忘同是主角，伍迪對《午夜·巴黎》歐文威爾森（Owen Wilson）的形容可是「如果我還年輕，我會自己演！

」顯然傑森的回鍋不僅是因他常被外界戲稱頗似伍迪當年的替身而矣，本片需要的不是那種微小的自我觀看，而是對一個黃金時代旁觀而非抽離的大觀，而他也不副眾望辦到。

黃金的時代一如人的壽命，終有消逝的一天。

《咖啡愛情》的結局中，夜總會的首任老闆被處刑了，悄悄暗示了總會的未來即將黯淡，正如好萊塢的獨霸將在1940年代結束後後垮台；然而參與製片跨年宴的名人卻更多了，光臨夜總會的客人亦是，將至的沒落結局反倒替影業也替紐約塗抹上瀕死方現的獨特魅力。

伍迪艾倫一輩子都想解決卡謬點出的人生難題－－「我不想死，不想看摯愛死，但我跟摯愛終將一死，這就是人生的荒謬」這段話的辨證在片中同樣出現，只是改以一對猶太夫妻的床邊對話重演，妻子希望人有來生，丈夫則說人必一死，然而他會在死神面前奮力抵抗，好顯示自己曾經活過。

物換星移，摯愛將逝，瀕死前的愈發輝煌，出自一個即將告別電影的導演之手－－這難道還聽不出出絃外之音嗎？

一首有点忧伤的爵士。

一座令人向往的城市。

一段略有遗憾的爱情。

一个并不完美的人生。

“You know...time passes, life 就是这样…时间变迁，生活前行，一起去过的那个墨西哥小酒馆依旧，我们却都变了。

“Dreams remain dreams.”梦里我们相偎相依，而现实中我对你无限留恋。

然而，梦终归是…梦。

Jazz makes evertinng dramatic 明快的爵士乐让着一切变得优美，戏剧，而又忧伤。

没有百分百完美的生活，就算再反复思索认真生活，也总觉得有点不尽人意。

即便如此，时间也不会给你更正的机会。

（部分非原创，侵删。

）

旁观者视角讲述故事，使观众始终能站在客观冷静的位置去观望一个半小时的影片所展现出来的纷繁世界，伍迪艾伦通过这种方式带观众走马观花式地领略30年代的好莱坞风情，同时又聚焦于体现影片主题的人物之间的对话。

“未经审视的人生不值得一过，审视过的你还是没法讨价还价” 这句话结合影片变与不变的主题大概就是这个意思：时光流逝，人是会变的，但这个世界却没法改变。

讲真，有时候会讨厌伍迪艾伦，因为他太犀利，而且是那种带着嘲讽的，无意间非常轻盈又细腻地给你一记耳光。

年轻的时候，我们讨厌那些事业有成的人世界，聒噪浮华，俗气。

我们渴望有一片如诗如画的庄园去过自己一茶一饭的小日子。

然后我们出于某些原因不得不离开校园，于是乎入世随俗，我们慢慢也变成了游刃于名鞋名表，名车名包的奔波在事业和生计上的人。

有些我们还嗤之以鼻不能谈论的，比如房子，也许只因财富尚不足够，吃不到葡萄说葡萄酸吧。

这些个老生常谈的话题，梦想与现实，红玫瑰和白玫瑰。

我在看午夜巴黎时候的幡然醒悟，看咖啡公社时候的义愤填膺，都是我内心的理性大哥忍不住出来指点一二。

但是老人家对人的情感还是非常包容的，午夜巴黎午夜巴塞罗那，穿越出轨情感泛滥，这些不满现状的骚动是伍迪艾伦的老梗了。

可是没有看到一点他的评价，尤其是那种站在道德制高点上的评价。

毕竟道德和理性不能总是让人信服，尤其于细微之处，这也是老头子的包容之处，他只是把这些事情像画一样展示给你，所有的情感，对每个人产生的化学反应就因人而异了。

在我自己纠结不清的时候，就会讨厌那些说教的人，凭什么你说的就对。

当我更加纠结不清的时候，我连包容的老头子都讨厌，为什么把我看得这么透彻，还把我的缺点放大百倍。

当我自己云淡风轻的时候，我应该也能像老头子一样嬉笑怒骂而不记于心吧。

左手一碗鸡汤告诉我生命短暂，请勇敢果断，右手伍迪这个坏蛋却一点点把这些细微处的矛盾展示给我看。

拎得清是最难做到的一个阶段。

老实说我很讨厌这些总结人生，讽刺挖苦的人。

因为他们说的都有道理，只会让我更加凌乱却缺少方法论。

可能根本不需要任何方法论，想太多的人最容易过得不够潇洒。