编号17

《编号17》 （ Mickey 17）（B+）外星虫真的好可爱！

一开始会觉得膈应，甚至有点恶心，数量多的时候还是挺吓人的, 后来则越看越萌，很想揉。

这个外星虫被称为Creeper，在片中的戏份很多，远超过我预想，不愧是奉俊昊，他满喜欢怪兽，始终保有淘气和童心。

整部电影实际上很残酷，不少戏份令人不适，充分展示了人性中最恶的嘴脸。

片中很多人似乎完全失去了感情，冷酷自私且残忍。

不管是外星虫还是罗伯特·帕丁森出演的“复制人”都被各种残忍对待，令人看着很难过。

不过，也有一部分人依然保留有人性中善良、温暖的部分。

外星虫作为人类入侵外星被欺凌的对象以及萌宠，会成为影片中最牵动人心的角色，很抢戏。

罗伯特·帕丁森在片中有不少有趣、夸张的表演，展示出了他的演技以及喜感。

他出演的角色其实不太聪明，看上去傻傻的，但也展示出了角色的悲情色彩。

我觉得五方是一个没有固定模式和气质的人，他真的演任何角色都可以胜任，可塑性很强。

马克·鲁法洛的角色显然是讽刺特朗普，塑造得有点夸张。

不仅是簇拥者戴红帽子这一点，还有很多与特朗普吻合的内容，再明显不过。

我感觉未来四年，全世界的电影里都会出现以他为模版的反派，太启发编剧了。

奉俊昊喜欢的恐怖元素在本片也依然存在，有很多出其不意的惊悚内容，但却依然以讽刺喜剧的方式呈现。

这种残忍式幽默可能有的人喜欢，但有的人不一定适应，所以会导致本片不一定很主流。

但我非常喜欢本片的视觉效果，无论是外星球、外星虫、还是两个Mickey都毫无破绽，做得非常自然、逼真。

不是讨厌《编号17》，而是它实在中庸得有些乏味。

对于口味重的观众，它过于小清新；对小清新观众而言，又显得口味太重。

科幻爱好者觉得爱情元素喧宾夺主，钟情帅哥的观众又嫌科幻成分太多。

偏爱讽刺现实题材的观众，认为影片设定太过架空；而喜欢宏大背景的观众，又觉得它被现实束缚过深。

之后我打算写篇文章，让大外甥的数字人来朗读。

一场失控的元素狂欢《编号17》电影日记_哔哩哔哩_bilibili今天是2025年4月15日，这篇电影日记关于《编号17》。

在奉俊昊导演的《编号17》里，观众目睹了一场前所未有的元素混搭尝试：科幻设定裹上黑色喜剧的外衣，宏大叙事中夹杂着职场生存的隐喻，存在主义哲思与浪漫爱情相互碰撞。

这本看似先锋的创作思路，最终却沦为一场失控的狂欢。

当所有创作冲动在银幕上宣泄时，观众在多重叙事维度的拉扯下迷失了方向。

1. 类型元素的错位拼贴在星际殖民的宏大背景下，影片借创业失败后以命抵债的“入职仪式”，将太空歌剧的庄重消解为职场生存游戏的戏谑。

米奇第17次“死亡”后，观众期待如《银翼杀手》般的存在主义追问，等来的却是打印机卡顿的电子提示音。

叙事重心如此偏移，使得科幻设定成了爱情喜剧的包装。

正如影评人所言，观众刚被虫族救援的荒诞反转勾起兴趣，转眼就陷入“小时代”式的甜腻剧情。

导演试图以视觉奇观弥补叙事深度的不足：冰雪星球的极光与虫族生物的软体尾须构成视觉盛宴。

然而，镜头扫过独裁者浮夸的太空宫殿时，观众看到的并非《星球大战》式的帝国美学，而是类似迪士尼乐园过山车般的色彩堆砌。

这种摇摆不定的美学风格，让影片既无法满足硬核科幻迷对“身体打印机”技术逻辑的探索欲，也难以让爱情片观众沉浸于男女主的爱恋之中。

2. 现实隐喻的失效与重构奉俊昊标志性的社会批判在这部影片中发生了奇特变异。

男主角发现自己作为第17个可消耗的复制体未死后，本应展开的“工具人觉醒”叙事，因18号复制体的出现转向兄弟情谊的描绘。

这一转变消解了《雪国列车》中一以贯之的阶级隐喻，独裁者夫妇漫画式的表演，让反乌托邦设定像儿童动画里的反派。

影片中“虫族屠杀”的殖民叙事，以自杀式爆炸幼稚收尾，反殖民主题沦为空洞口号。

创作团队想用类型片外壳包裹现实议题，将996加班制度具象为“消耗体”的死亡循环，用职场PUA暗喻殖民压迫。

但当男主角的18号兄弟说出“你走吧”的台词时，观众感受到的不是辛辣讽刺，而是生硬的价值观植入。

这种将复杂社会问题简化为职场生存技巧的叙事策略，削弱了作品的思想锋芒。

3. 作者表达的迷失与重构奉俊昊在这部影片中遭遇了职业生涯最严重的创作失控。

从《杀人回忆》的悬疑张力到《寄生虫》的阶级寓言，导演一直保持精准的叙事把控。

但在《编号17》中，17次重生设定本可展开的哲学思考，被切割成碎片化包袱：男主角与不同编号自我的相遇，未引发如《源代码》式的身份认知危机，反而沦为“另一个我比我还惨”的俗套喜剧桥段。

导演试图用荒诞解构严肃，却陷入“为黑色而黑色”的创作陷阱。

这种失控在角色塑造上尤为突出。

罗伯特·帕丁森饰演的男主角，既要扮演坚韧的底层打工人，又要担当浪漫爱情片中的深情男主，还要演绎科幻片中人性觉醒的角色。

多重人格的强行拼凑，让角色成了提线木偶——当他在冰洞中与恐怖虫达成“跨物种友谊”时，观众看到的不是生命共同体的诗意，而是剧本逻辑的崩塌。

这种角色塑造的失败，本质源于创作团队对类型融合的错误判断。

在这个万物皆可跨界融合的时代，《编号17》的失败警示我们：真正的作者电影不应是元素的随意堆砌，创作者需在类型框架内构建独特的叙事语法。

奉俊昊试图用《寄生虫》的成功模式解构科幻类型，却忽略了类型电影的本质是建立观众与银幕间的契约。

或许就像电影中不断被打印又消亡的男主角，《编号17》本身成为当代电影创作困境的写照——在无限可能性中，反而失去了存在的分量。

好的，以上就是这个电影《编号17》的日记。

作为奉俊昊导演的小粉丝，今天在观看Mickey 17的时候有一种看奉导回顾展的感觉。

《汉江怪物》《玉子》《雪国列车》的片段细节和技巧都在《编号17》里逐一出现，玉子的动画设计，怪物的造型甚至和上等人吃牛排（粉丝都会一笑）；当然还有《杀人回忆》里的镜头语言，特写仰拍等；不过最多的是关于《寄生虫》，除了再次对虫的描写，寄生虫电影中的别墅，阶层等等（这些都是386一代导演常讨论的），我欣赏的奉导，是一个艺术家，在处女作《绑架门口狗》中就展现的对一个符号/意象潜力的挖掘，他的处女作讨论的狗（寄生虫中的虫），以及《编号17》中的Mickey（鼠）。

这次对鼠的演绎从第一个特写镜头开始，Pattison的帽子和雪覆盖的半脸呈现出Mickey的模样，声音也处理过（当然也是演技）变得稍微有些尖细和声量小，然后对气味很敏感，表演也从一而终一直在Mickey mouse的角色中；女主角们（眼镜妹，特工妹，拉拉妹和黑妹；很抱歉我用了这样的词汇，请原谅我）也都各自与Minnie相似。

当然，这是原著的本意，Mickey就是白老鼠，实验的牺牲品。

电影隐喻极多，包罗万象，可以讨论的地方非常多。

不过，都放在一起之后，就是完美的吗？

（公众号：霧風誌，欢迎关注）出于对奉俊昊导演的期待，3月2日我去看了点映场。

一向以关注社会议题、擅长黑色幽默讽刺著称的韩国类型片导演，拍起好莱坞商业大片会是什么样子呢？

（以下内容含有剧透，介意勿食）先说我个人的结论，是成熟的好莱坞商业大片，从里到外都很美式，没有韩味，但这也意味着，没有奉俊昊。

影片不乏黑色幽默与政治讽刺的隐喻，镜头调度、特效等技术上也没有什么可挑剔，唯独缺乏奉俊昊在以往韩国电影中独特的尖锐感，既不够荒谬也不够深刻；科幻元素杂糅缺乏新意，复制人/克隆人、殖民外星与虫族大战······

人物情感以及人性的东西都浅浅带过，沦为故事的边角料，主角米奇17号的人物塑造更是仅仅服务于设定，没有深入探讨“我是谁”或生死的议题，拥有自我主体意识的“消耗品”是人吗？

在反复的死亡中是否找到一定想活下去的理由？

类似议题还是得看电影《银翼杀手》系列和《月球》。

米奇被设定为在外星球从事危险实验而不断死亡、隔天又被打印出来的“消耗品”，正如他的名字让人很容易联想到小白老鼠；有趣的是宣传用了“宇宙牛马”这样的字眼试图引起“地球牛马”们的共鸣，也是这部电影讽刺意味最强的地方——资本主义对劳动力的完全物化。

其实，无论宇宙或地球，底层牛马们都是上层的消耗品。

物尽其用，用完就丢，甚至“地球牛马”都不需要用高科技机器去“打印”，源源不绝、前赴后继、竞争上岗。

看了电影就会知道，“打印”只是一个比喻，现实的米奇编号到多少号了呢？

另外一个讽刺的点是马克·鲁法洛饰演的指挥官，明显是影射美国总统特朗普，疯疯癫癫、爱作秀的表演型人格。

不同于现实的点是，特朗普又从“打印机”里回来了，再次上任。

而电影里的因为太蠢、被主角反杀，竟然也没留下数据，以致于“永生”只是一个梦。

电影中对双重体禁令的逻辑也不够有说服力，指挥官主张一个灵魂一个身体，但米奇17和米奇18，他们被认可是有灵魂的吗？

如果米奇17、18作为消耗体而存在，是一个死了再打印一个新的，还是两个轮流上岗，或用作对照组同时做实验（效率更高），又有什么关系。

我的意思是，杀人犯同时有三个当然不好，但是本来就是被控制、被实验的工具人同时出现两个似乎也没什么不好？

影片高潮想必是虫族大战，确切地说是人类单方面野蛮殖民，人家原住民只想要救回自己的虫宝宝，恐吓一下人类罢了。

不知道为何外国人对外星生物/种族的想象总是各种各样的虫子类怪物？

是因为人类觉得自己是最高形态，想象外星生物只能是恶心低贱的东西吗？

傲慢且匮乏的想象力······看多了甚至觉得虫子挺眼熟（？

）建议害怕虫子的人谨慎选择观影。

我看过最有新意的对外星生物的想象是“一片海”，出自《索拉里斯星》（塔可夫斯基电影《飞向太空》原著小说）。

最后再来谈一下导演奉俊昊。

他的电影我看过不少，《杀人回忆》、《汉江怪物》、《寄生虫》······但是后来最多次回想的其实是《母亲》，金惠子饰演的母亲偏执又疯狂的跳舞的模样，每次想起来都会觉得好厉害。

“叙事上的极端设定、惊悚、黑色幽默，带有政治立场和观点的人文反思，同时又兼顾高品质的商业电影元素，这些是奉俊昊电影独具一格的魅力风格。

”（《电影概论》）《编号17》和《寄生虫》那些无论题材、类型还是深刻程度都没有可比性，就浅浅对比一下同样偏向商业片又同为科幻题材的《雪国列车》——用不同车厢隐喻等级制度、强烈而鲜明的视觉效果，人性矛盾和乌托邦的结局，都反映出奉俊昊超乎一般想象力和创造力。

而《编号17》很可惜没有这种力量，结局反派指挥官和夫人死亡，大家民主地决定摧毁打印机，米奇17号重新获得了姓名，与外星生物和谐共生，我只觉得这种大团圆结局十分无趣······整体来看，《编号17》还是一部可以轻松观看的爆米花商业大片。

故事流畅带点幽默，全员演技在线且政治正确。

就是故事不太能细纠，问就是设定。

如果放低预期，绝对不会是一部烂片，但我还是要写这篇批评，因为这样的电影可以是随便哪个有点实力的外国导演来拍，但左思右想都觉得，这不应该是奉俊昊。

霧風誌

本文英、西、葡语版独家首发于Peliplat 。

文 / desi排版 / 唯唯封面设计&责任编辑 / 阿崽全文约5100字 阅读需要13分钟 在《编号17》（Mickey 17, 2025）的一个高潮部分中，庆典的围观人群中的18号米奇拔出手枪，向台上演讲的殖民地管理者马歇尔开火，子弹擦过后者的面颊，引发了一阵骚乱。

如果说这个桥段的出现丝毫不会令人感到惊讶，那么不只是因为这位罗伯特（·帕丁森）在此只是在假扮电影史上另一位罗伯特（·德尼罗），一个暴戾的出租车司机模仿犯，而且还因为，在去年7月的美国大选中，全世界的观众已在现实中见证了一次场面十分雷同的刺杀，不过与电影的情节不同，这场刺杀远非一个政权岌岌可危的信号，而是反倒成为了一个领导人树立名望与权威的关键一步。

Mickey 17 (2025)奉俊昊的这部科幻新作对美国现任总统唐纳德·特朗普的讽刺可谓是一目了然，甚至有些过分轻车熟路，毕竟早在2017年——特朗普首次任期的第一年——的另一部韩美合拍作品《玉子》（옥자）中，他就已经书写过一次类似的美国政治寓言。

2020年，当特朗普公开批评奥斯卡奖将最佳影片颁给《寄生虫》（기생충, 2019）时，两个素来颇有渊源的领域的当红名人——一个爱拍政治电影的韩国导演，一个对电影略知一二的美国政客（起码他知道《日落大道》[Sunset Boulevard., 1950][1]）——戏剧性地成为了彼此的“死对头”。

一年之后，特朗普被白宫扫地出门，奉俊昊坐拥好莱坞的青睐筹拍新片，对决的局势似乎无比明朗。

然而又是四年过去，局势再次悄然翻转：特朗普在刺杀中幸存，支持率一路飙升，不仅赢下了大选，而且其形象和大名眼看着就要和里根一样载入保守主义政治的史册；而在另一边，随着疫情三年冲淡了人们对以《寄生虫》奥斯卡夺冠为尾声的10年代电影盛世的记忆，奉俊昊似乎同诸多进军好莱坞的外国导演一样，在一鸣惊人之后陷入后继无力的窘境，新作在北美市场不说是无人问津，至少也远远比不上前作当年的流行。

[1]在20年初的一次竞选集会中，特朗普称：“今年的奥斯卡有多糟糕，你们看到了吗？

‘获奖的是……一部来自韩国的电影。

’ 这到底是怎么回事？

我们和韩国在贸易上已经有够多问题了，结果他们还把‘年度最佳电影’奖给了韩国？

我在找像《乱世佳人》这样的电影——我们能不能让《乱世佳人》回来，好吗？

《日落大道》，那么多伟大的电影。

颇为遗憾的是，如果《编号17》的制作发行周期没有因好莱坞罢工事件延后一年，那么它或许有机会提早几个月“预言”那起世界瞩目的刺杀，而不至于像现在这样，同一众平庸之作（包括他所赏识的阿里·阿巴西执导的一部传记片）一齐被归入所谓“后特朗普时代电影”之列，犹如一纸过期的檄文，其试图口诛笔伐的暴君已经先一步宣布了胜利。

似乎在这些关键问题上，电影与其所处时代总是错位的，不是太迟，就是太早——例如，索德伯格在《传染病》（Contagion, 2011）中描绘的末世图景直到九年后才显明了意义，但那又如何？

恐怕一切的本质不过是马后炮式的巧合，要想从浩瀚的电影史里搜罗到针对当下现实的一些蛛丝马迹的预兆，并非什么难事。

那么，故事是：在飞往殖民星球的飞船上，身为“消耗品”的米奇每每被派去执行危险任务，死亡后再被重新“打印”出来，直到有一天，没死透的17号米奇碰上了新鲜出炉的18号米奇……改编自一部名不见经传的科幻小说，《编号17》中对资本主义通过新科技来创造新的剥削形式的想象，并未超过近十年来一些经典科幻美剧（《黑镜》[Black Mirror, 2011-2023]《瑞克和莫蒂》[Rick and Morty, 2013-2023]或《人生切割术》[Severance, 2022-2025]）的脑洞限度。

经典的“沼泽人”问题 [2] 引发的主体同一性悖论在诸多电影里都有过演绎，最知名的可能是《致命魔术》（The Prestige, 2006），本片里的复制重生技术也可被视作它的赛博朋克变体。

[2]沼泽人思想实验（Swampman Thought Experiment），由哲学家唐纳德·戴维森（Donald Davidson）于1987年提出。

假设某天，戴维森在森林中被雷劈死，而十分钟后，另一道雷击在附近的沼泽中随机生成了一个与他完全相同的复制体，这个“沼泽人”拥有与戴维森本人相同的外貌、记忆和行为，但它是偶然形成的，并没有经历原人的人生经历。

沼泽人还是原来的那个人吗？

它的思想、语言和意图是否仍然具有意义？

该思想实验挑战了意义是否依赖于历史因果关系，并在20世纪末引发了关于心灵哲学、语言哲学和身份认同的广泛讨论。

Mickey 17 (2025)这让我想起，多年前我曾与两个朋友就敢不敢进行这样的复制、以及复制之后“我还是不是我”争论了几个小时，当时我对他们不带任何犹豫的肯定感到震惊和不解。

然而现在我明白了，其实所有人，无论是否愿意，都注定要将自身的连续同一建立在无法被确证的假定之上，只要你睡过觉；更不用说经历过喝酒断片这类会丧失一部分记忆的意识中断——醒来的我还是不是昨天的我？

沼泽人问题的结论是无法证明任何一个人不是沼泽人，不知不觉中，我们可能早已被偷换成17号、177号、1777号的自己；但不会有人因此恐惧睡觉（其实还是有的，他们被视作精神病人），毕竟不会有人担心自己某天失眠出门夜游，回来却看到另一个自己从床上醒来——如果《编号17》这么拍，估计会加倍地“细思恐极”，可那就不是奉俊昊，而是某种……大卫·林奇式的情境？

（17号米奇和18号米奇的确是在床上首次发现彼此的存在，借由一个技术上十分精彩的镜头——这当然只是个巧合。

）

Mickey 17 (2025)以上的衍生讨论与电影本身关联不大，因为《编号17》中的复制人首先必须被视作一种电影效果，而一旦如此，我们就会发现，“复数的我”其实是电影所能制造的最基本的奇观，至少可以追溯至一百年前的默片《剧院》（The Play House, 1921），其中所有角色都由巴斯特·基顿一人饰演。

进一步说，“一人分饰多角”的手法不只是一种表演层面的挑战，它还涉及到了电影认同的核心生产机制。

在《编号17》中，“二重身”的同框出现几乎不会引起任何诸如“我该认同/代入哪一个‘主角’？

”的困惑，这当然一方面归功于奉俊昊在调度上的设计和引导，另一方面也是因为，17号和18号虽然生物学上完全一致，但却被我们视为截然不同的、甚至可以说本质上没有什么共通之处的两个“角色”。

旁白将叙事视点固定在17号身上，18号被当做次要角色，这是对上述“认同哪个主体”的问题的一个较为安全稳妥的回答，即，认同被我们更早看见、更“熟悉”的那个，而不是后来“闯入”的那个，尽管从情节设定上说，他们都是平等的复制体，而真正的原初的本体早已在某次危险任务里死去。

类似的情况发生在去年的《某种物质》（The Substance, 2024）中，在那里电影本身并没有随着女主角的分裂而一同分裂，因为我们自然而然地会代入旧身体的视角，而将那个新的身体视为一个陌生的、异己的主体；“某种物质”使用说明里的“务必记住你们是同一个人”之于电影观众只可能是一句无效的警告。

The Substance (2024)的确，在电影中，我们倾向于将同一个人视为很多个不同的人：例如，我们绝不会将《大都会》（Cosmopolis, 2012）里的帕丁森、《新蝙蝠侠》（The Batman, 2022）里的帕丁森和这里的两个帕丁森混为一谈。

这并不是在说，帕丁森把不同的角色乃至不同的复制体演得性格鲜明（不妨说人物塑造上过大的差异是本片最大的败笔之一），而是一种更为激进的、本质性的表述：我们之所以认为17号米奇和18号米奇是两个彼此不同的复制体，而不是特效合成镜头里的同一个演员，并不是任何证据说服了我们，而单纯只是我们愿意这么相信罢了。

这个表述也可以被倒转过来，即，同样没有什么证据能证明在不同的分镜头里出现的演员是同一个人：上一个镜头里，帕丁森从左侧出画，下一个镜头里，他又从右侧入画，我们并没有理由认为，在镜头的缝隙之间，他就是直接这么走过来了，而不是比如说，在片场坐下来休息，补补妆，等待下一个机位的布置，再拍一条保险镜头，让替身帮他拍远景等等。

在视觉暂留原理和库里肖夫效应之外，真正保障了电影中的主体/电影自身的主体的连续同一性的，正是观众心中这种堪称一厢情愿的心理认同，即克里斯蒂安·麦茨所谓的“想象的能指”——属于电影本体的沼泽人幻觉。

Mickey 17 (2025)从《杀人回忆》（살인의 추억, 2003）大获成功开始，奉俊昊俨然已被塑造成中国科班业界对导演的某种理想型。

你的确可以对《寄生虫》开场长镜头起幅构图中晾衣绳和窗户的斜度大加分析，或者仔细推敲片中落地窗内外、地势高低的空间设置的隐喻，但如果仅仅关注这些方面，显然就错过了他电影中那些尤为有趣的怪咖时刻，那些工整结构之中的不平衡的部分。

和大卫·芬奇那讲究完美和精确的“教科书”不同的是，奉俊昊电影中的人物和情绪总有些微妙地过火，这种感觉很难用文字描述，或许只能形容为一种“动漫似的表情丰富”——注意是动漫（cartoon/anime）而不是讽刺画（caricature），让我们暂且区分两种姿态不同的浮夸性，后者意味着一种单义刻板的修辞，而前者则指向一种被放大的生动和……可爱。

기생충 (2019)这种特质仍在《编号17》中得到了保留，尽管很多时候被淹没在了好莱坞电影工业差强人意的行活之中：那些由《汉江怪物》（괴물, 2006）的设计师制作的外星怪物以羊角面包为灵感来源，戴眼镜的善良科研人员多萝西和17号米奇一边急匆匆地走着，一边模仿它们的声音对彼此尖叫。

史蒂文·元演的韩国哥们、不分场合拿着摄影机开拍的神父甚至马歇尔本人都有各自好玩的时刻（并不是指那些讽刺性的时刻），可能只有马歇尔的妻子伊尔法一直比较可怕，但这也许是因为托妮·科莱特的脸总让人想起她在《遗传厄运》（Hereditary, 2018）里的表演，其实她对酱料的执着也比较像是某部儿童片里的反派会有的设定。

这也是为什么，虽然同样是在一个封闭系统内隐喻性地描绘阶级秩序，《编号17》却并不会像《悲情三角》（Triangle of Sadness, 2022）或者《可怜的东西》（Poor Things, 2023）那样故意呈现一些令人作呕的图景来惹人反感。

在这里，一点点愚蠢比起受讽刺的丑态，更像是某种可爱的洋相。

The croissant-like creature in Mickey 17但把《编号17》完全当做一部没有包袱的动画片也不符合实际情况。

奉俊昊的确远不至于沦为鲁本·奥斯特伦德或欧格斯·兰斯莫斯那般的电影节、颁奖季投机分子，但他当然也有自己想要抵达的“深度”，否则就不会有《杀人回忆》和《寄生虫》中一环套一环的反转，不会有《雪国列车》（설국열차, 2013）和《玉子》中的反资本主义寓言，更不会有《编号17》中对特朗普的含沙射影。

实际上，继承着韩国电影的特色题材传统，十几年来奉俊昊一直孜孜不倦地把“阶级”当做自己电影最核心的主题，远早于全球政治风向的大规模右转。

就这一方面而言，《编号17》的中立主义简直意料之中地无趣；一如前几部作品，奉俊昊既嘲讽保守主义秩序的既得利益阶层，又不信任刺向秩序的暴力（《雪国列车》的革命群体、《玉子》中的动物解放阵线、《寄生虫》中的穷人们以及这里的18号米奇——如果非要这么解读的话）。

설국열차 (2013)过于认真地对待一部商业电影的“主题”多少有些自讨没趣，那么在大众接受的层面呢？

虽然“太空牛马”之类略显搞笑的宣发展现了内地片方铆足了劲吃议题红利的决心，但《编号17》之于它所代言的大企业螺丝钉、996上班族们，显然远远不可能产生《瞬息全宇宙》（Everything Everywhere All at Once, 2022）之于“东亚家庭”、《芭比》（Barbie, 2023）之于女性或者《哪吒之魔童闹海》（2025）之于民族主义者的感染力，无论是褒义的振奋还是贬义的煽动。

是因为奉俊昊想要的太多了（除了阶级，还有种族主义、极权主义、殖民主义、伦理学……），还是反过来，因为他的思想和表达太没有野心、太隔靴搔痒？

或者说，同《悲情三角》的情况类似，这种“寓教于乐”的、同时承担娱乐的功能和寓言的义务而不感觉自相矛盾的主流电影创作思路，本就只可能导向轻浮与无力（但另一方面，那些爱好拍摄“严肃深刻”的社会题材影片的导演，肯·洛奇、阿斯哈·法哈蒂或史蒂芬·布塞们，也未必能得到批评者的好脸色）？

甚或干脆说：阶级议题，就其本身而言，已是一种落伍的俗套，相较于这个日新月异的世界而言不再有时髦性和时效性？

——但若果真如此，去年胜出的就会是民主党，而不是……

Chinese mainland poster of Mickey 17或许事实恰恰相反：在这个马克·费舍所谓“想象资本主义末日比想象世界末日更困难”的时代，阶级的悬殊性和不公的普遍性成为了最稀松平常的体验，以至于没有人需要电影再来向我们一再揭示这深入人心的常识；换言之，如果说电影的表达看起来很陈旧，那是因为相关的现实问题本来就早已是一堆陈词滥调了，你又能期待创作者从中发掘出什么新颖的东西呢？

阶级现实雷打不动，电影自然也换汤不换药地继续自我复制下去，直到最愚钝的观众也终于看穿其中的陷阱，即任何高举反资本主义旗号的文化产品，最终都只会作为所谓“构成性例外”而被收编为资本主义逻辑中的一环，生产着一种被剥削者的倒错的享乐：购买一张电影票，沉浸在资本主义（1亿美元成本）为你打造的一个反资本主义的故事里……为了不让这篇文章也变成同样的陈词滥调，还是打住为妙，毕竟近段时间的热门电影已经为这些话题提供了足够多鸡同鸭讲的各执一词，无需重蹈覆辙。

Mickey 17 (2025)但我想强调的是，如果说电影对现实能施加的唯一影响力并非推动变革、也非教育大众，而只是一时的博君一笑，那么大概正是在这一点上，奉俊昊又一次输给了他的对手：许多人对《编号17》中的露骨影射颇有微词，认为把政客及其狗腿子们的丑恶嘴脸拍得那么形同儿戏实在是不太高明的手段，然而比起特朗普本人在X上发布的那支离谱到令人哑然失笑的“Trump Gaza”AI视频 [3] ，只能说，呃，电影还是太保守了。

没人知道特朗普是不是上帝派来“让美国再次伟大”的弥赛亚，但作为美国有史以来最有网感的总统，他的确称得上是炒作天才、先天抽象圣体，我毫不怀疑在他的领导下，现实将会逐渐比任何电影都更像一出讽刺喜剧，直到有一天美国人从睡梦中醒来，忽然发现自己已经身处在《南方公园》（South Park, 1997-2023）的某一集里，一如特朗普在白宫吵架事件末尾所做的总结：“这会是个很好的节目！

”不是电影戏仿现实，而是现实成了电影“活生生的翻版”，届时好莱坞导演们是否也会像17号米奇一样，面对更强大的复制体，而感到一种无法再在流水线生产的循环中永远存续的恐惧？

[3]https://x.com/DK_ForCongress/status/1894615915255210430

Trump and Zelenskyy's Oval Office argument正是：拍讽刺喜剧偶遇一国总统行为艺术，节目效果强如怪物，拼尽全力无法战胜。

没有时间为奉俊昊8（第八部长片）感到悲伤，下一个抵达战场的是……奉俊昊9？

全文完 评分表

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异见者否定既成的榜单、奖项、导演万神殿和对电影史的学术共识的权威性，坚持电影的价值需要在个体的不断重估中体现。

异见者拒绝全面、客观、折中的观点，选择用激烈的辩护和反对来打开讨论的空间。

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异见者不承认观看者和创作者、普通人和专业人士之间的等级制；没有别人可以替我们决定电影是什么，我们的电影观只能由自己定义。

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*以下内容涉及剧透，请自行选择阅读。

1.控制论与死亡 “意识上传与身体打印”是电影的核心概念，几乎对应着“身体与意识是可分离的”、“人类的身体同样也是信息的系统”这样的学说。

所以电影要讨论的一个重点，即人类不断改造自身，除了赛博格这样的后人类，一个被复制出来的人类，是否还是“人类”（Human）这个概念所能定义的，继而自然会引发伦理混乱以及“多重体”等状况引发的自我认知危机。

所以“死亡”的定义也由此扩大化，这已然不是陌生的话题，器官移植、心肺复苏等医疗技术所关联的，正是死亡边界泛化的源点。

身体改造是后人类绕不过去的方向，哪怕是教会成员下巴的“穿孔”、手背的“纹身”，都是如此。

虽然导演显然表现出了技术悲观主义的反思。

但就后人类本身而言，这种行为意味着人类尝试主宰身体。

所以话说回来，米奇18和米奇17两副身体，会互相产生恨意或是嫉妒等情绪，然而就意识/灵魂/信息而言，他就是他，只有一份意识是否会成为后人类认知自我的方式？

电影提出了问题。

2.后人类女性主义与生物主体 在唐娜·哈拉维等学者的观点中，赛博格、女性和“怪物”（可以对应“恐怖虫”这样的外星生物——虽然这个命名是人类中心主义的）是处于同一阵营，都会面对技术权力的殖民危机。

这也是这部电影更为深入的原因，巧妙地设置了纳莎、恐怖虫以及米奇17身上异于传统男子气概的性格，这样的三个维度指向了同一个反思，曾经的人文主义颠覆的同时，如何避免后人类时代再次沦为白人男性（西方）式的独裁局面。

非人类主体与人类关系的重塑，在某种意义上，语同女性、动物主体性的再思考。

所以，无论是关乎“伴侣物种”或是“游牧主体”，在电影世界观下极致的后人类世，米奇·巴恩斯、纳莎与恐怖虫的角色承载着主体边界再探索的职能。

尤其喜欢虫虫的母系社会结构，纳莎对于周遭的主导，米奇17的服务式人格。

3.政治狂热与技术集权 如第二点所言，电影中不仅有纳莎这样的女性主体，有打破人类例外主义的高智慧非人类生物，更有针对技术集权的批判。

这当然与电影整体的反思基调相关联，未来惊奇实现的同时，除了狂喜就是末世。

这一方向的表达，几乎由马歇尔意图创造外太空王国的情节负责。

包括宗教、媒体在内，都辅助了权力的形成与压迫的实施。

（包括摄制组的完美） 可惜的是在查找宣发物料的时候，主要是围绕罗伯特·帕丁森展开的，娜奥米·阿基（纳莎的演员）的相关剧照并不多，虫虫的也不多。

但是电影中纳莎的高光还是很多的。

虽然槽点很多，但我依旧觉得这是一部没让我失望的期待已久的好电影我知道为什么这个电影会被打低分，因为这个电影槽点很多，比如政治正确的黑女主角，比如黑化的亚洲人，太多了。

但我依旧觉得这是一部没让我失望的期待已久的好电影。

因为有几个地方让我很有感触：1 还是还是那句老话，你对这个世界如果不满意，那就去努力改变它，而不是抱怨，一个人不行，就努力带动更多的人去改变，就像那个让摄影师悄悄拍摄下boss罪行最后反叛的那个特工（有意思的也是一个亚洲面孔），就像纳莎·巴瑞吉最后竞选委员会。

当然肯定会有人持反对意见，这个世界哪有那么容易被改变的，说说容易做起来难。

是的，的确很难，但是人生的意义就是要折腾。

2 男主最后在噩梦中终于勇敢地面对了。

他去碰了boss的妻子的手，这意味着他终于战胜了从5岁开始困扰自己的心魔，而对应的现实是他也终于按下了那个引爆打印机的红色按钮，终结掉了克隆人。

这个同时让我想到了自己重复梦到的一些噩梦心魔，比如大巴坠崖等，但有一次我终于没有直接从噩梦里醒来，而是在梦里终于救下了整个大巴的人，后来我就很少梦到这个困扰我很久的噩梦了。

因此我后来看国产剧《开端》非常惊讶，因为《开端》里讲的重复的那段大巴失事也是困扰我很久的噩梦。

3 编号18在按下和Boss同归于尽的按钮的时候犹豫了一下，boss还发出了“来我这边吧”的诱惑邀请，这个让我想到了之前许多经典艺术作品中也有类似的主题，比如《魔戒》里千辛万苦一路披荆斩棘的人族皇子埃西铎却无法抵抗住诱惑戴上魔戒，《星球大战》里安纳金在关键时刻倒向帕尔帕廷成为达斯·维达，但是编号18还是按下了这个按钮。

这点让我很敬佩，换成我是编号18，是否能按下和Boss同归于尽的按钮呢？

这也是我在2023年就很期待的想在电影院看的一部电影，虽然我最终没有在电影院看成，但果然还是没让我失望，虽然我知道很多人不喜欢这个电影。

另外，我也想看完电影之后再去看一下原著小说。

奉俊昊的几部电影都蛮合我胃口的，包括《杀人回忆》，《雪国列车》，《寄生虫》，我觉得他能在《寄生虫》多年之后依旧带来稳定的发挥，还是蛮不容易的，但我也知道这个电影真的有很多槽点。

《米奇17》很难评，也许是饭后犯困，几欲睡着。

今年最期待之一，但真的不喜欢。

故事没有动力，令人没有看下去的欲望。

好不容易17、18号同屏了，开始有那么点意思，但也很快就泄掉了。

两个米奇的表演有区分，但又没那么刻画深入。

且人物没有好好刻画，影片结束你都没能真正理解米奇这个人。

感觉是一部花了大价钱的导演自high片，所以一开始传言的华纳内部不满意看来不是空穴来风。

个人表达也没事，但是片子的影射、隐喻太太明显了。

一旦玩映射现实玩的这么明显，就会像赤裸裸的野心家，看上去很幼稚和浅显。

这时候要么玩得极致癫狂一些也行，但是片子场面、元素上，又普普通通。

反刻板印象的设定就更不出彩了。

以前《杀手回忆》和《寄生虫》都是拉片必备教材。

尤其《杀手回忆》的camera movement、blocking和staging都是经典，但这片子里导演完全没有出彩的调度，失望！

《编号17》还是上映晚了，不知道如果稍微早点出，会不会拿到最佳影片。

也可能是因为奉俊昊的黑色幽默还是很对我胃口，比起用定番出现的桃色场景，科幻题材的灵与肉话题确实更加带感一些。

诚然，比起《寄生虫》贯穿始终的贫富不均的问题，《编号17》的主题确实过于繁杂了，其中包括但不限于《雪国列车》《玉子》还有《寄生虫》中就出现过的有关阶级的空间与叙事的对比探讨（这其中一些时事影射让影片更加黑色幽默了），关于克隆技术（人体打印这个说法听起来蛮新颖的）的伦理问题，太空歌剧电影中永恒（？

）的殖民地问题。

但我看下来会觉得，从原著开始，《编号17》中最中心的点可能用片中的一句台词可以概括：「一个灵魂只能拥有一个肉体」。

于是重点就从阶级或者伦理转移到了肉体与灵魂上，先说结论就是：灵魂不会因为没有肉体而更高尚，肉体本身可能就是包含着灵魂。

这应该是奉俊昊的《编号17》的独特之处。

故事文本中最核心的肉体消耗，就由此引申出各个支线。

第一便是人体打印机与消耗品肉体，延伸至资本主义的价值剥削。

然后是娜莎看到米奇17和18后直接选择3P，还有卡伊——精虫上脑后，灵魂就不重要了，是块肉就行。

人类无法理解外星生物之前，也都是默认可为刀俎的「肉」而已。

其实全片困扰我的最大疑点，就是为什么米奇18会与米奇17有巨大的性格差异。

如果每次人体打印后输入的记忆相同的话，为什么会产生两个截然不同的米奇。

虽然没看原著，但我能想到的唯一解释，就是在某个瑜伽课程中，提到拉伸对健康的益处时，tutor说出了一句：your issue is in your tissue（你的困扰被困于你的肉体之中，所谓拉伸就是释放肌肉中的压力以放松自己的精神）。

所以米奇18的肉体中指定混入了什么垃圾，——毕竟是循环回收出来的，比如毒品啊什么——才产生出一个乖戾的米奇。

这倒是有关克隆技术一直以来的忒修斯之船的问题，即便记忆复制，也不会有两个相同的灵魂。

人体消耗，就是杀戮。

———————— 说一些有关影像的问题吧。

1 自述旁白着实有些聒噪了。

缓慢但悬疑的摄影机移动本来是奉俊昊签名版的技术，《编号17》中显然有些被放弃的意思，反而染上了滨口龙介的那种情绪重心的正面脸部特写，导致全片我印象最深的反而是高潮处大声呵斥的娜莎的脸，着实有些欣赏不来。

2 外星生物的外形说没借鉴《风之谷》里的王虫的话我完全不信。

但就是没有动画那样震撼，好像奉俊昊拍这类大型动态的场面就不太行，那为什么不学习一下《风之谷》中王虫过境片段的动静结合。

3 时事影射的部分，有点政治讽刺漫画的意思，但就是没有《雪国列车》中蒂尔达斯文顿的恐怖感，反而有点招笑和轻浮，所以我感觉一般。

你现在深呼吸，啥也别想。

是不是不由自主紧张。

你在想为什么会这样？

这样有啥用。

外界反馈多了，做任何事情都要依赖外界反馈来判断事情的价值。

而不是自己的感受，久而久之，感受的能力没了感受的价值就会被更加忽视。

就变成了一个不但没有自己的感受，还会批判自己的感受，在各个方面怪罪自己怪罪他人。

主动迎合对自己有反馈哪怕是虚假的反馈。

所以，我们在追求自主性的过程中，我们是否正在创造新的依附形式？

米奇追求逃脱债务的自由，却把自己变成了消耗体？

那他的债务是如何获得的呢，是为了自己创业做马卡龙。

米奇一直在追求自由自主，怎么就变成了耗材了呢？

这个过程才是最扎心的。

我们对自己的感受不热爱了，那不就意味着，我们也在不断迎合？

还以为自己在探索宇宙？

你再呼吸一下，感受一下，告诉自己这一秒具体的感受。

这是你第几次轮回此生？

这一次的你又在忽视什么呢？