前四分之一,差点冷了场。
之后才渐入佳境,然后又匆匆结束。
音乐传记片的亮点都有一点,又都不够支撑一部殿堂级——像他的音乐遗产那样——的作品。
音乐没讲什么,个人经历/心路历程没讲什么,感情生活没讲什么。
倒是一直在蹭迈尔戴维斯的热点,这里这个戴维斯,像是从海上钢琴师中,把那个生硬的陆上“音帝”剪辑过来的。
http://www.cbcmusic.ca/posts/11742/born-to-be-blue-composer-david-braid-reveals-the-p 正在上映的《生为蓝调》,可不是普通的传记片。
影片由Ethan Hawke出演著名的爵士音乐家Chet Baker,Carmen Ejogo演他的一个虚构的恋人。
电影音乐的作曲人David Braid把这叫做『戏说历史』。
影片讲到了Baker一生中的高光时刻,但没有严格按照史实,而更多地把它作为故事的起点。
影片对Baker做出肯定的评价,但观众如果想要看到他一生的忠实的再现,恐怕就要失望了。
Baker一些最知名的作品,比如《Somewhere Over the Rainbow》《My Funny Valentine》,都出现在影片当中。
来自多伦多的爵士乐手、多伦多大学校友Braid负责围绕电影的故事,对他们进行演绎、再创作。
CBC Music和Braid坐到一起,聊聊他关于这部电影所做的工作,关于怎么和Hawke还有Ejogo合作,以及他在电影中准确地临摹爵士音乐的时候是怎么构想的。
你是怎么加入到这个项目的?
唔,我们导演,Robert Budreau,很多年前在《环球邮报》上面看过一篇写我的文章,然后来多伦多听我的演出。
演出之后,他来跟我握手,问我要不要加入一个电影短片项目。
不久之后,我们给Bravo电视台做了两部短片:《Dream Recording》和《Photographic Fate》。
大概五年前,他又来找我做个新项目。
他说,『我拿到一部讲Chet Baker的片子,非常期待你的加入。
』当然,我答应了,因为跟Rob合作很开心,而且关于音乐的部分显然很棒,还跟我非常贴近。
那么我想你当时该挺迷Chet Baker的吧。
那是。
虽然只是偶然,但我得到的第一张CD,就是Chet Baker的合辑《Somewhere Over the Rainbow》。
CD封面很有他的个人风格,我一看就很想买。
他的音乐情感非常饱满,而且我想直到今天,都有影响到作为乐手的自己。
我接触爵士即兴的时候,会更关注抒情的那一面。
我想这可能就来源于早年跟Chet的这种联系吧。
当你为电影创作音乐的时候,是怎么一步步去做的?
这可以分成两个阶段。
我们决定好哪些曲子能配合故事之后,我就开始对Chet Baker的风格做更深入的研究。
这样当我在编曲的时候,才能把精华的部分重现出来。
银幕上的表演必须贴合故事发展,这就是为什么我们没有用Chet Baker的原版音乐。
故事里不需要那么完美的录音棚小号演奏。
而不完美的小号演奏,其实才是故事的重点。
因此,我们必须搞清楚怎么去表达这个不完美,同时也不会让观众觉得不舒服。
这其实很难。
想想你不可能让一个小号手在银幕上一直找不着调,这会搞得大家都很不爽。
但是,如果让这些失误太不明显,大部分的观众又有可能注意不到。
所以这就是电影开拍前的第一阶段?
对,我们的做法不是很普遍,我们在开机之前就完成了全部录音。
这样当演员去表演的时候,真正的原声带就可以在旁边播。
其实这样才对。
因为如果音乐要在电影拍好之后才做,我们就被迫要对着演员的表演卡时间,做很多妥协。
加上要跟演员们的表演同步,这个几乎是不可能的。
影片剪辑到最后一版,都还是有些音乐上的调整。
我要改掉一些不满意的地方。
不过为电影做音乐就是这样嘛。
那么下一个阶段呢?
第二阶段就是给电影写一些新的配乐。
有另外两个作曲人去做一些更传统意义上的电影配乐材料。
我挺享受给电影配乐的。
首先是因为我之前没怎么做过这类工作,但我在录音棚里需要在比如配合画面的时候,用上一些更富有创造性的技巧。
然后我最享受的部分,可能是写一些弦乐跟爵士乐的合奏。
那段时间我熬了好多个通宵,因为直到几乎是最后,我才决定要融入弦乐的部分。
我写好20分钟之后就开始录音了。
你有没有最喜欢电影里的哪段音乐?
绝对是电影最后高潮部分的演出。
我在中国刚演奏完《蓝色狂想曲》,就收到导演的邮件,问我要不要回去编排和录制新的东西。
我在酒店里面利用倒时差的时间,连夜做了新的编曲。
房间里没有钢琴,我就快速地一边唱一边写。
我真的是从中国飞过来,一下飞机就直接去到录音棚,然后录完了《I've Never Been in Love Before》。
Ethan的人声部分非常棒,还有Kevin Turcotte的表现也是。
电影里Chet吹奏的音乐就是他负责演奏的。
原版的音乐,是出自电影《红男绿女》,非常轻松,表现刚刚开始的一段爱情。
但放到《生为蓝调》的背景里面,歌词就有一种幽暗的东西,文字的意义变得完全不同。
我在和声上做了部分处理,去反映这种幽暗。
这也是影片结束前最后一段音乐,最后一次我可以触及到观众。
和声部分我稍微让它有一点当代音乐的感觉,这样现在的观众听起来,可能会感觉更加有共鸣。
这种你想要在电影音乐里注入的当代的感觉,你觉得是很重要的元素吗?
导演和制片人非常棒,他们懂得怎么样在爵士乐创作的过程中保持距离。
他们交代我一些必要的东西,其余就让我和其他乐手搞定。
我非常感谢他们对我的信任还有这种合作精神。
这让我可以重现Chet的音乐的灵魂,去表达这个故事,同时对一些跟情节十分相关的歌曲做出调整,去引起更多当代的观众的共鸣。
结尾的这首歌就是个很好的例子,它是为了加州海滩上面那场戏的弦乐而作的。
你从Chet的音乐里面提炼了什么元素,然后又用到了你的作曲当中呢?
他的音乐有着非常独特的东西——抒情、浪漫、简洁——这些都丰富地运用到弦乐的编写里面。
我所写的全部曲子都非常注重旋律,这是最重要的。
你是怎么跟演员在银幕上的表演配合的?
Ethan的话,他想把小号手Kevin Turcotte在录音棚里的表演整个录像,这样他就可以回去研究和模仿。
他还去学吹小号,让自己真的了解肢体上怎么去演奏这种乐器。
Carmen Ejogo,在电影里演Jane。
她来上过一节钢琴课。
我写了一段钢琴谱给她弹,好让上镜比较可信,而且不难学。
Carmen超快地把它学会了。
然后对于制片人,他们非常想做到演奏看起来跟真的一样。
很多电影都做不到。
综合来看,《生为蓝调》里面的音乐演出看起来还是相当可信的。
我觉得这很棒。
像《爆裂鼓手》里面那种准确地演奏爵士乐,你是怎么看的?
我想《爆裂鼓手》是部很成功的剧情片。
但说到它展示出来的爵士乐的教学,还真挺扯的。
我自己经历过爵士乐的教育,所以我没办法抛开我的经历,去认同它的这个部分。
所以你是怎么看《生为蓝调》最终的成品的?
我之前没做过这种规模的电影项目,所以直到在大银幕上面看这部电影,伴随着很大的音量,我才感受到这次制作的恢弘。
Ethan和Carmen很迷人,拍得很美,剧本很感人。
我不想王婆卖瓜,但我觉得音乐也很有魅力!
当我看到所有东西放一起出来的效果,我真的很自豪。
<图片1>蜘蛛从小号里爬出来。
那是音乐的固体幻觉,有毒而美的迷惑物。
此刻,五十年前的的调子,从隧道另一头涌过来。
Ethan Hawke演的老chet坐在浴缸里,试着吹出声音,结果吹出一股一股的血。
假牙的刺痛,透过屏幕,能扎进我肉里。
他打开幻觉的入口,教徒一样,随着音乐,抽干自己的肉和血。
就这样,chet用自找的痛,到达有质感的魅惑。
与此相伴的,性爱,海浪以及汩汩流出的血……这一切,毋庸置疑,是即兴音乐的真正复调。
生而为蓝。
演奏家chet生来要演奏一切。
世界——女人、道路和海浪,都是他的乐器。
这样的音乐家从来不寻求什么。
因为他就是“寻求”本身,是欲念本身。
因此他无法演出理想的调子,只能表现他自己。
“近乎着魔和不顾一切的献身常常导致吸毒和酗酒,并似乎成为实现即兴创作和演奏的必需品。
即兴创作和演奏需要对世事的深刻洞察和巨大的敏锐,所以大部分炫技派音乐家都回避它们的挑战。
”(威廉•迪安 )但chet显然不是炫技派艺术家,他自己跳进坑里。
chet的迷人是因为他自身包含了尚未明晰的部分。
他似乎拥有着最漫长的青春期。
敏感青春阶段的每个音符,每段落的转折点,都包裹着温柔的炸药。
或者,粘稠且细密的谜语——墙上的蛛丝马迹,海滩上的波浪纹,还有荒野上的化石。
当然还有皱纹,爬上逐渐坍塌的脸。
最终,chet还是个少年,只是长满皱纹。
(Ethan Hawke也体现出这样的倾向)chet用纤细的气质,召唤蔓延的生长痛。
在路上,在烟雾中,在雪地里。
用颓废的语气,宣告let's get lost这不是一句口号,仅仅是陈述句。
用以阐述蓝色,以及,用来消解自己。
为从未真正被Chet熏陶的我映开眼帘 Chet从未想到美沙酮里的纯真和注射器里的成功会撼动灵魂的迟暮 镜面中Dick在暗角里推他加州沙滩别墅黑框眼镜的时候 希望他看到了蜡烛里的油和Chet的眼泪 实话是我也希望拥有Jane Azuka式的爱情 此外导游用尽全力让Miles看起来不像是个坏人 可惜失败了 希望有生之年看到“Kind Of Blue”Cinematic Remastered
Chet Baker 演奏的音乐是爵士乐,准确来说是西海岸冷爵士,并不是传统蓝调音乐。
影片标题中的「Blue」,更多是用欧美文化中蓝色代表的文化意义——阴郁色彩,作为影片的一个隐喻,这种阴郁弥漫了 Chet Baker 的一生,直到最后。
这部电影是部创新型传记,因爵士乐的流动与千变万化的特性,片中采用黑白电影与现实的虚实交叠的手法,让人时而难以分清梦境与现实,也暗示了 Chet Baker 作为瘾君子一生的精神状态。
虽然 Chet 出名的曲目,并非都是他自己作曲,爵士乐界大家都爱将多年前的老曲目翻来覆去地演绎,但爵士乐很特殊的地方就在于,由于爵士乐的超级灵活性以及即兴演奏的特性,一个作品呈现出来的效果,极大程度取决于演奏者/演唱者,以及他们之间的配合。
所以爵士乐是一种流动的音乐。
如何理解即兴与流动呢?
从录制的过程就可以看出,录普通的歌曲,大可以用「贴唱」的方式,所有配器组成的背景音乐录好了,再请歌手来,耳机里放着背景音乐唱一遍录进去;甚至组成背景音乐的不同乐器之间也可以和「贴唱」一样,一个个来录音室分开录制。
但爵士乐演奏较少这样做,你需要请所有乐手到一间屋子里,他们需要一边演奏,一边看得到对方,用眼神和默契交流,哪里该让渡给你小号 Solo,哪里我钢琴加一段花儿(增加一些装饰性旋律),每一次演奏都不会完全一致,要看着大家的感觉来,感觉对了,就是天作地和。
原曲目的旋律在演绎作品中只抽离出一具骨架,如何填充成一个有血有肉相貌英俊的人,全看表演者的才华。
影片开头是比较压抑的,到中间部分剧情有所转折,男女主角住在一辆非常漂亮的迷你房车里,于海边旅行,练习音乐,女朋友给予了 Chet 温馨的陪伴,经纪人也给予了他极大的理解与支持。
影片的故事体现了人性与命运,有与自律作斗争,在艰难中挣扎,有卓绝争取来的好运降临,也有自身的悲剧。
以他出狱后的晚年生活作为故事主线,讲述他如何在命运的起起伏伏中,坚持打磨着,使他的爵士乐日臻成熟。
影片中有伊桑霍克演绎的 Chet Baker 完整的经典曲目「My Funny Valentine」,「I’ve Never Been in Love Before」,不得不说伊桑霍克的唱腔简直以假乱真,找不到比他更合适的演员去演这个角色了。
Chet 与 Jane 的分歧也在于他们在乎的未来不一样。
Jane 视镜失败,Chet 安慰说很多艺术家太有天赋,他们创作的东西超前了100年,那个时代没有人能懂;Jane 说她在讨论的不是天赋,她只想要一份工作。
Chet 在影片最后说,他想要的不是一份 Career,否则他就继续在加油站打工了,他想要的是回到从前的生活,像以前那样表演他的音乐。
Jane 想要的是一个普通的,充满希望的生活,Chet 离不开的是他的音乐与天赋的释放,哪怕需要以癫狂作为代价。
Chet 是个很自我的人,从来不迁就别人,这从影片很多情节中可以表现出来。
他自私,甚至有点幼稚,他离不开 Jane,处处需要 Jane 寸步不离的照顾和安慰,在两人关系中需要以他的事情为中心,还爱吃醋。
最后在和 Jane 的未来,与音乐、毒品之中,他选择了后面两者;当他在舞台上用歌声向台下的 Jane 阐明了内心后,Jane 不再选择原谅,取下了定婚戒指,选择离开。
Jane 曾在 Chet 最低谷的时候帮助他,所有人都躲着他的时候对他不离不弃,在他堕入深渊时拯救过他,但怀了孩子后的她,不打算再没有期限地拯救他下去了。
Chet 与父亲临别前的一段对话,也非常精彩。
背景故事是,Chet 本出生于音乐世家,但他父亲遇上了那时候美国的经济大萧条,放弃了音乐事业去找了一份养家糊口的工作。
对话中可以看出,这段不欢而散的对话中,父子俩各有各的执念,Chet 更看重的是坚持做一件自己有天赋的事情,父亲更看重的是家庭。
所以即使自己的儿子实现了自己未能完成的音乐事业并大获成功,父亲仍对这个放浪不羁的儿子从心底感到失望。
即使有的观众不了解这位音乐人物,也多听过他演唱的著名的 My Funny Valentine 这首歌。
老友记里,Janice 曾给 Chandler 录制了一盘录音带作为生日礼物,里面就演唱了这首歌。
作为一部创新型人物传记,影片虽有不少演绎成分,但完全还原了美国那个时代的服装、发型,为我们再现美国爵士酒吧里的一切元素,包括经典款的鸡尾酒,和抽雪茄香烟的绅士淑女。
影片中的复古时髦元素,是了解那个时代的复古审美非常好的材料。
其它日记:你从未看过的《老友记前传》我有一个公众号:「梦清的理想国PLATONIC」
在my funny valentine的音符中,缓缓敲击出每个字,仿佛每个字也带有了一丝慵懒与诗意。
最近看了两部关于音乐的电影,一部抖森的I saw the light,一部伊桑霍克的born to be blue。
同为2015年上映的关于音乐诗人的电影,和country的明快比起来,还是更偏爱天生忧郁的jazz。
伟大的艺术份子最好的伴侣总少不了酒精、女人、落日海滩和让人灵感迸发的heroin。
如果不是因为酗酒无度和对毒品的依赖,我想这些伟大的人类应该可以活很久,他们对某一种事物忘我的专注的过程本身就是无比幸福的,忘我所产生的快感足以杀死很多坏细胞,可惜这种忘我又往往需要足以致死的物质的刺激,于是他们早早离开人世,留给世人遗憾的同时也留下了永恒的经典,让人回味悠长。
对伊桑霍克总有一种难以形容的感觉,从他年轻时和Julie Delpy演的爱在三部曲,再到这部born to be blue,让人不禁感叹岁月是赐予男人最好的礼物。
他所扮演的Chet Baker永远梳着一丝不苟的油头,演奏时充满专注又忧郁的眼光,以及每次演奏完毕由于假牙的缘故而错动嘴唇和一成不变的抹嘴的动作,都诉说着对爵士的痴情和迷恋。
Chet拿着心爱的trumpet对着海浪吹,对着悬崖吹,对着天空吹,对着最爱的女人吹,在浴缸里吹、在车顶吹,在小酒馆吹,在聚光灯下吹,从神坛坠落低谷,再从低谷反弹,从爱上一个人,到爱人离开,不变的是对手中trumpet的热爱,这样的人是幸福的,天赋让他们活在自我的世界中,即使偶尔迷失,但从未迷茫。
而我们常人呢,我们为什么而活,什么让我们忘我?
在没有日光照耀的角落里,我们如何自处,如何取悦自己,如何将俗世中积攒的坏细胞杀掉,也许我们都需要找到各自手中的trumpet,它可能是一盘料理,一把吉他,一段文字,一块线条流畅的肌肉,一种母语以外的语言,让精神有所寄托,留下一些印记在这个世界上,不靠酒精也不做瘾君子但也可以体会一次忘我,一次迷醉,不往来一世。
亚奇·谢普(Archie Shepp)说过:“爵士只有一种,他来自压迫和毒瘾……”一只蜘蛛从小号喇叭里爬出来,蜘蛛如同音乐的肉身幻觉一般指引着由伊桑·霍克饰演的天才一代爵士乐手Chet Baker,开启了这部Chet Baker的音乐传记片。
这并不是Chet Baker的第一部传记片。
如果真的想要了解这位俊朗迷人又撒谎、吸毒成性的cool jazz乐手的生活,1988年Bruce Weber的纪录片《让我们一起迷失》可能会提供更多近在眼前的档案影像。
《生为蓝调》作为一部剧情传记片,将叙事聚焦在Chet Baker70年代重回乐坛的这段经历上,这也是这位著名爵士乐手经历颇多坎坷的艰难时期。
影片虚实交错,徘徊于现实中的小号手与在好莱坞电影中自我消费的爵士明星Chet Baker之间,同时亦从彩色的现在时不断闪回至黑白的过去时,通过这种对照剪辑来理清事件之间的逻辑关系。
从浅层文本来看,影片讲述的是Chet Baker重回乐坛之后事业与情感的纠葛与发展,其实影片真正讨论的是爵士乐手与毒品之间的辩证暧昧关系,这是该片的叙事核心,也是一个值得深思的有趣切入点。
同时,白人爵士乐手在爵士史中的特殊位置,也让影片的男主角和影片本身增加了一重可从美国流行音乐文化方面探讨的维度。
当然,伊桑·霍克的精湛演技是一大看点,伊桑·霍克良好的音乐素养从他执导的关于西默·伯恩斯坦的纪录片《西默简介》中即可一窥。
爵士曾一度被暗指为“现代人的纵情狂欢”和没有灵魂的节奏。
传统主义者对爵士的看法是,爵士是一种源自黑人影响的狂野冲动,而爵士乐手(后来的摇滚乐手)被塑造成不法之徒的时候,药物的联结是关键。
因此,爵士乐手与毒品之间的关系很难用一两句话说清楚,尤其是两者之间无法回避的依存关系,如同影片的结尾,Chet Baker再次回到Birdland舞台最终还是会扎的那一针一样,其中的原因是那么简单,也那么让人唏嘘。
他选择了毒品,也因此选择了自我毁灭的方式,除此之外,作为爵士乐手的他也没得可选。
回顾整个西方流行音乐史,几乎就是一连串因毒品中毒死亡的长长名单,现实地说,基本不存在某一个音乐家不吸毒的时期,尽管AIDS之后在逐渐成为西方媒体的新关注点,但毒品问题始终与音乐界甚至整个娱乐业难舍难分,音乐界正是在一个普遍吸毒的社会中进行。
而爵士史上最优秀的乐手们,大多都是药物成瘾者,对于他们而言,上瘾的过程绝不仅是生理感觉的满足。
海洛因为冷酷冷漠的“时髦”爵士乐手们提供了象征性、功能性,以及心理和社会方面的需求,即“海洛因经验”。
可以说,乐手们更多依赖的是整体性经验而非毒品本身,所以不管从海洛因过渡到安非他命还是LSD,吸食毒品的整体性经验在音乐界完全是一种心照不宣的共识。
除了毒品之外,另一个与爵士乐手这一身份符号捆绑在一起的就是黑人文化,它与毒品之间的关系就更不用说,19世纪像“黑人可卡因狂”这样的谣言传说并不少见,媒体、警察和政治家成功创造了这个让公众恐惧的恶魔形象,认为黑人使用可卡因时会回到野蛮的状态,变得无法阻挡。
而可卡因与黑人群体新声音的结合则创造了蓝调(“恶魔的音乐”)和爵士,黑人、丛林音乐和毒品也因此被称为邪恶的三位一体。
爵士作为黑人文化城市之音的形象出现,基本上是黑人表达日常体验的抗议音乐。
之后的海洛因也是一样,公众对海洛因和服用海洛因者的坏印象,让它成为前往边缘社会的最佳工具,同时也确立了黑人乐手无法动摇的地位。
如果海洛因对黑人乐手而言象征从白人世界中逃离,那么,对于白人乐手而言则象征奔向黑人世界的怀抱。
对于像Chet Baker这样的白人乐手而言,与黑人世界的关系是他事业发展中无法回避的敏感棘手地带。
要进入封闭的爵士世界,白人乐手必须超越天生不是黑人这项铁定存在、也无法改变的不利条件。
爵士是黑人社会的音乐。
白人青年成为爵士乐手,比起黑人青年成为爵士乐手,象征着更严重的行为偏差。
有理想的白人乐手常发现自己处于令人担忧的真空地带,自己逃离的世界排斥他们,想得到认可的世界却很少真正接受他们。
这解释了影片的结尾,来自最优秀的黑人乐手们的掌声对Chet Baker究竟意味着什么。
片中的Chet Baker说自己并不想要什么事业,他想要的仅仅是演奏乐器。
很多伟大的乐手都有过类似的表达,但是,毒品在他们各自的生活中到底扮演着什么样的角色?
格里·穆里根(Gerry Mulligan)说:“毒品可以提供一个梦幻世界。
日复一日的生活是无趣的,其实你只想吹乐器,却不得不讨生活。
环境不好的时候,毒品似乎有所帮助。
”爵士史上最重要的鼓手亚特·布莱基(Art Blakey)认为“使用海洛因不会演奏得更好,但会听得更清楚”。
一位医生曾对一位酗酒的乐手说过:“我能治愈你的酗酒,但我可能也会‘治愈’你的才华。
”对成瘾者Chet Baker来说,他可能很清楚这一点,这也解释了他所有的选择。
Chet Baker 的人生顺意多数发生在23岁以前,当然他一直是个天才少年,一个俄克拉荷马乡村乐吉他手的孩子。
自学小号,基本不识谱不识和弦,就凭耳听学会了第一支曲子,这发生在12岁,大概用了两周的时间。
他不刻苦,天才只顺应自己的节奏的嘛,所以很容易会路线曲折,率性野生不羁。
他自觉掌控着这必要的界限,因为同行的他们跟不上他,还在吃力的摆脱音符的衔接生涩期,他已经吃透消化反刍过,再给出他觉得的恰好。
极其厌恶圆熟得来的雷同性完美,所以拒绝重复练习。
他跟那些套路来的乐手完全不同,那时只凭记忆来演奏自己的曲子。
一个美少年,从容的拎着小号一路斩获着各种掌声和认同。
母亲,因为充满了对他父亲的长期失望,把所有的宠爱都给了唯一的儿子,让他有了完美无忧的童年。
那是他的黄金时代,不论做什么都轻而易举成功的闪闪发光。
在23岁生日这天,他因吸毒第一次被抓包。
后来他被捕丑闻成了家常便饭,开始有国家拒绝他入境。
他的门齿,有说因强制戒毒,有说是因为毒资问题,被毒贩全部敲落。
这对一个小号手来说,漏风撒气没法用家伙,还能怎么更致命?!
本片截取的是他黄金期翻页,至去往欧洲发展的人生低谷时段,他开始经历爵士乐的衰落期了,“迪伦都去玩电音了。
” 那自我的衰落期是这样,吸毒让他的演出水准严重不稳定,让工作机会拒绝他了好多次,相熟的“”鸟岛“(成立于1949年,百老汇剧院区52号的著名Jazz俱乐部)老友们以及迈尔斯戴维斯都开始不信任他,待到那些好时光真的成为回望式存在了,他仍然不确信,自己被Charlie Parker挑中加入他的乐队,听完他的演奏,Charlie Parker直接挥手让其他参赛乐手走吧,拒绝听后续的比赛。
他还是那“西海岸的白猫”,那还是不久以前的事啊。
他带着女友回到俄克拉荷马,他的出生地。
母亲热烈欢迎的同时,扭头制造尴尬癌的评价说他女友长的真像Chet Baker前妻,而她是个婊子衰弱疲惫的父亲告诉他,加油站在招人,是该把小号挂起来了。
他试图跟父亲讲和,把自己的胶片送给父亲说里面有个曲子是按照你教的吹的,父亲说,那你干嘛要像个女人式的唱歌呢,然后指责他为姓氏蒙羞。
这是一个章节里太长的空拍和变调。
所有人间的爱,给付都有条件与期限,因你也同时背负了对方的期待期啊。
相互要如何面临大量的时间消磨空耗。
背运期,由亲友来扔的石头格外够分量。
他不得不慢慢吞咽,面无表情的离开,在人群里的消耗无谓,或者这是种唯一能做的及时止损。
他开始练习用假牙吹奏,也戒除了海洛因,改用低阶的美沙酮(虽也有瘾,但不会磕嗨),但是这种做法,让他陷入新一轮情绪无常低落,演奏水准也低幼,再不见当年的天份锐气意气风发。
这就是海洛因的迷局吧,非常魔鬼契约。
让你嗨到一个尽头好了,也迟早要把这多余的给付加高利讨回来。
可以直接去到片尾了 ,通过考核,就会有个去欧洲发展的机会,他独自坐在鸟岛的后台面临一个抉择, 是冒险就用这种诚实的低幼去打动迈尔斯戴维斯一伙,此时这些人就是他的人生陪审团。
还是用海洛因回到过去的那个闪光的自己。
他长的像詹姆士迪恩,一直浪子型,二十秒半小时就能吊到女人。
可作为个溺水者,他爱了很多次。
他说:"你并不知道什么是爱,在弄懂忧郁的意义之前,在爱上一个必须失去的爱人之前。
“他在片尾选择了海洛因,必须得要回自己原本的生活。
他眼看妻子走掉,已经接受了自己的宿命。
片外Chet Baker的独特,是在他出气呼气自由断句的方式,始终是即兴随意又静气不波。
他自己成为了一种透明介质,音符自带光线通过了他,浮扬着不一样的明暗色阶变化。
曲风里坚持着一种诚实与坦白,他就站在原地,决定毫不挣扎,让一切来袭好了,能滤过的那些清泠反光,碎片,距离感,高冷又诗意,绝不过度驾驭与阐释,就单纯中立,不动声色自由如风中呼吸,轻盈落体。
业内甚至会觉得这处理的太平了,又说然而不知为什么,那又很不错。。。
或者这就是Cool Jazz的度,小号这样霸气的音色,查特贝克的平,不知所起,不给控力,就适度的刚刚恰好。
村上春树说:“Chet Baker的音乐里,有一种决不含糊的青春气息。
””有一种令人胸颤的痛楚。
‘’毫无疑问,这是在与海洛因共生的他,在柔和烟雾中依稀所辩的。
个人生活轨迹,与毒品迷幻色彩并行,之间的斑驳色差,流动的冷僻冰蓝。
面容的迅速衰老还给魔鬼,他则选择在少年期的自己定格不走了。
1988年,在Chet Baker荷兰演出前夕,酒店的三楼摔下了一个吸毒者,后脑勺着地。
后来人们通过小号确认是他。
三周前,他们才给他实录完一个传记片《让我们一起迷失》,你看,已经有了一份遗言。
非专业音乐欣赏者,对爵士做不出太多评价。
只觉得霍克叔唱歌的时候,魅力值比吹trumpet的时候高多了。
算是主角演技撑起来的一部戏吧。
基本上我只有在看霍克叔的单人特写镜头时,才会慢慢入戏。
在浴缸里吹到一身血,在田野在海岸练习,到最后深情款款唱给爱人,放弃一切选择音乐回到birdland,这些时候,会看到他对音乐的热爱。
他无奈地把毒品塞进酒瓶,他对镜出神地想起从前,他当爱人不愿陪他去birdland时像个孩子似的砸墙,这些时候,会看到他的纠结与挣扎。
然而这是我努力带入情感观影的结果。
对于整个故事,我还是不想掩饰我的失望。
前一半的剪辑本来以为是戏中戏,却只是闪回,反而让叙事凌乱。
爱情缠绵的戏份太多,喧宾夺主,然而又看不出他们感情发展的逻辑,不知是导演的意图还是什么,感觉女主(姑且叫女主)就是个花瓶的存在。
而且也许是我看多了洒狗血,感觉Chet走出低谷的整个过程都很轻描淡写,回家练一练,立马能吹了;站在人门口没说两句话,立马就给录音了;和爱人有不开心,求个婚立马就解决了;在birdland一紧张,立马选了毒品就回到从前水准了——对于一部非严格意义上的传记片,整个故事的推动还是弱了些,不够流畅有说服力,也缺乏戏剧感,对人物的刻画亦不那么传神完整。
所以尽管穿着70s的宽大西裤,尽管梳着一丝不苟的油头,尽管蓝色的光束读得清楚每条沧桑的皱纹,我看到的还是一个在努力吹trumpet的霍克叔,而不是Chet的灵魂。
顺便吐槽下上海曹杨影城的放映,时有卡顿,字幕滞后且混乱。
挺影响观影体验的,不能入戏,这也是重要原因之一。
估计过两天,脑袋里剩下的,会只剩下my funny Valentine和I've never been in love before这两首老歌,和一个终身孤独的背影了吧。
《生为蓝调》是一部半全景式地反应查特·贝克。
从他的走红开始讲述,讲述了他因为斗殴而失去了演奏小号的能力,他的吸毒史,他的消沉以及复出和死亡。
他同时也是一位优秀的爵士歌手,用极具魅力的表达方式掩饰了他天生嗓音条件的不足,查特·贝克英俊的外形酷似电影明星,然而他却在50年代中期染上了吸毒,从此毒瘾一直伴随着他的后半生。
非常期待 非常失望
娘舅实在演太贴了,他确实是有这种“随便你们怎么样,我只要自己嗨就好了”的气质啊;也不知道导演是先想到他还是先弄了这个本子,反正必定是粉,所有其他人都是陪衬,
看来毒品还是挺管用的。最后那首歌确实动人。
“你真是个吃不饱的乞丐”
4.5星吧,丧我演技爆棚,全片音乐爆棚
define art define dignity the price of being on the top
★★★☆
最后感觉要看哭了都,还不错。就我个人而言,突如其来的Mingus的Haitian Fight Song简直给这片子直接加了两颗星。
就像西海岸的海风,舒缓中伴随着乐手的些许忧郁,恰如布鲁斯,他生为蓝调,带着遗憾继续即兴,在不断的绵延中落下帷幕
烂
Quite plain, but, come on, that’s Ethan Hawke singing My Funny Valentine, isn’t your heart melting?
真是做作。不过,前面看客在吃爆米花 搞得我好饿~~~
对于文艺人来说,可以从中找点感觉。但需要耐心,传记片一般都需要耐心。伊桑霍克真是好坯子。
thumbs up for the colourist!
Ethan_Hawke的演技多半被消耗在一些素质平平的电影里了
伊桑霍克这么些年了还是很像一只悲伤的小鹿。而且他对自己嗓音的控制真是挺厉害。
节奏缓慢,人物表现的不细腻也不极致,想玩形式也没有玩到底。该展现的传记人物应有的魅力也没憋出来。整个片子基调沉闷,真的做到了“波澜不惊”。好在伊桑霍克的表演还算到位。
不喜欢也不太行
感情戏冗长,却因为是Ethan Hawke而显得无比合适。他的蓝调不是南方的潮湿沼地荒野和十字路口,是广袤雪地和波涛海原,但宽阔的时空维度里没有情人的位置,造就的孤独也并不逊色于生离死别。很喜欢70s的颜色背景,所有关于这时代音乐的故事都显得和世界纷扰无关。
中规中矩,无大惊喜;喜欢Chet Baker是另一回事。