永恒之门

At Eternity's Gate,梵高.永恒之门(港),梵谷:在永恒之门(台),在永恒的门口,在永生之门

主演:威廉·达福,鲁伯特·弗兰德,奥斯卡·伊萨克,麦斯·米科尔森,马修·阿马立克,艾玛纽尔·塞尼耶,尼尔斯·阿贺斯图普,艾伦·奥伯特,阿蜜拉·卡萨,洛丽塔·夏

类型:电影地区:瑞士,爱尔兰,英国,法国,美国语言:法语,英语年份:2018

《永恒之门》剧照

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《永恒之门》剧情介绍

永恒之门电影免费高清在线观看全集。
威廉·达福将加盟朱利安·施纳贝尔([潜水钟与蝴蝶])执导的新片[在永恒的门口](At Eternity’s Gate,暂译)。达福将在片中出演文森特·梵高。电影将聚焦梵高在法国阿尔勒与瓦兹河畔奥维尔度过的时光,重点讲述艺术家的创造力和为创作做出了怎样的牺牲。该片将在法国当地取景拍摄。热播电视剧最新电影智能大反攻绝命复仇癫狂哥太空堡垒卡拉狄加:利刃之回闪幻影沙城苍穹的法芙娜THEBEYOND美国范儿3Mission-E法式出口郎在远方有母亲等待的故乡关怀危险辩护夏目友人帐不识君南海鲛人出戏科搜研之女第23季才不要和老板谈恋爱203破案组塔木德律书群鸟之地破门而入杀手们芝加哥烈焰第一季偶像活动Planet!父亲的维也纳宕机异次元十五年等待候鸟钢铁拳

《永恒之门》长篇影评

 1 ) 爱有多深,恨就有多深

看完了威廉达福演的这部梵高的传记电影:《永恒之门》,还不错,配乐大赞,画面构图美到爆,威廉达福老爷子的演技炉火纯青,很好地将梵高这位集理智与疯狂于一身的天才画家演绎地淋漓尽致!

该片讲述了荷兰后印象派画家梵高在法国阿尔勒与瓦兹河畔奥维尔度过的最后时光,以及他在作品不受待见的压力下继续创作,最终被关进精神病院的故事!

愚蠢的世人啊,你们又怎么会懂得天才内心的孤独和高傲,又怎么能够感悟天才灵魂的纯真和无暇!

不疯魔,不成活,天才和疯子只是一步之遥,艺术家的精神世界我们一般人无法理解,他们所取得的成就一般人也是遥不可及!

孤寂的天才之间也是惺惺相惜的,梵高和自己的挚友挚爱高更之间非同寻常的关系更加让这位天才身上多了一丝神秘色彩!

他们之间相爱相杀,在各自生命低谷的时候遇见彼此,互相赏识,却又存在创作理念的分歧,最后不欢而散,爱有多深恨就有多深,所谓爱恨无非是情感的外现罢了!

 2 ) Vincent van Gogh

There must be a soul and a Heaven for Vincent to look back on his own life and admire his own genius together with God Almighty. He sent him there not to suffer, He sent him to enlighten, unfortunately at a wrong time. /// Art is the means for us to send all the greatness at our hand and in our mind to the eternity’s gate, and by doing so at least offer them a chance to live forever.

 3 ) 艺术家最可贵的就是他看待世界的个人眼光

艺术家最可贵的就是他看待世界的个人眼光,导演朱利安·施纳贝尔是位艺术家,他用他自己的方式来拍梵高,来向梵高致敬,手提摄影、美丽的光影、沉思的配乐、脸部特写、尽可能去接近梵高的主观视觉、甚至是联觉。

在高更描述的愚蠢、邪恶、无知的环境里,要活得和别人不一样就够艰难的了,但梵高却还要用自己的不同来唤醒别人。

于是他生前被人们质疑是不是个画家、被扔石头、被殴打、被送进精神病院、被赶出阿尔勒、没有卖出一幅画、甚至可能是被自杀。

在一个普遍的不认同、甚至要打击和自己认知不同的人和事的环境里,做一个特立独行的艺术家是痛苦的,而真是这种痛苦给了这世界更美好、以及永恒的可能。

在不算少的关于梵高的电影里,我喜欢这部,特别是那三场梵高分别和医生、牧师对话的戏,这是一位艺术家的内心独白。

达福演的梵高无愧于奥斯卡最佳男主提名,而演高更的鲁伯特·弗兰德也特有魅力,法国影星马修·阿马立克的客串更加添赞。

 4 ) 那個死去的男人我們仍然不認識他

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作者:Lizard(来自豆瓣)来源:https://www.douban.com/note/706388820/影院好读版猶記童年因為看了蜘蛛人一晚上做了惡夢,那個跟綠惡魔合而為一的男人撞破了窗戶,衝了進來,那是他媽的威廉達佛,在最初的印象,他似乎只有兩種表情,一種是恍惚、一種是邪笑,而這兩大表情適合極了這次他所扮演的梵谷,在本片中他如此說:「我就是我的畫作。

」而梵谷的畫作,給人不安的感覺,為什麼?

因為世人追求平靜。

「我不想平靜,我想失控。

」梵谷對給他建議的高更大吼。

梵谷的畫作有什麼風格?

就寫實而言他做的一塌糊塗,如果我們說的實是指事物的表象的話,然而如果我們說,有這樣一種現實,是能量的流動,是太陽打在萬物身上,促使萬物流轉的現實,那他做的異常完美,從描繪內容來看,梵谷可說是遊走在陰鬱與陽光的兩端,但貫通兩者的是「流動」,比起清晰的造型,梵谷更有興趣在捕捉「流動」上,「流動」沒有好壞,能量從生者到死者、從死者到生者都一樣是「流動」,當療養院牧師與他對話,要鑒定他的精神狀況時,他引用耶穌的話:「不要想肉眼看的見的事物,要趨向看不見的事物」還透露了自己對於宗教的熱忱,對他而言,信仰就是生活,生活就是繪畫,而生命不過是充當此三位一體存在的燃料,從梵谷在寒冷的天氣為了作畫不惜把鞋給脫了放在地上就知道他認為哪個比較重要。

而一個不善溝通的狂熱信仰者必然被村民當做怪人,因為梵谷除了給弟弟西奧寫信時會使用語言,其他時候繪畫才是他的主要語言,大多時間他不是關在房間,就是關在戶外,兩者的共通點都是沒有其他人,比起人類,他更像動物,但他渴望加入人類,卻發現無法實現,所以他痛苦,「我想加入他們」他說。

痛苦,然後酗酒,酗酒後斷片,斷片後沒有酗酒就畫圖,生計全靠弟弟支援,鎮民對其懼而遠之,簡而言之就是個問題人物,威廉達佛成功詮釋了一個作為問題人物的梵谷,如刀削般嶙峋的面容,以及威廉達佛的特長,使得他微笑時比不微笑還可怕,即便那其實只是他熱情的溢出。

「我覺得我自己是個被放逐者。

」電影導演朱利安施納貝爾在畫面呈現主要採用了三種元素,不斷搖晃的鏡頭、風光明媚的美景、刻意放大的人臉,使得觀眾的視角不斷的遊走著,有時候,我們似乎是梵谷口中那個在他身邊徘徊的天使或人類,不懷好意的凝視著他,使得梵谷的行為看來更加怪異。

有時候,我們似乎是友善的朋友,跟在他身邊,一同浸入自然,一同與物同遊,看到他一次又一次的踏入麥田、跨過花園,奔跑徜徉於熾熱的天地,心滿意足的安詳躺著。

有時候,我們似乎是梵谷的眼睛,打量著這個他所疏離的世界,打量著他所疏離的人臉們,朱利安施納貝爾切換著這些視角,運用著重複、運用著觀點切換,他並沒有打算完全寫實的再現梵谷死前的一切,而是在主觀鏡頭與客觀鏡頭間切換,同時片段的呈現梵谷的生活,逐步揭露他與他人的關係,他與自然的關係,他與創作的關係,甚至不惜讓他直接在與高更的對話中大剌剌的說出自己的藝術觀點(對,梵谷不是只畫畫的人,他也是有受藝術史教育,有自己想法,有崇拜的藝術家,並能用語言組織自己想法的人,即便那時常是比喻性的話語,對於繪畫,他有近乎瘋狂的熱忱,但他絕對不是野獸。

),保羅高更用一種清晰的方式看照自己的作為並計畫未來,所以他很快抓到市場需求,準備離開梵谷,但梵谷卻得不到市場的喜愛,只能一人留下,或許這種在對白中交代觀點的方式很粗糙,但別忘記,梵谷本來就不是因不愛說話而沉默,而是因為不被傾聽而沉默,對於弟弟他是無話不談的,先不論那大量的書信,兄弟見面時梵谷對弟弟的依戀就明白表現,梵谷不是一個喜愛孤獨的人,而是被迫孤獨的人,因為不善解釋與害羞,同時害怕被否定的性格,即便好不容易得到藝評人青睞,他卻不能接受藝評人對自己作品的評價,甚至不願意與藝評人見面,因為他不能接受藝評人把自己的作品說成是令人不安的,他拒絕他人的詮釋,拒絕誤讀的可能。

他不能接受自己是令人不安的,如果上帝就是自然,而自己因為上帝的給予的天賦,看到自然不為他人所見的一面,也就是看到上帝,並呈現出來,那這怎麼可以令人不安?

這體現在高更與梵谷的爭論上,高更認為梵谷的繪畫太依賴現實事物,要有自己的詮釋,但梵谷卻認為自己是在呈現自然,而非詮釋自然。

「我只是畫出我看見的東西。

」他多次強調是「呈現」而非「詮釋」,與之對比導演則在「呈現」與「詮釋」上捉摸不定,使得一個梵谷有著不同的面向,如在片頭,鏡頭朝牧羊女接近,此時我們看不到梵谷,只聽到他急切的聲音,以及看到牧羊女疑惑的表情,梵谷一邊說:「你好美……我要畫你」一邊靠近。

電影後半段又接回這裡,我們這時多了一個觀點,是梵谷的視角以及牧羊女看他的視角,在前者牧羊女瀰漫黃光,後者則是一個狂熱的怪人,在口頭指揮後進一步動手要替牧羊女糾正姿勢,進而使牧羊女陷入驚慌,導演似乎刻意將梵谷一生的悲劇與才華合一,因為他如此的不善溝通又如此熱情,必然只能透過能獨自完全支配的繪畫來表達自己,但除此之外他與我們是遙遠的,於是觀眾的位置是不定的,我們被導演搞的像梵谷一樣腦中出現各種聲音,重複、延宕、錯亂,於是梵谷期望的不容誤解對上導演刻意多元的詮釋讓觀眾處於與梵谷同樣不安的位置。

他真的如口頭中那樣,相信自己如耶穌,註定出生太早,註定被世人釘死嗎?

或許他並沒有那麼確定,因為他自己說:「我不能停止繪畫,因為一停止就會開始思考。

」他是故意將自己投身在繪畫之中,來躲避對自我的評判,因為逃避對自我的評判,他就不必面對殘酷的現實。

他不受歡迎而且他是個怪人。

本片片名來自梵谷1890年5月在聖雷米精神病院完成的畫作,其實是家喻戶曉的一幅藍衣老人坐在椅子上彎腰抱臉的作品,左下角有一團旺盛的火爐。

我們看不到老人的臉所以不知道他到底在想什麼,我們唯一知道的是與旺盛火爐與之相對的,是老人看到的一片黑暗,或者我們所不能見的,他腦海中的風景。

或許這就是導演對梵谷的想法,他或許想說,直到今天,我們對於梵谷,或許仍然所知不多,這裡說的是梵谷到底看到了什麼而非他的生平,或許他自己都不知道,但為了逃避痛苦,投身喜悅,他將自己投身在作品之中,進行一種自我客體化的行為,他最終找到了與世人相處的方式,就是把自己變成煤炭,變成自然,燒盡自己,將自己化為作品裡那照亮世人眼睛的光,因此,梵谷真正的死因反而變得平淡無奇也毫不重要故被導演快節奏的處理了,因為他早就意識到無論怎樣自己就是會因眾人而死,什麼時間與什麼方式並不重要,為了替無知贖罪,這是必須的犧牲。

所以他說:「不要怪罪任何人。

」而在電影最後,開場的那句話彷彿自我預言般實現了。

「我只是想加入他們而已。

」電影最後幾幕,梵谷的棺材放在螢幕中央,臉孔呈現前所未有的平靜,他的畫作擺放在他的周圍,除了親友,還有前來憑弔以及收購他畫作的人們,隨著人們進進出出,畫作漸次減少,似乎也暗示著他願望的實現,彷彿是一種耶穌似的聖餐,分享了自己的血肉給他人而無所要求。

今日,梵谷已經成為了最值錢的ICON之一,他以一種奇特的方式,延續了自己的生命,即便他與我們的距離,如同他作品的價格與我們的薪水的差距一樣與日俱增,我們看著他,卻對他所看到的,一無所知,而除了弟弟西奧及少數人,大家愛的都是沉默的梵谷以及他沉默的屍體。

他的瘋癲必須被罐裝保存起來,正如他的耳朵必須被包在手寫信紙裡,文森梵谷的最後時光,被導演用了美術館明信片式的漂亮無害而非前衛挑釁的狂亂躁動呈現出來,他或許也意識到自己這部電影的諷刺性,所以才特別提及梵谷的數幅素描被收在帳冊裡頭,正如他的畫作的「金色」的雙重含意。

 5 ) [Film Review] At Eternity’s Gate (2018) 7.4/10

Painter to painter, maverick artist Julian Schnabel’s 5th feature, is a spate of stream-of-consciousness flows attempting to reify the world seen through Vincent Van Gogh’s eyes, played by Willem Dafoe, who possesses a high-fidelity gauntness albeit is far on the wrong side of Van Gogh’s real age. In AT ETERNITY’S GATE, Schnabel emulates a Malickian freewheeling visual fluidity to concatenate the clumps of events and anecdotes into a loosely chronological narrative of Vincent’s last years, deploying a restive subjective vantage point, ultra close-ups with its subjects often either bisected by amateurish Dutch angles or half blurred, constantly wobbly camera mobility and in one case, a blanched superimposition canalizing Vincent’s direct utterance with his devout but far-off brother Theo (Friend), who takes on the full responsibility to give him financial support and share a touching moment with him in physical propinquity on a hospital bed. Clearly, Schnabel’s own artistic disposition garnishes the film a gentle, poetic feel which, unfortunately never amounts to a full epiphany, and is somehow undercut by the prosaic dialogue, especially when articulated in a contemporary-inflected English by the main cast. That said, Dafoe is undeniably mesmeric in this painterly incarnation, a tragic peintre maudit ailed by solicitude, hostility, poverty from an unappreciative outside world and an internal urge to reconcile his craft with the divine nature seen through his eyes. The hammer blow that spurs him to cut off his own ear is the desert inflicted by his so-called kindred spirit Paul Gauguin (Isaac), there must be more than just aesthetic discrepancy that creates their falling-out, but Schnabel apparently doesn’t dare to dig up dirt and his focal point never drifts away from an ever-sympathetic Vincent and Dafoe avails himself of his staggering resemblance to create a wandering, aching soul perpetually seeks inspiration and solution in the eternal nature, whereas human interaction remains reductive, BEST ACTOR honor in Venice and Oscar nomination No. 4 are his well-earned rewards. It is a sure thing that any Schnabel’s work will not disappoint his audience relative to capture the picturesque allure of its landscape, and here his impressionistic endeavor is up to eleven, the rural southern France never looks so vibrantly spellbinding on the screen when nearly every shot is constructed with a dominant chromatic focus that instantly catches a viewer’s attention and begs admiration, concomitant with Tatiana Lisovskaya’s minimalism score (discrete piano clinks alternating with lilting rhythm) that further infuse the film with a modern pertinence that might best reflect Schnabel’s own understanding of Van Gogh’s existential quest. One has every reason to cavil at the necessity of another Van Gogh biography, and Schnabel’s personal re-imagination might not shed any new light on the well-trodden story (except for contesting that his perdition is not self-inflicted, but a horrific accident), but it has a distinction of its own flair, particularly disposed to those who is bestowed with an artistic bent, and often deviled by an inner conflict between what you envision in your mind’s eye, what is presented in front of your eyes, and what you actually create in front of your eyes, plus, no one should be that callous to deny Mr. Dafoe this once-in-a-lifetime opportunity to play such a bespoke role, it is his kismet and our pleasure. referential entries: Schnabel’s THE DIVING BELL AND THE BUTTERFLY (2007, 8.1/10), BEFORE NIGHT FALLS (2000, 8.0/10); Dorota Kobiela and Hugh Welchman’s LOVING VINCENT (2017, 7.5/10).

 6 ) 《电影评论》访谈:威廉·达福【译】

作者:Amy Taubin (Film Comment) 译者:csh 译文首发于《虹膜》《永恒之门》是一幅文森特·梵高的肖像,讲述了他一生中最后、也是最多产的阶段的故事。

这部影片由威廉·达福主演、朱利安·施纳贝尔导演,导演自己也是一个画家。

这部影片的完成确实仰仗于多人的合作,所以我不太确定是否可以把它当作是一部施纳贝尔的作品。

施纳贝尔与达福一起通过逐帧的努力,创造了这部前所未有、令人信服、打动人心的故事片,讲述了伟大画家的所作所为、所思所想。

达福精湛的演技,为他赢得了威尼斯电影节的最佳男演员奖。

自1980年开始,达福已经出演了超过一百部电影,赢得了三次奥斯卡最佳男演员奖提名。

最初,作为实验剧团——伍斯特剧团的成立者之一,达福开始了他的表演生涯。

不过,当他将喜剧表演的技巧应用到银幕上的时候,我们从未觉得他的表演有不自然的感觉。

他扮演的角色们——梵高的角色是其中最为突出的角色之一——在银幕上栩栩如生,他们就像是某种入口,让我们看到了无穷的可能性。

这种可能性不仅在于达福的百变,也在于他的表演对于真实的触碰。

这一次,我们得到了采访达福的机会,有幸能够获知他对《永恒之门》、对表演的思考。

我在思考你的表演过程,和梵高真正的绘画过程之间的关系。

为什么他在绘画的时候,更能感受到自己的存在呢?

我想每个人都会想要身处「漩涡」之中。

我用这个词,是因为这就是他在画的东西。

他在绘画的时候,真的停止了思考。

这不仅仅是一种冥想,这是因为他遇到了某种比他更为伟大的事物。

这是一种灵魂上的冲动,这是与人类之本质的交会,这事关我们如何面对这个事实:我们出生之后,要面对的第二件事,就是我们会死。

这都是一些很基础的概念,但它需要通过具体的动作来表达。

这不是什么意见,也不是什么观点,这就是一系列的动作,就像舞者那样,像工匠那样。

梵高曾说:「基督不过是个工匠。

」确实如此。

你阅读了很多梵高写的文章吗?

是的,它们非常优美。

他非常真诚、非常坚定。

通过这部影片的工作,比起他的痛苦,我已经对他那种陶醉的状态更感兴趣了。

这是他真正表现出来的东西。

在这部电影选取的时间段,他受疾病摧残最深,但他的艺术创作也最投入。

是精神上的,还是身体上的疾病呢?

两者都有。

我不太清楚他的精神状态,我只能从他的信件中去体认。

不过,你能知道的是,他疯狂地创作。

他极度地投入,去做自己真正想要去做的事情。

虽然你说你更能体认他的陶醉感,而非痛感,但我还是觉得,这部影片最动人的时刻,恰恰是关于他感觉自己被遗弃的时刻。

当高更(奥斯卡·伊萨克饰)告诉他,自己要离开的时候;当他的哥哥提奥(鲁伯特·弗兰德饰)到医院去看望他,而他在床上,蜷缩在提奥的胸口的时候……那些时刻对我来说是不可磨灭的。

正是这些时刻,让文森特成为人,而不仅仅只是一个著名的、古怪的画家。

你说的也能成立,不过,我再重申一下,我关注的是他作为画家的人格。

和提奥的那个场景嘛,那是很本能的东西——两个成年男人,在一个收容所的病床上,拥抱在一起,然后文森特说:「别离开我,别离开我。

」我的意思不是说,我在那个时候像是睡着了一样,没有在表演,而是说,那些场景是自然而生、高度自洽的。

同样地,在那个阿尔勒漂亮的公园里,我只是听从自己的身体,跑到那里让高更离开,是那个场景自己在运作。

我没必要在其中注入一种被遗弃的感觉,遗弃感本来就在那里。

你是说,一个人呆在那些空间里,就能产生一种被遗弃的感觉?

是的,而我的角色呆在每一帧影像里,都能产生这种感觉。

这感觉就像(文森特)变成事情的核心,别的角色、事件只是在他的人生里进进出出。

当奥斯卡和鲁伯特在旁边的时候,是一种不同的经验。

当他们走了以后,我就只剩下一个人了。

我身边只有朱利安和其他的剧组成员。

(笑)我们呆在非常寒冷的阿尔勒。

我们十一月的时候在阿尔勒拍摄,当然我们还得穿着这时候的衣服,里头可没套着戈特克斯(译者注:一种防水、透气的布料,用于制作户外服装)。

这部影片里的第一句台词是你的画外音。

文森特在思考,如果自己只是一个正常人会怎么样。

就是一个群体里的成员。

带点社会性,又带点功能性。

他说:「我想要变成他们中的一员,我想吃点儿奶酪,然后我会画一幅画,他们会拿过去看,然后微笑。

」这是带有功能性的社会成员,他们所谓的「生活」只有最表层的意义。

你能聊一聊你和导演朱利安的关系吗?

他是一个艺术家,我认识他已经三十年了。

我说的「认识」不仅仅是社会意义上的认识,我也知道他在片场的工作方式。

他为我画了一幅肖像。

我喜欢结识的艺术家,都有一种收集东西的爱好,他们把东西带到一个房间里,然后操纵它们,在它们之间创造出关系来。

这基本就是他在做的事情,他拍起电影来也没什么区别。

他收集那些吸引他的东西,然后把它们放在一起,看看会发生什么。

他是一个好奇的家伙。

我说他是一个艺术家,还体现在他创造的是反映他私人经验的东西,他也拥有能够表达它们的技巧。

当然,这部影片是关于绘画的,但他不能扮演这个画家。

他单纯就是长得不像梵高。

所以我为他而画。

我也很高兴,能够成为他的「造物」——他人内心悸动的造物。

有些人觉得这听起来很可怕。

「你不喜欢表现你自己?

这听起来太被动了!

」不过,我觉得在顺从他人、失去自我的过程中,存在着一种强大的力量,因为这样你就不用保护任何东西了。

你就真的拥有了那种可能性,去目睹你之前不可能看到的东西。

我喜欢这种体验。

这样,你就拥有了一种强烈的个性,你可能有超常的欲望、智慧或是饥渴,我就像是扮演着一个探索者的角色。

通过我的身体, 我让自己能够接触这些经验,它们也确实呈现了出来。

我想要让这些东西作用在我身上,然后改变我。

这是一种很美妙的体验。

所以,你还是会和二十年前一样,说你没有想要做导演的想法吗?

是的,没有。

因为我觉得当导演需要承担一种责任感。

我作为一个人,和扮演某个角色的演员,是很负责任的,不过一个导演需要把事情引导到某个特定的方向去。

当我必须做这样的事情时,我就得识别事物、言明事物,我就得从那种忘我的状态中脱离出来。

而且,我也不喜欢告诉别人该做什么。

我不是说我是一个伟大的人……单纯就是,当我身在那种处境的时候,我就是不知道自己需要什么。

例如,当朱利安的工作进行到某个时点,如果那里有一个特殊的结构设置,他就得拆解它,因为他得认识他自己。

而对于我来说,我得接纳这个设定,因为它让我内心的某处获得了自由,我不仅仅只是对这个设定作出反应。

这就是作为行动者的演员,和作为监视者的导演的区别。

我是一个行动者、一个舞者、一个运动员,而不是一个创作者、一个导演。

他们之间可能也有重叠吧,不过,我选择只做演员,单纯就是我的个性使然。

 7 ) 一部预告片比正片好看的电影

这是一部画家拍的关于画家的电影,电影有导演Julian Schnabel作为一名画家对梵高的细想,画作的理解,以及他对于人们应该更深入去感受现实的呼声。

我个人很喜欢导演之前一部电影《潜水钟与蝴蝶》,这部《永恒之门》感觉无论情感还是含义都有点浅表,缺乏深度和新意,有点匆忙的感觉。

这片子最出彩的应该就是Willem Dafoe的表演了,配上摄影师大量手持和极近镜头,让人有一种与人物在一起的感觉。

服装化妆道具也很用心,比个赞。

我去看的那场,电影结束后有Willem Dafoe问答环节。

感觉是一个很真诚和言之有物的演员。

会在主持人说了一堆溢美之词后,说“ you've said many nice things, but I don't know",然后谈论关于自己很真实的体验。

关于绘画,他说他为了这部电影去学了画画,画画里面的每一笔,和其他笔都是产生联系的,在这些联系中,整幅画有了生命力。

关于这部电影特殊的的摄影手法,他说有一些电影,你是需要意识到摄影机的,你得从中得到一种表演的张力,另一种,你是需要忘记摄影机的,你忘记自己在表演,这部片是后者。

对于表演,他说“假装”对于表演是一件很优美的事,你让自己变透明,让角色渗入进来,但你没有抛弃你自己,最后当一切自然融合后,表演就是一种自然的表现。

对于选择电影项目,他说他最重视的是film maker,如果是一个很有趣的,很有想法的人,然后他的这个电影有他觉得他可以贡献的地方,他就会毫不犹豫接下,至于公司,合同等,都是他几乎不考虑的事情。

本来没想写影评,但真的很喜欢Willem Dafoe的风格,受他影响,写下这篇温和诚实的影评。

 8 ) 艺术联觉:解构梵高眼中的世界

为什么又给梵高拍一部电影呢?

——本片不为讲故事,而是意在重现梵高的联觉。

在电影院坐了大约十分钟,我意识到这部电影到底想干什么——它不是要讲一个众所周知的故事,那明显太无聊了,可为什么又要给梵高拍一部电影呢——本片的目的在于贴近,并尝试重现梵高眼里看到的世界。

如果梵高称自己的作品是一个艺术的 gesture(象征);那么本片便是另一种 gesture:为了重现梵高的联觉通感、情感滤镜、以及敏感内心。

这部电影豆瓣得分很低,但我认为可能是观众误解了它。

它比之前那部《至爱梵高》(影评)更加深刻,更加返璞归真,同时又打破传统:放弃电影讲故事的范式,而是以意识流般的镜头去贴近梵高眼中和内心的那个世界。

所以,想要明白本片要怎样去看,那便要明白,梵高本人不是用眼睛在看,本片也不是在讲故事。

要越过这些既定的思维,用“感性”去体验本片,去贴近文森特·梵高。

重现梵高的“联觉”联觉(Synesthesia),又译共感觉、通感或联感,一词源自古希腊语σύν(syn),"共同",和αἴσθησις(aisthēsis),"感觉"。

这是一种具有神经基础的感知状态,表示一种感官刺激或认知途径会自发且非主动地引起另一种感知或认识。

说回到影片的头十分钟。

1)梵高第一次走在乡村的原野上,他张开双臂,以最大的身体表面积去感受林间的阳光;2)进而他坐在原野上等夕阳落山,而当夕阳余晖烧尽最后一丝光彩时,他将泥土洒在自己的脸上——泥土带着夕阳的温度,也带着烧灼的气味。

我在这一组镜头之中感受到了多感官的接通:正午阳光的金黄——温暖的体感;夕阳灼烧成紫红色——泥土的干燥气味。

这种看到温度,闻到颜色的体验,被称作“联觉”。

之后,3)梵高在芦苇丛里观察,让风带着芦苇抚摸他的指尖;4)死去的树干不再是原来的棕色,而是‘死亡’与‘忧郁’的蓝色;5)还有他和弟弟相拥,镜头这里切换到芦苇地,仿佛是兄弟二人的呼吸在吹动着草叶。

6)甚至当梵高和别人说话的时候,比如酒馆的女主人,镜头从上而下打量着女人的脸,带着观众从她右边眼窝里的阴影,慢慢看向她没有落在阴影里的左眼,进而是她温热潮湿的呼吸浅浅印在镜头上,印在梵高的脑海中。

这种种迹象,表明电影在尝试通过镜头语言——非常近,非常私密——以及剪辑,让观众去体会梵高看到的世界:事实上,他观察这个世界,不仅仅是通过眼睛,而是通过多种感官,通过“联觉”。

梵高的这种体验也反映在他的作画上。

片中高更批评梵高:“你的作品总是颜料用的太多,仿佛你不是在画,而是在雕塑”。

这时,电影切换成黑白色,在阳光下,堆叠起伏的油画颜料呈现另一种光景——它们自带高光和投影,和树木繁茂与稀疏的gesture相呼应。

梵高将“阳光”转化成了体积。

他的确是在雕塑。

情感滤镜和敏感内心影片在很多地方都采用了一种模糊的、上远下近的镜头效果。

这些奇怪的镜头常出现在梵高情感波动的时候;而且,如果你仔细观察,它们总带着一种颜色。

比如树木素描的那一组镜头,明显加入了蓝色;而秋季麦田和牧羊女的镜头,又掺进了明黄。

我认为这是梵高的“情感滤镜”,亦是联觉的一种体现——当梵高内心在经历一些波动时,镜头(或者梵高看到的世界)就会呈现出“非写实”的色泽。

电影里高更还这样评价过梵高的作品,“在所有描绘自然的画家中,只有你的作品带有思考”。

我想,这不是梵高主动的“思考”,而是“情感滤镜”加工了他笔下的自然,令画作别具一格。

梵高的另一个特点是他内心敏感温柔。

当高更离他而去,他的脑海里重放着高更的话,每一次都越发令他伤心。

而当有人真正伤害他,比如片尾枪击他的少年,他却选择体谅伤害者。

这种敏感脆弱的性格也让梵高趋于“神经质”,从而,当他想要表达自己的情感时,他无法向外发泄,只能不断地向内伤害自己的精神,成为“疯魔”。

这令我想起另一部关于艺术家的传记电影《最后的肖像》,讲的是贾科梅蒂给美国人詹姆斯画像。

这位艺术家同样情感充沛,但他不惧怕表现出来,甚至伤害旁人,他深深的愤怒刻在画板上,又是另一种风格的作品,与梵高的完全不同。

最后的肖像 (2017)7.02017 / 英国 / 剧情 喜剧 传记 / 斯坦利·图齐 / 艾米·汉莫 克蕾曼丝·波西总结一下。

我认为这部电影是好看的。

请想一想,梵高仅仅是表达自己的感受,已经竭尽全力,付出生命;那后代人想要贴近、窥探他内心的尝试,比如本片,若是能引发新的感性体验,那便很了不起。

看完本片,我体会到梵高的联觉以及情感,这就是本片独具一格的价值和艺术魅力。

在电影最后,高更说,梵高喜欢黄色,而他自己喜欢紫红。

这和影片开头第一次展示梵高“联觉”的场景相呼应:金黄色的正午阳光,以及紫红色的夕阳余晖。

我不知道这是导演有意为之,还是在这种神秘艺术联觉的引领下——梵高和高更的友谊,二者的艺术追求,以及本片的结构——自然而巧妙地被接通在了一起。

 9 ) 晃晃悠悠,浑浑噩噩

对于这么大名鼎鼎的艺术大师的传记电影,本来是满心期待的,但是开头就特别失望,镜头开始就晃来晃去,梵高和高更的对话中,镜头开始对向梵高,等到高更讲话时扭头对向高更,就像一个三流新闻摄影记者的运镜一样仓皇失措,手忙脚乱,再有,梵高一个人在前面走,镜头在后面跟着,我猜导演是想写实,让观众跟随主角的脚步跟视角,但是人家走的也没那么颠簸啊,要是晕车的观众这一会儿苦胆都被你晃出来了。

另外要吐槽的就是演员的年龄,梵高37岁自杀,英年早逝,可是主演看起来至少60了吧?

是真的找不到演员了吗?

 10 ) 洗干净又如何

前有纯绘画版的炫视觉,后有这个版本秀大明星。

两个版本都有一个共同的特点,就是把梵高神话,彻底洗白白,两个电影的导演已经不仅仅是夹带私货的问题,简直就是明了。

就是要神格化,彻底洗白,咋的吧?

不咋的,历史是任人打扮的小姑娘,何况一个画家。

我是纯油画出身,但是对梵高的看法依然与主流不同,像这种更是对主流判断的跪舔和助力。

其实很不客观。

梵高染上梅毒之后,那时候没有青霉素,梅毒引发脑炎所以总让人有幻觉,情绪总激动。

梵高也不是穷画家殉道者的代表,至少他自己不想这样过,那是纯属没办法。

这些灾难确实成就了他,把这些都神格化,对梵高肯定是一种扭曲。

但是为什么又要打高分呢?

因为拍了比不拍强,拍的不好也比不拍强。

起码传播了美术史,这种边缘文化还是急需推广散播的。

相比让大众一无所知还是搞一点的好。

中国美术馆免费开放之后,第一时间冲进去的是要用免费自来水洗菜的大妈们。

所以还是有价值有意义的。

扭曲也比没有强。

值得鼓励。

《永恒之门》短评

根本就是仓皇逃离电影院,创新式的拍摄手法若是剪的时候发现并不奏效,就不要硬上

7分钟前
  • 唐那啥
  • 很差

这片子不太容易被大众接受,以一种很个别的视角诠释梵高的各种状态,晃动镜头+半遮挡的水波滤镜,独特。威廉达福的演绎层次感很丰富,很强,但末尾莫名其妙的小青年出现就给了大艺术家致命一击,让人很窝心很别扭,难以理解。

10分钟前
  • 影帝疯
  • 还行

常人眼中的梵高,可观性不高,对梵高的挖掘并没有想象中的多,在各种滤镜及打光的加持下,甚至令距离感陪增。虽然并不理想,但影片成功营造了油画般的美,威廉·达福的演技也是无可置疑。两星半。

13分钟前
  • 梁颂华
  • 较差

本心是很喜欢此片的,摄影、画面都很棒,威廉-达福的表演值得一看,稍感可惜的是他太老了一点,30多岁的梵高应该更具活力。影片并不刻意说故事,而是更偏重于印象、感受、心理,主观意味浓厚。顺便查了一下,那本2016年才发现的梵高写生画册,似乎仍有争议,梵高博物馆称之为赝品。

17分钟前
  • 天D行者
  • 还行

画向日葵的人

20分钟前
  • RongYan
  • 还行

7/10.众多关于梵高的电影中的最新一部,剧情与至爱梵高·星空之谜 Loving Vincent (2017)有不少相似之处,但本片的摄影有其独到之处,关注的是画家对大自然的崇拜和不舍,对生活细节的珍惜和挽留,穷困潦倒的梵高对美有着不同的定义和疯狂的追求,事实上影片也讲到梵高是有些疯了,精神上已经和常人不同了,表现在他的主观镜头上已经为上下两部分,上面清晰,下面模糊失焦。影片基本上没有多少叙事,是散文风格的,所以观感不高,但片中几位演技派演员的出演还是值得一看的。

22分钟前
  • 生活在别处
  • 还行

补193

27分钟前
  • 存在
  • 很差

给达福个最佳男主吧

29分钟前
  • 已注销
  • 还行

除了主角长得像,没有优点

33分钟前
  • 独钓寒江雪
  • 很差

还挺特别的传记片,在影像和声音上导演做了些实验,剧本有些部分也很好,就是感觉太跳跃了,不太连贯,但是这种不连贯可能是以梵高的视角出发的

35分钟前
  • 蔡粘粘
  • 推荐

汉莎航班上难得能看的片子~

38分钟前
  • 野小菜
  • 推荐

显然导演没想讲梵高的故事,他只是把对梵高的理解,借用第一人称的梵高之口说出来。论文式的观点不是问题,让角色不说人话,满口都是观点,这就不是传记片了,这是论文电影。用生活流的方式拍名人传记,除了诡异的第一人称视角,还加入了很多手持摄影跟拍镜头,加上后期的调色,小清新的滤镜用的很夸张。其实这些想法都没有问题,只是组合到一起,就有点撕裂了。这不是梵高传记,纯粹就是导演意淫。

40分钟前
  • 亵渎电影
  • 还行

画面可取,叙事拖沓,强行把梵高和耶稣挂钩有些烦人,但梵高就是那个时代的神这一点并不反对。

41分钟前
  • flyingchips
  • 还行

世界待他真残酷,唯一的温暖就是哥哥,义无反顾的支持。

42分钟前
  • Sabrina
  • 推荐

施納貝爾又來拍了梵高版潛水鐘蝴蝶,非常讓人懷疑這一噸屎是不是他最近吃下的。

44分钟前
  • 667DJP
  • 很差

作为一部梵高传记 它汲取了几个重要的转折点 凸显了一个唯艺术而生的艺术家画的越快 越是一种解放越疯狂 越是洒脱自由影片告诉我们如何用梵高的眼 来看待世界它总是那么的富于光感he said i painted sunlight.一个能发现自然之美的人 不会是个坏人只可惜他对之表达善意的人 多不担不起这份善意 所以他去了小镇被驱赶 去了休养院被隔离 甚至是他的离世可他从没怪过那2个不懂事的男孩甚至赠予了酒馆老板娘65幅画作 留在这世间

45分钟前
  • 光咻咻xiu
  • 推荐

梵高的第一视角

48分钟前
  • 真的很好吃
  • 推荐

怪我看不懂艺术咯?

53分钟前
  • 少年悖论
  • 较差

只能说威廉达福的演技很厉害了

58分钟前
  • 西决
  • 较差

5.0。《潛水鐘與蝴蝶》裡的那點小聰明不知道還想一魚幾吃,創作能力壓根匹配不上野心,最後只呈現了一出重走藝術家封聖老路的「刻奇」大賞。

60分钟前
  • Orpheus+
  • 较差